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陈卫和
今年是第四次教育部组织的高中新课改实验省培训,主要面向我国西部地区,参加的省市有、贵州、甘肃、四川和重庆,青海后来加入。这项工作在教育部师范司的领导下,纳入国培计划由中央电教馆组成项目组主持,具体仍由继教网平台运作。这次远程培训的专家团队集中地点设在北京西郊凤凰岭实创西山科技培训中心——2007年第一次远程研修新思考网平台也设在这里,期间平台被黑客攻击遭遇研修重创,这一“黑色记忆”今年又被唤起——这次远程培训开始两天由于平台技术问题登录困难,后来调用去年平台替换恢复正常。培训时间从7月28日开始,8月6号团队工作结束,8月7日至9日派出团队三位专家网络值班,继续学员作业和班级简报的评阅。
今年的远程培训工作尽管一开始遇到困难,但是在专家团队与继教网的齐心戮力下,迅速替换平台转移数据,发挥网络研修的无穷魅力,仍然取得了极好的研修效果。在研修的平台上学员纷纷转录首席专家尹少淳教授的留言:“网络断了思想不能断,平台塌了精神不能塌”,积极想办法克服困难投身远程培训。在美术学科远程研修课程简报第九、第十期后面的跟帖中,好评如潮热评不断,“感谢专家”、“感谢平台”、“从来没有参加过这么好的培训”、“希望保留平台内容”、“希望常常回来学习”等等留言比比皆是,获得超过预期的培训效果。
以下是美术学科远程研修培训情况的全面总结。
一、“中国工艺美术史”课程概况及面临的困境
1.“中国工艺美术史”课程基本情况
在教育部颁布的新的普通高等学校本科专业目录中,艺术学门类下设有5个专业类,33种专业。其中设计学类的专业包括艺术设计学、环境设计、视觉传达设计、产品设计、服装与服饰设计、公共艺术、工艺美术、数字媒体艺术8个专业。根据新的专业目录要求,各个高校的原艺术设计专业都在修订新的培养方案,而“中国工艺美术史”课程依然是这些设计学类专业非常重要的基础理论课,其重要性是毋庸置疑的。“中国工艺美术史”课程所发挥的作用是基础性的,对于设计类的各个专业而言,能够为学生铺垫重要的理论知识背景。在课程性质上,“中国工艺美术史”属于学科基础课,笔者所在学院将这门课程安排在第二学期开课,共36学时,2学分。在教学目标上,使学生系统地了解中国工艺美术自原始社会起,在陶器工艺、青铜器工艺、玉器工艺、建筑工艺、金属工艺、染织工艺等方面取得的成就;掌握工艺美术的基本属性、形式特征、发展规律和艺术风格,从中总结出基本规律,探求其历史渊源,并培养学生从不同角度对古代工艺美术进行了解和研究的能力;培养学生对古代工艺美术作品从造型、纹样等方面,结合时代背景进行辩证分析,总结特点,从而更好地应用于现代设计,提高学生的专业水平。
2.综合性大学“中国工艺美术史”课程面临的困境
综合性大学的美术学院在课程设置上有别于专业的美术院校,艺术理论类课程开设的类别相对较少,基础性的理论课程如:“中国工艺美术史”“现代设计史”“设计概论”是相对来说开设频率较高的几门课程。综合性大学“中国工艺美术史”课程面临的困境主要体现在:培养方案编制对课程的价值与地位认识不足、师资队伍的不足、学生对艺术理论课程的重视程度不足等几个方面。在编制培养方案的时候,有的综合性大学中的设计类专业去掉了“中国工艺美术史”课程,取而代之的是一些更新颖、更前沿的课程,造成这种现象的主要原因就是对这门课程的价值和地位认识不足。在设计类专业的课程结构中,“中国工艺美术史”往往被分配在基础课范畴,即打基础的课程,是与专业课相对而言的,就像是理工学科的高等数学一样。这一类课程是为了使学生更好地学习掌握专业知识,打下坚实的基础。但“中国工艺美术史”课程对于设计类专业而言,又不是一门简单的一般性基础课,严格意义上来说,它应该属于专业基础课,是专业课中着重于专业理论讲解的基础课程。师资的匮乏是造成“中国工艺美术史”课程困境的又一重要原因。目前,各个高校该课程的任课老师大都由其他专业课老师兼任,并不是由专门的史论专业老师担任,这就造成了在授课内容的深度和广度上受到限制。除此之外,教师数量也存在不足的现象,直接导致了无法进行小班上课,只能几个班级合成大班上课,人数在100人左右,教学效果不理想。很多客观问题需要慢慢地去完善,在现有条件下,任课老师可以在教学内容、授课方式等方面做一些调整,如教材建设、授课重点、考核办法等。
二、“中国工艺美术史”课程教材建设的基本情况
1917年,上海商务印书馆发行了由许衍灼编译的《中国工艺沿革史略》,这本书被称为中国近代第一本工艺史专著。在内容上,它涉及范围非常广,甚至还包括自来水、电气、煤气等领域。1940年,中华书局出版了由徐蔚南编写的《中国美术工艺》,书中介绍了玉器、刺绣、陶瓷等工艺门类的发展历史。从20世纪50年代开始,对中国工艺美术史的研究引起了人们的关注。20世纪60年代,文化部曾组织南京艺术学院、中央工艺美术学院、四川美术学院、鲁迅美术学院的相关教师编写《中国工艺美术史》,但由于各种原因,这个版本并没有正式出版。后来,陈之佛、罗尗子和王家树先生分别以油印本印刷作为教材使用。20世纪八九十年代,在上述研究的基础上出版了一些代表性的著述:人民美术出版社在1983年出版的由中央工艺美术学院编写组编写的《中国工艺美术简史》、上海知识出版社在1985年出版的由田自秉先生撰写的《中国工艺美术史》、陕西人民美术出版社在1985年出版的由龙宗鑫先生撰写的《中国工艺美术简史》、中国轻工业出版社在1993年出版的由卞宗舜、周旭、史玉琢撰写的《中国工艺美术史》、文化艺术出版社在1994年出版的由王家树先生撰写的《中国工艺美术史》。这些著作的出版为中国工艺美术的系统研究、工艺美术史教材的撰写奠定了坚实的基础,至今仍是“中国工艺美术史”课程教学的经典范本。随着对工艺美术史研究的不断深入,教材建设也越来越繁荣。目前不乏权威的、全面的、高质量的教材,如尚刚、朱和平、刘世军、陈鸿俊、姜松荣、华梅、要彬等诸位学者都分别撰写了不同版本的“中国工艺美术史”教材,尤其是2007年由高等教育出版社出版的尚刚教授编著的《中国工艺美术史新编》,作为高等教育“十五”国家级规划教材,为我们的教学工作提供了重要的参考。在这些版本中,除了延续传统的通史研究方法外,也在门类史、断代史等方面加以尝试,如2004年由湖南大学出版社出版的朱和平教授编著的《中国工艺美术史》,开始尝试从陶瓷、青铜器、玉器、家具等工艺门类展开论述。这些教材从再版的次数、数量就可以充分地说明大家的认可程度,但是目前各个高校设计类专业的人才培养方案各有不同,尤其在对待基础理论课程的思路上存在较大的差异,这样就导致了在学分设置、课时安排、教学目标、授课内容、考核方式等方面都存在着不同,试想,在有限的36个课时中,完成一本大部头“中国工艺美术史”通识的讲授还是存在一定的难度。结合教学实际,笔者在自编教材中尝试了以门类史为主,通史为辅的架构方法,这样更有利于学生对重点知识的理解。主要包括陶瓷工艺、青铜器工艺、玉器工艺、家具工艺、建筑工艺、金银器工艺、织绣工艺和湘西地区少数民族传统工艺八章,前面七章按照原始社会时期到明清时期的时间脉络设置每一节的内容,第八章则涵盖了大家非常熟悉的苗族服饰、苗族锉花、土家织锦、侗锦等少数民族传统工艺,并且将笔者田野调查的访谈记录呈现出来,让学生可以感受到最本真的艺术描述。
三、民族地区综合性高校“中国工艺美术史”课程教学改革措施
笔者参加工作以来,一直承担“中国工艺美术史”的教学任务,在教学的过程中,也在不断地学习和思考,“中国工艺美术史”课程的内容体系该如何重新架构?新的教学模式该如何建设和应用?这些问题都是该课程教学改革中亟须解决的问题。其中一个非常重要的问题就是“中国工艺美术史”教学内容侧重点的调整。“器以载道”是中国传统的造物思想,它通过具体的形态语言传达着丰富的思想境界,体现着人们的审美情感,彰显着人与人、人与物、人与自然的和谐关系。“道”的理论,始于庄子,《易传•系辞上传》有:“形而上者谓之道;形而下者谓之器。”“道”是抽象的、无形的、“形而上”的;“器”则是具体的、有形的、“形而下”的。“器以载道•道以器载”,“器”,也就是工艺美术作品,它始终是我们所讨论的核心内容,“器”以有形的语言传达着无形之“道”,同时,深厚的无形之“道”也要依附于有形之“器”来展现。而这里所说的“器”与“道”恰恰是我们最应该给学生讲解的内容,具体来讲也就是关于造型、设计创意、设计思想和理念等相关的知识,这些对于设计类专业显得尤为重要。2010年由江苏美术出版社出版的王琥著《设计史鉴:中国传统设计思想研究•思想篇》,运用现代设计学的研究方法,深入挖掘古代的设计思想,对我国古代传统设计的功能、原理、文化价值进行了全面的界定、解读和诠释,这些成果都为我们今天的设计史论研究提供了坚实的理论支撑。在“中国工艺美术史”的实际教学中,内容上可以侧重各个工艺门类主要作品的工艺分析和设计理念讲解,突出“器以载道•道以器载”的基本原则。比如商周青铜器,这一时期的青铜制品,不仅具有使用功能,还有传达森严等级制度的社会功能,是一种典型的治国礼器。商周时期的青铜礼器是从人们的日常生活用品演变而来的,被统治阶级赋予了神圣的含义。例如,代表性器物“鼎”,它同样是由生活用品演变而来,成为青铜器中最重要的一种礼器,象征着至高无上的统治权力。再比如明代家具,这一时期家具的设计吸收了中国传统造型中用线的特点,欣赏明代家具,犹如品一杯好茶,可以让我们回味悠长。造型的简洁、选材的考究、做工的精细,无不体现了匠人的独特构思在“器”物上的延续。经典之作圈椅更是把这种天人合一的精神体现得淋漓尽致,一气呵成的靠背与扶手、“S”形的背板,体现出独特的文人气息。从现代产品设计的角度来讲,它不仅仅符合人体工学的要求,而且在满足人们使用功能的同时,给人以精神享受。而将艺术性、实用性、科学性完美有机地结合在一起的长信宫灯更是体现了中国传统造物的意境,不愧是古代青铜灯具的珍品。课程中对这一作品的讲解要注重其造型特点和设计原理的分析。长信宫灯最令人惊叹和赞美的就是它别致精美的艺术造型,总体上属于人物形灯的类别,宫女跪坐持灯的形象,是汉代宫女生活的真实写照,它的造型设计改变了商周以来青铜器的神秘厚重,造型设计轻巧华丽,优雅迷人。在功能性的体现方面,要着重强调分开铸造组装的方式以及对室内环境污染问题的考虑。长信宫灯通体鎏金,集中体现了浪漫与华丽的艺术境界,它的铸造方法采取分开铸造组装的方式,先将头部和身躯、右臂、灯罩、灯盘分别做好,再与灯座等六个部分组合而成,这种设计和结构便于拆卸和清洗,制作工艺水平之高,是汉代灯具中首屈一指的作品。灯盘设计为能自由开合的弧形屏板,以调节光线方向。宫女左手持灯盘,灯盘中心有一个烛钎,在灯盘上设计有一个短的把手,通过把手地来回转动来调节灯盘上两片弧形屏板的开合,这样的设计不仅可以挡风,还可以调节光线的强弱和照射的方向,类似于今天台灯的功用。宫女身体中空,右臂上举,下垂的衣袖罩于铜灯顶部,形成铜灯的灯罩,燃烧的烟尘,通过宫女右侧手臂的袖管进入体腔内,烟尘通过灯体底部水盘的过滤之后排出,会减少烟尘中细小颗粒和异味,减轻了对室内环境和陈设品的污染。现在看来,这样的设计,类似于今天的烟道,但在两千多年前,这实在是可以堪称最先进的发明创造,说明中国早在西汉就已经着手于居住环境空气污染的治理了。除此之外,在“中国工艺美术史”课程的整体结构上,还应该考虑加入少数民族传统工艺美术的内容,尤其是对于地处少数民族地区的高校学生,这些内容的学习将有助于使学生切身了解本土少数民族的传统文化、体悟少数民族传统工艺的魅力。少数民族的工艺文化是中国工艺美术历史的重要组成部分,张道一先生在20世纪80年代末曾指出美术史研究的四种偏颇,其中就有以汉族为中心,忽视了其他55个民族;以中原为中心,忽视了周围的边远地区。因此,如果能够对少数民族工艺美术进行有理有据、言之有物的写作,无疑是对中国工艺美术史的有益补充。如果大家都能够去关注少数民族传统工艺,相信中国工艺美术的研究视野将会愈发的开阔。
参考文献
1.许衍灼.中国工艺沿革史略.商务印书馆,1917
2.徐蔚南.中国美术工艺.中华书局,1940
3.田自秉.中国工艺美术史.上海知识出版社,1985
4.尚刚.中国工艺美术史新编.高等教育出版社,2007
5.朱和平.中国工艺美术史.湖南大学出版社,2004
6.张孟尝.器以载道—中国工艺美术史分期研究.中国摄影出版社,2002
7.郑巨欣.工艺史与工艺史研究.装饰,1998.5
8.李砚祖.设计史的意义与重写设计史.南京艺术学院学报(美术与设计版),2008.2
9.李砚祖.工艺美术历史研究的自觉.装饰,2003.2
10.诸葛铠.对中国造物思想的探索和总结—关于工艺美术史学科建设的思考.装饰,1998.6
11.尚刚.中国工艺美术史教学与艺术设计教育.艺术研究,2007.1
12.杭间.设计史研究:设计与中国设计史研究年会专辑.上海书画出版社,2007
13.尚刚.中国古代工艺美术与其特点.苏州工艺美术职业技术学院学报,2011.1
笔者毕业于美术学院美术史系,在地方高校从事过八年西方现代艺术史课程的讲授,在教学中深感地方高校美术专业开设西方现代艺术史课程势在必行。虽然事实上国内地方高校大多数从事美术教育的史论教师往往没有机会去国外美术馆、博物馆实地考察,但并不妨碍这个群体在理论层面的总结和在教学过程中积累经验。互联网时代的来临,使得我们对西方现代艺术的了解渠道变得更加广泛,艺术专业的学生对西方现代艺术的渴求也变得更为迫切,这就需要课堂的讲授有效而准确地提供相关的信息,以此作为引导,可以直接影响到艺术专业学生创作的视角和主旨思想,甚至是学生今后的艺术观念。往往激进的、另类的、反潮流的艺术行径更容易引起成长中的艺术专业学生的注意,他们甚至会反思、模仿、超越这样的行径,于是授课当中所采取的客观评价与主观的灌输相比其价值与意义就变得格外重要。那么,如何采取相对的客观性?总结起来,笔者想从以下几点展开探讨。
一、教材版本应符合授课学时、授课对象、授课内容的要求
国内近30年来对西方现代艺术的翻译书籍层出不穷,从最初的简译到专门研究,甚至很多融会中国作者思想的著作都大量出现。像目前列入国家“十一五”教材建设规划的张坚著《西方现代美术史》(上海人民美术出版社出版),甄巍的《西方现代美术史》(北京师范大学出版社出版);目前比较通用的版本偏重于国外艺术史学家研究的翻译本或旅外艺术史学家的研究著述,比如天津大学邹德侬等1983年翻译的阿纳森的《西方现代艺术史――绘画・雕塑・建筑》(天津人民美术出版社出版),刘萍君1979年翻译的赫伯特・里德的《现代绘画简史》(上海人民美术出版社出版),还有王受之2002年编辑的《世界当代艺术史》(中国青年出版社出版),陈麦1988年翻译的爱德华・卢西・史密斯的《1945年以后的现代视觉艺术》(上海人民美术出版社出版)。国内专家、学者研究比较有代表性的有邵大箴先生的《西方现代艺术思潮》《现代派美术浅议》,朱铭的《西方现代美术流派介绍》,常宁生的《反叛与超越――现代西方绘画艺术》等。
从事西方现代艺术史课程教学过程中,教材的甄别和自编显然要对上述国内外相关研究著述做系统的理解,取长补短,注意一些新体例的变化和一些新视角的注入。但最为重要的是,仍然要明白教材有别于科研文章,课程安排要有一定的适用性。西方现代艺术史课程在一般高校美术专业的课程设置当中往往是2―3学分,学时通常被压缩到32学时,只有非常少的专业是56学时。32学时按照美术专业课程设置也就是两周的时间,通常文化课的安排是一周两节,1―16周结课。那么相应的教材版本选择就要根据授课学时、授课对象、授课内容来进行安排。比如现在通行的阿纳森的版本,该书鸿篇巨制,内容全面,从19世纪末一直叙述到20世纪中叶,全书24章共753页。显而易见,该书为至今国内学习西方现代艺术不可多得的一个资料版本,尤其是阿纳森的透视空间解说,更是给了读者全新的角度来理解西方现代艺术的变迁。阿纳森的24章内容即使有所侧重,把建筑内容删除,仍然是无法完成原先设计的工作量。最为重要的是,阿纳森的版本对20世纪70年代后的内容多没有涉及,这是很大的遗憾。另外像王受之的《世界当代艺术史》,教材从20世纪60年代后按照流派更迭的过程安排了16章内容,全书195页。这本书内容还是比较新的,条理清晰,显然,编者有着丰富的从事教育工作的经验,概念归纳的方式很适合讲解,同时作者在美国讲学,能够掌握第一手的资料信息。缺陷在于其框架设计并不严密,是按时间、派别、国别,作者在设计的时候并没有很好地区分,在教学中使用的时候,教师还要有机地甄别。另外该教材的时间段20世纪60年代能不能作为西方现代艺术史课程讲授的起点呢?很显然,必须从20世纪初叶开始,这就需要另外一本教材进行补充,该教材不具备西方现代艺术史的启蒙作用。此外该书书名的世界两字并不确切,准确的应该是《美英当代艺术史》,其他国别在书中篇幅较小,只能做旁证而已。而高校现行的教材征订机制明确不支持该教材的征订,因而该教材只能作为西方现代艺术史的课外阅读补充资料。而国内一些专家的相关著述虽然是诸多片段文章的汇集,但背景介绍得很充分,苦于没有新版,原著也没有相应的艺术作品图片对应,阅读时略显枯燥。相反,现在出版的许多新版教材,在体例和框架、图片和印刷方面都远远超过此前的书籍,教学时间上也安排得很合理,但是急于出新导致了语言文字不够通俗,很多学生读不明白,教师也体会不到其意图。这类教材还是应该多向前辈学习,以对西方现代艺术做简明透彻的教学引导为宜。
二、授课讲解方式多引入课堂互动和多媒体影像教学
西方现代艺术史的授课方法通常是传统的板书式讲解方式,因为更多涉及图像的教学,西方现代艺术作品需要通过投影的方式直观展现给学生,因此,运用多媒体教学成为当下艺术史讲解的主流教学方式。在授课方法上,在按照教学计划充分准备好讲稿后,课件变得尤为重要,首先,它必须图文并茂,文字必须简练,提纲挈领,且要条理清晰,准确地将概念、背景、主题人物、代表性的作品以及代表性的风格、思潮产生的影响等内容阐释清楚。其次,还要非常注重有选择性地选取要讲解的作品图片,这些图片应符合讲解内容并且是艺术流派当中最具有代表性的。在选择作品时,教师必须仔细甄别,不要轻易从互联网上选取没有经过检验的照片。比如莫奈的《日出・印象》,此幅作品在网上可以搜寻到几百种不同的版本,虽然是细枝末节不同,但艺术讲解也会产生很大偏差。所以需要我们多找些好版本的图片以及国外美术馆的矢量大图,还要多对照作者对作品描述的资料来辨认其是否与原图匹配。教师的讲解方式因人而异,方法手段不限。有的采用严谨的理论推导,有的采用启发式的梳理,有的采用趣味式的生平故事等等,由浅入深,力争使课程生动,学生易于接受。互动的授课方法在西方现代艺术史课程中也变得极为重要,观念的理解此刻似乎变得凸显,即学生在课程中如何去观看,如何去理解。教师要有意识地采用设问的方式,让学生参与到现代艺术创作的情境当中,使其身临其境感受这种思维方式。还可以让学生去尝试和仿效现代艺术的创作方法和手段,在课程中评述自己的感受。教师此时也要善于总结和梳理,根据学生的掌握程度来调整课程的进度,重在提高学生对现代艺术的兴趣,使其由对现代艺术创作之路的迷茫到理解,进而乐于参与。西方现代艺术史内容庞杂,学生在学习时不易找到头绪,对于有兴趣课后复习的学生,教师还需要提供一些条理明晰的复习资料,促进学生对知识点的掌握。
多媒体影像除了囊括艺术家的照片、艺术作品外,还有非常重要的内容,就是纪录片和相关艺术电影。国外美术馆、博物馆录制了大量的现代艺术纪录片,聘请了许多艺术史家、艺术家等艺术事件的当事人来陈述这段过程,且将作品存放在美术馆中。像美国纽约现代艺术馆、法国蓬皮杜现代艺术馆、美国芝加哥现代艺术馆等,都能近距离直观地使学生通过影像得出真实的感悟。另外艺术影片有故事情节,舞台戏剧效果极具感染力,学生在观看时常常不由自主地被影片的故事内容及画面效果所吸引,从而引发出对现代艺术的浓厚兴趣。比如观看好莱坞艺术影片《弗里达》,既弥补了课程理论教学缺乏直观性的不足,也增加了西方现代艺术史课堂教学的生动性。诸如此类的影片还有《梵高传》《波洛克》等,都能提高课程教学的趣味性,增加学生们对西方现代艺术史的兴趣。
三、学生作业需要合理疏导
1、美术理论素质
美术作为一种视觉艺术,具有其他学科难以替代的作用,它所涵盖的知识面比较广泛,包括政治、经济、宗教、文化、科技等知识,而美术教师并非精通所有学科知识。这就要求美术教师要树立终身学习的目标,在学的过程中教,在教的过程中学,不断丰富自身的知识结构,才能更好地完成传道、授业、解惑工作。丰富的美术史理论知识。高中美术欣赏课涉及到大量的中西美术史知识,教师必须做到所有知识融会贯通,运用自如。就如讲到文艺复兴美术,就必须了解文艺复兴时期的相关背景知识。 广泛阅读相关的其他学科知识。美术这一门学科本身包含绘画、雕塑、建筑、设计、工艺等门类,而且涉及到政治、历史、人文地理等其他学科,是一门综合性非常强的学科,这就要求我们更要扩大知识面,大量阅读吸收各领域的知识点。关注时代的发展。我们要用“眼”来观察对象,发现美,从而来创造美。对于现代美术创作中的一些抽象艺术、行为艺术、观念艺术、大地艺术等要能够作出比较正确的判断和分析,再适时的正确的引导学生。一切美的事物都是我们创作的源泉,在一定的社会发展条件下,我们要善于发现,创造出大量符合时代讯息的美术作品。
2、美术技能素质
美术基本技能是美术教师业务水平的另一个基本内容,美术教师必须持之以恒地训练,掌握绘画的基本技能,《普通高中美术课程标准》在学习活动建议中提出“选择学习中国画、素描、水粉画、水彩画、油画、版画及卡通等绘画类别中的某些技法、表现形式,并进行创作实践”。例如素描教学的基本技法、水粉教学的基本技法、速写的基本能力等,并能在课堂上快速、准确、生动地进行教学演示,使学生获得直观的体验。此外,美术教师还应掌握新课程所涉及的各种艺术形式的基本技能和表现方法,为有效地实施新课程提供保证。
二、美术教师的传授能力
1、语言功底
美术教师同样要具有扎实的语言功底,所谓的传道授业正是用准确的详实的语言通过跌宕起伏的语音语句传达给学生正确知识和技能方法。使学生在享受授课过程语言美的同时接受知识,提高技能。
2、个人魅力
美术是塑造美的方法,美术课是欣赏美和创造美过程,美术老师的个人魅力是提高学生对美术兴趣、能力的增高起一定作用,因此美术老师应注重个人形象、仪表、穿着、师德、为人,用个人魅力去影响学生。
3、教学经验教学方法
优秀的美术老师善于在教学中总结经验,积累成功的教学经验和教学方法总结提炼变成自己的教学能力,在教学中使学生受益。
4、美术能力
美术老师授课中仅凭一张嘴是不行的,教具的使用,做画演示,专业技能十分重要,丰富专业美术能力是美术老师必备能力。
5、德育教育
美术来源于生活,形象地反映生活,具有强烈的思想性。美术课应与培养学生高尚的审美情趣,爱国主义情操相结合。实现学生身心全面健康的发展。与此同时,美育要针对教材本身美的因素,根据教学内容进行。
三、科研能力与创新意识
1、教育科研能力
伴随美术课程改革的不断深入,从事美术教育的工作者不再是传统教学中的“教书匠”,而应转变成为美术教育教学的研究者。在教学过程中时刻关注美术教育改革的最新动态,阅读美术理论方面知识,在学习中发现问题,积累教学经验,善于总结自己或他人的教学经验,研究新的教学方法,应用于教学实践,在实践中不断探索,找出成功之处,提高科研能力。
2、创造性思维能力
著名教育家陶行知先生说过:“处处是创造之地,天天是创造之时,人人是创造之人。”每位教师都应善于开发自身的创造力,培养创新精神,开发创造思维,在教学过程中,大胆地对教学内容、教学模式、教学方法进行新的探索和改进,敢于不断创新。例如在讲《现代服饰艺术》时,根据教学目标,我们对教材的内容进行了扩展,把课程设置为《中国古代服饰及少数民族服饰》和《近现代服饰艺术》两课时,运用多媒体辅助教学,使学生对中国的服饰艺术进行全面而系统的学习,充分调动了学生的学习热情,扩充了学生的学习内容。
3、培养学生美术的能力
美术教师的教学模式提出新的要求,“教”应该向“学”转移,纠正那种以“教师、课堂、教材”为中心的程序化行为,真正地从实际出发,使学生能够学有所获。美术新课程要求教师立足于学生的生活经验组织教学活动,注重学习过程及学习方法,调动学生积极的情感体验,便他们内在的发展需求和美术教学相吻合,提高美术能力。
4、创作能力
在教学活动中,美术老师在绘画艺术、论文撰写和美术教育方面有所建树。
四、现代教学工具使用能力
1、多媒体的使用和网络教学
从教学技术手段看,网络环境、多媒体技术为美术学科教学带来了新的突破。现代媒体采用了声、光、电、图片等传递信息的形式,能在较短的时间内,运用多种手段,通过多种渠道,使学生获得全面的信息,提高教学的效率。尤其是多媒体课件的制作,能生动、直观、形象的展现艺术作品,由教师自己亲手制做的课件,有较强的教学针对性,容易激发学生的学习兴趣,开发学生的潜能。
在湘西这片神奇的土地上,奇特的民族文化积淀深厚,学生无时无刻不在与丰富多彩而历史悠久的民族文化打交道。美丽的土家文化渊源流长, 不乏丰富的土家族民间美术资源,在我国的民间美术领域中独树一帜,如织锦、刺绣、剪纸、编织、雕刻、服饰、印染、民居建筑等生产生活用具的编制,多种多样形式就成为土家族民俗文化传承的主要手段。我校地处土家族生活的腹地,探索、研究土家族的民情风俗,让其为美术课堂服务,为美术教学服务是每一个美术教育工作者的责任,同时它又为宣传土家族和土家族的发展起到重要的作用。
一、少数民族地区美术新课改教学成效
2006年6月以来,我校实施《土家民间美术与儿童美术教育研究》取得了显著的成效,把民间美术与儿童美术教学有机整合,充分利用地区资源进行校本课程开发,引导学生参与文化的传承和交流,在很大层度上弥补了学校美术课程资源的不足,不仅使学生对土家民间美术有了更深层次的了解,而且学生已喜欢上了本民族的美术作品。
(一)丰富创作素材,激发学生创作热情
在教学中,注重培养学生深入观察的习惯,注重生活点滴的积累,让他们主动深入生活,有目的去留心、体验、记忆、想象,从留心观察中不由自主的上升为体验,从体验、感受中享受愉悦,从愉悦中崩发出创作的灵感。做工精巧的劳动工具:竹背篓、木风车、竹箩筐、石碾子、石磨子等深得土家人的亲睐,也是土家族人民劳动和智慧的结晶。让学生观察这些精美的手工制品,感受它们外观美的同时,也感受到土家族人神秘的文化底蕴。在美术课上让学生欣赏它们,用自己的画笔描绘它们,学习这种古朴而又充满活力的土家文化,分享这些创造性工艺的美,就是在传承着土家人民的文明与发展,学习并继承土家人民的勤劳,感受土家人民的智慧,无疑给孩子们提供了丰富的创作源泉。
(二)创设环境教学,渗透土家文化
新课程改革提出了充分利用地区资源进行校本课程开发的要求,积极利用土家民间美术开发儿童美术课程资源,将其课程资源有机地整合起来,是美术学科课程改革的必由之路。
美术教师在教学中要创设引导学生主动参与的教育环境,激发学生的学习积极性,注重把民间美术渗入课堂。通过引导学生走进家里去寻“宝”,走向农村去寻根,走近生活去体验,走近艺人去学习等系列活动,去接触认识土家文化,把寻来的“宝物”汇聚在课堂,教师除在课堂上进行“赏宝鉴宝”等系列活动外,还可以通过家长,老一辈的爷爷奶奶,了解这些民间艺术的起源历史,给学生上一堂身临其境的民间美术欣赏课。对工艺复杂,制作难度大,且对设备要求不易达到的内容,像土家织锦、十字挑花,印染花布等,通过走访当地民间艺人,参观其手工作坊,对其制作工艺进行学习和了解,然后取其就学生的认知水平易于接受的部分进行学习制作,如进行土家织锦图案的设计,十字挑花图案设计等。 通过这些活动,使孩子们走进民间美术,深感到民间美
术的韵味魅力,同时拉近了孩子们与民间美术的距离,增强了对土家民间美术的热爱。
二、少数民族地区美术新课改教学中的应用
美术教师要通过在教材中渗透土家文化,有利于学生创作中来源生活中的艺术。在此,结合美术组课题,给予具体示例进行教学。
如讲校本教材《土家鞋垫》一课时,就是新课标教学与乡土文化习俗结合的有益尝试。教学内容包括引导学生观察和欣赏鞋垫的装饰特点,学习进行色彩的对比以及对鞋垫整体结构观察和描述,学习图案的设计,力求达到引导学生对美术教学中对称和谐统一知识的初步认识。此外,也通过给学生讲解土家鞋垫的历史典和民间习俗,不仅加深了学生对鞋垫等乡土资源的了解,也增强学生对家乡的热爱。而学生通过系统学习,让学生接触大量土家鞋垫实物和小组合作制作鞋垫,加深学生对民间美术的了解和喜爱,教学效果比较满意,学生的作品也收到了意想不到的效果。
三、促进少数民族地区美术新课改教学的思考
(一)美术新课改教学的价值确认
《全日制义务教育美术课程标准(实验稿)》对九年义务教育阶段美术课程的价值确认为:1、陶治学生的情操,提高审美能力。2、引导学生参与文化的传承和交流。3、形成学生的创新精神和技术意识。4、发展学生的感知能力和形象思维能力。5、促进学生的个性形成和全面发展。此五项价值始终围绕学生,尊重学生个性,强调学生的参与、传承、交流、发展与创新。
(二)美术新课改教学价值的实现措施
1、加大宣传,营造校园环境。土家文化的内涵极其丰富,学校根据自身特点和地域特点,选择适合自身发展的特色文化,加大宣传,激发学生的兴趣和广泛的参与度,营造一个学习土家文化的氛围。学校可以利用文化长廊精选学生作品,让学生把生活中的见闻与图文比较。利用校园广播解说土家文化的风土人情。开展“土家知识知多少”的竞赛活动和“魅力湘西”的特色图片剪贴,让学生处处感知、参与土家的民族文化。
2、编制校本教材,促进美术新课改教学发展。民族文化在传承中发展,在发展中传承。只有在不断的实践中,总结经验,积累经验,形成校本教材,便于进一步的实践、总结、升华,也便于长期的操作、推广,形成学校的特色文化。
中图分类号:G40-041 文献标识码:A 文章编号:1005-5312(2010)19-0168-01
一、为何开发本土资源
鲁迅语“越是民族的,就越是世界的。”随着素质教育的发展,课程改革的不段深入,课程资源的开发和利用已成为了广大教师在美术教育教学过程中一个新的挑战。《美术课程标准》中就明确指出:“在保证基本规定性的同时,给予教师更大的教学空间。”其目的也是提倡教师在教学实践过程中,发挥其积极性和主动性,充分挖掘本土文化资源。
二、美术教师对新课程的认识
在倡导素质教育的今天,如何开发和利用这些优秀的本土资源,补充和完善我国现的美术教育体系,有效推进美术新课程改革的顺利进行,在利用本土美术教育资源时,美术教师既要考虑到学生的共同性,又要考虑学生的差异性,这就要求我们采用多样性策略。多样性策略指利用美术课程资源时,资源的种类是多样的,资源呈现的方式也是多种多样的。
教材不能再是唯一的教学内容,所有的美术课程资源,原则上都可以作为新的教学内容。美术课程资源的广阔性,决定了美术教学内容的开放性。我们不但可以利用建筑艺术、绘画艺术,也可以利用雕塑艺术、工艺美术。师生关系的开放性师生关系的开放要求教师采用民主的教学,而不是专断式的教学。教师要从系统、全面的讲解转变为专注地听取学生的发言,教师的提问转变为学生提问,教师给予适当的引导、点拨和鼓励,师生间进行多向交流。我们在利用美术课程资源时,要突破传统的作业形式,彻底消除简单重复的弊病,可以在下面几点来做。
(一)运用实物资源,构建直观情境
实物教具,能构建直观情境,能迅速吸引学生的眼球,丰富学生的感性认识。采集的实物课程资源,由于其生活化特征和地域性特色,可以极大地激发学生的学习兴趣。
(二)利用史料资源,构建故事情境
每一件美术作品,都有丰富的人文内涵,尤其是历史沉淀下来的珍贵的美术作品,更有着深厚的文化背景和生动的趣闻轶事。大部分地区美术课程资源中的很多作品,都具备这样的属性。在美术教学中,利用史料,借助史实,构建故事情境,能让美术学习变得更加生动有趣、有血有肉,能使美术课堂更富人文气息。
(三)利用社区资源,构建活动情境
社区的美术课程资源包括身边的建筑、公园与风景点、文艺演出等,都可以美术教学服务。我们可以开展研究性学习,比如在山东曲阜一年一度的孔子文化节,让学生研究春秋战国时期人们所穿的服饰、儒家文化的各种礼仪等等,这些活动是美术课堂教学的延伸,改变了“教学活动就是校内的课堂教学”的传统观念。利用社区的这些活动来建构教学的活动情境,既可以掌握美术知识,提高美术技能,丰富美术体验,又可以培养学学生的创新能力,获得美术学习的乐趣,激发美术学习的动机,养成美术学习的兴趣。
美术教师应充分考虑当地城市和周边农村的文化建筑、园林、民宅等作为在教学中。可以将这些建筑拍成图片,做成幻灯片,让学生欣赏,提高学生的欣赏美、鉴赏美的能力。同时,为进一步引发学生学习探究的好奇心,还可以利用课余时间,让学生自发到文物古迹中去,去发现和探索美。通过这样的活动,既让学生学会了用美术的眼光去观察身边的事物,又使学生从中潜移默化地受到了爱国主义教育,培养了学生热爱家乡、建设家乡的思想感情。把优秀的乡土资源与富有创造性的美术教育活动融为一体,无疑是乡土资源可持续发展的有力途径之一。
总之,只要我们勤于留心,善于动脑,合理地开发利用校内外资源,将书本知识与学生生活、社会实际、校园环境有机有整合起来,就能获得意想不到的教学效果。
三、研究总结
新的课程改革己经有明确的精神指向,教学要与社会相结合,与学生的生活相结合,本研究正是在这样的背景下进行的。地方文化作为民族的瑰宝,其继承与发扬也离不开课堂,研究本土文化是寻找合适的契合点。地方文化作为人文资源的重要内容,其中富含“真、善、美’’的理念,对涵养学生性灵有着不可替代作用。本土美术资源给新世纪的美术教学增添了无限的魅力和特色,运用本土美术资源的教学更是一片广阔的空间,但愿有更多的美术教育工作者去研究、去实践。
参考文献:
1、陶冶审美情操,丰富生活情趣
美术是最重要的视觉艺术,对发展学生的视觉知觉,获得以视觉为主的审美体验,陶冶审美情操等方面具有其他学科难以替代的作用。
普通高中美术课程能够提高学生对自然物、人造物形态美的认识,对美术作品的材料构成及形式、风格的多样性的认识,体验美术与生活的关系,丰富生活情趣。
所以美术鉴赏模块在高中美术教学中的作用非常大,能够提高学生发现美、欣赏美的能力。美术课要改变过去只重视美术技法传授,忽视对学生人文精神的培养的状态。
2、传承文化艺术,弘扬人文精神
美术与社会有着千丝万缕的联系。不同时期、不同地域、不同国家和不同民族的美术构成世界美术的多元性,因此美术是人类文化的重要组成部分,具有传承文化艺术的价值。
普通高中美术课程能使学生较为全面地了解美术与自我、美术与生活、美术与政治、美术与宗教、美术与历史等方面的关系,引导学生理解文化艺术,弘扬人文精神。
美术乡土课程、校本课程最能体现美术的地域特色,能够传承、发扬光大民族文化。
3、激发创新精神,增强实践能力
美术实践是一种具有创造性的活动,在激发人的创新精神,发展动手能力,开发潜能等方面具有独特的价值。
普通高中美术课程能使学生在美术活动中充分发挥个性和想象、思考、判断能力,接触特殊的工具、材料、操作方式和表现形式,得到其他学科难以获得的各种体验。这种融鉴赏与创作为一体的学习活动对发挥个性,激发创新精神,增强实践能力是十分有益的。
在开发美术乡土课程、校本课程中要特别注重对学生动手能力、观察能力、创新能力的培养。
4、调节心理状态,促进身心健康
美术实践作为一种情感表达活动,在获得成功感和自信心,促进人际交流以及释放个体的紧张或消极情绪等方面,具有促进身心健康与个性和谐发展的价值。
在师生共同开发美术乡土课程、校本课程中,学生能够直接抒发各种情绪,缓解心理压力;能够获得成功体验,增强自信,升华情感;能够促进交流,沟通人际关系。以此形成良好的身心状态与社会适应能力。
5、助益人生规划,拓宽发展空间
美术渗透于社会生活、生产的各个领域,在美化生活,提高物质产品的文化品质等方面具有重要的应用价值。从这个意义上讲,美术课具有工具性的价值。
普通高中美术课程既为学生提供不同的美术基础知识和技能,培育学生终身爱好美术的情感,发展美术方面的各种能力,也为学生今后从事美术职业或其他职业提供发展机会。
二、开发乡土课程、校本课程的研究方法
1、调查研究法:通过课堂观察、听评课,了解当前我市美术课程教学现状与教学内容。通过问卷和访谈了解学生熟悉的、本乡独有艺术形式,通过实地考察、摄影拍摄清东陵石雕、冀东皮影,提出方案,写调查研究报告。
2、经验总结法:及时总结在研究过程中的各种发现和教学实践中的经验,撰写经验及相关案例、校本教材与乡土教材、教学反思等。
3、反思实践法:在教学实践与课题研究中反思,不断总结经验,不断改进教学工作,提高开发的校本课程与乡土课程的科学性、创新性。
4、文献法:查阅文献,了解校本课程与乡土课程开发方面的理论成果,用以指导实践活动。网上查阅与开发的校本课程与乡土课程有关的图片资料、音频资料、视频资料,论文、论著,以备研究所用。
三、开发乡土课程与校本课程具体步骤
(一)通过问卷调查、走访座谈的方式确定乡土课程与校本课程的内容。内容必须是学生熟悉的、喜欢的,贴近学生生活经验,又有地方特点的。课程的界定要准确。如本人,根据前期对学生的问卷调查研究,发现学生对家乡有世界文化遗产清东陵,感到很骄傲,86%的学生都去过清东陵,看过清东陵石雕,但对石雕没有深入地鉴赏过。2010年“五一”期间,有的同学就参加了清东陵举办的“太平洗象”、“石雕艺术欣赏”活动。课本上中国古代陵墓雕塑一课也没有认真地学习,学完这一课也没留下什么印象。所以本人决定开发“清东陵石雕艺术欣赏”乡土课程,以拓展教科书内容,使学生对中国古代陵墓雕塑完整、全面、深入的认识。尽管大多数学生对皮影戏、皮影舞、皮影调不是很感兴趣,但他们的父辈、祖辈都很喜欢皮影,本地电视台经常播放皮影戏,唐山每年举行皮影艺术节,日常生活中家乡人们跳皮影舞的也很普遍,开发“冀东皮影调、皮影秧歌舞、皮影的形象造型风格”乡土课程对传承家乡传统文化很有作用。学生学习土生土长的艺术很容易接受。特别是皮影秧歌舞中人物舞蹈动作僵硬、夸张,很像动画里人物动作,很符合现代学生审美情趣。调查发现学生对色彩鲜艳的、讲究对称的图案作品很感兴趣,也能够接受,愿意学习;一些同学对漫画,特别是卡通画着迷,所以我决定开发“图案”、 “速写创作”、 “漫画创作”校本课程。
(二)开设乡土课程、校本课程的前期准备工作。
(1)带领高级中学美术兴趣小组的学生实地考察了清东陵石像生、石五供、地宫壁雕等石雕作品,拍摄了许多清东陵石雕照片,在网上查找了许多陵墓雕塑图片,参考了《中国雕塑史》等论著,写出了《清东陵石雕艺术鉴赏》乡土教材,制作了“清东陵石雕艺术鉴赏”课件。主要内容是:1、考察、观赏、拍摄、保护清东陵石雕;2、比较清东陵石雕与历代陵墓雕塑艺术风格的不同,以及陵墓雕塑艺术风格发展历程;3、研究、体味清东陵石象生所体现的人文精神,华表、丹陛石、祥兽所体现的中国传统文化,石五供、地宫壁雕所体现的宗教思想。4、欣赏清东陵石雕给人们带来的对人生观、价值观的思考。
(2)本人带领学生参观了遵化市举办的民间手工艺作品展,教师与学生一起欣赏、品评了作品,拍摄了大量的皮影影人、剪纸作品照片。 在查阅了大量网上资料的基础上,本人编写了《唐山驴皮影造型艺术谈》乡土教材,完成了“冀东皮影”课堂教学设计。主要内容为:1、冀东皮影的产生与发展;2、人物造型与行当;3、唱腔与伴奏;4、《俏夕阳》;5、唐山驴皮影人物造型艺术特点,a.人物造型艺术化,b.人物造型平面化,c.卡通式的人体比例范式,d. 人物造型戏曲化,e.人物关节弯曲化;6、唐山驴皮影细腻逼真的砌末造型;7、皮影的民间装饰特色,a.“点”的灵活运用,b. “线”的优美组合,c. 符号化的传承,d. 人物头饰特点;8、皮影影人的制作方法。
(三)开讲开发的乡土课程与校本课程
结合人民美术出版社普通高中课程标准实验教科书第11课《中国古代陵墓雕塑和宗教雕塑》讲授“清东陵石雕艺术鉴赏”乡土课程一课时;主讲“皮影的形象造型风格”乡土课程两课时。学生兴趣很高,课堂气氛活跃,都主动、积极地回答问题,师生互动好。
(四)最后,修改、汇总、推广
课后进行教学反思,结合教学实践中出现的问题,修改乡土课程教材,以备推广应用。
案例教学法在我国高等师范教育教学中已得到一定程度的运用,但在美术理论课程中,案例教学法的研究和运用比较少。缺少弹论性指导和可资借鉴的实践经验。运用案例教学可根据不同的教学目标,设计不同的典范来呈现实际教学中可能发生的教学情境,让学生身临其境地去主动探究学习,进而把握之中的基本原理、问题解决技巧等,促进学生的实践体验,进行评价反思,培养学生对实际教学情境做出判断的能力。
一、案例教学法概念的界定和理论研究
案例教学法是根据一定的教学目标撰写或编辑起来的原始材料、案例报告或案例研究,包含一个或多个疑难问题,同时也可能包含解决这些问题的方法,是对一些实际教学情境的描述。高师美术学理论类课程中的案例教学法可界定为:以一些典型的美术教学现象为媒介,以问题为向导,分析体验再现的、真实的美术教学情境,将理论与实践有机结合,引导学生主动探究,合作与自主学习的开放式教学方法。案例教学法在美术理论课程中的运用研究具有理论和现实两方面的意义。
美术理论课程中实施案例教学的理论依据主要有建构主义学习论和后现代教学观。建构主义认为学习是学习者主动建构自已知识经验的过程,将主体原有知识经验与新的学习活动相互联结,进而成为内化的知识经验。美术理论类课程案例教学通过创设美术教学论、中外美术史、汉画像石艺术的问题情境引导学生通过案例分析、小组讨论等活动,将美术教育教学理论知识与教学实际情境结合,从而建构起自己的亲身体验与内化知识。小威廉姆E.多尔的后现代课程观预测的教育领域是一个复杂的、多元的、不可预测的系统或网络,永远处于转化和过程之中。在教学目标、教学模式、师生关系、评价手段等环节案例教学都依据后现代课程观的理念,教师与学生在共同探究有关课题的过程中相互激发提升。
二、美术理论课程中案例教学法的应用模式
案例教学法在美术理论课程中的应用需要将案例课程的设计、案例课堂运用的基本过程和案例教学的评价与反馈,作为相互关联的部分,引导学生把美术教学理论与技能运用到教学情境中。案例课程的设计首先应明确教学目标,比如,录像案例《苏州园林》的教学目标为,通过对案例的分析让学生了解苏州园林的艺术价值和其中蕴涵的人文精神。案例在教学中施行的步骤包括案例引入、创设问题情境、案例呈现、案例讨论、诠释与总结。案例教学在本质上是以问题为中心的探究性学习,案例教学可说是随着系列问题不断深入的思维激发。教师首先向学生呈现要展开讨论的问题,引导学生以问题为中心观看案例并形成解决问题的思路。录像形式的案例比较感性鲜活,可在学习的初级阶段运用;案例教学进展到更深层面时,可使用凝练的文字形式的案例。在条件允许下,可以运用人物角色扮演、视频播放、实地调查、艺术作坊考察、参观博物馆和美术馆等新型的案例呈现形式。
三、案例教学法在高师美术理论课程中的开发运用
美术教学论课程包括美术教学的前提、美术教学理论的基础、美术教学理论与方法的演变、中国学校美术教学的历史、美术教学设计、美术教学的内容及方法、美术教育评价、美术课程资源开发、美术教学研究、美术教师专业化成长,通过案例教学,可以丰富学生对美术教育教学原理的认识。高等师范院校的学生在开始接触美术教学论时会对定义、原理等抽象概念感到枯涩、乏味,由此学习兴趣缺失。引入案例教学,在感性切入的基础上原理更简明清晰,使教学原理和教学实例一体化,具象与抽象结合,达到理论与实践统一;可使学生体验教师的教育教学工作,所培养的学生不仅具备教育教学知识,而且具有实际的教育教学技能;可让学生深入了解中学教育教学实际景况。通过教学录像等创设现实的教学情境,让学生学习经验丰富的教师怎样进行课堂教学。
中外美术史是普通高等学校美术学本科专业的必修课程,是提高学生美术理论水平和审美能力的重要手段,对促进学生全面发展有着重要作用。系统的介绍中外美术的整个发展过程,及各个时期优秀的美术作品,涉及绘画、雕塑、工艺、建筑等艺术形式,重点放在绘画部分。使学生了解中外美术史的全过程,并学会分析评价美术作品,提高学生美的鉴赏能力。通过对中外美术史历程中若干问题的讨论,引发学生对中外美术史料的把握以及对美术发展规律的探讨的兴趣,掌握美术史学习和研究的方法,为以后进一步研究美术史以及从事艺术创作奠定良好的基础。结合教学,组织学生参加社会调查、课程设计、课题研究等实践活动,播放中外美术史视频资料、图书馆阅览画册,以及参观博物馆和美术馆等。
唐代绘画是中国古代艺术的黄金时代,革故鼎新,形成了恢弘豪放、雄健宏大的风格。以唐代人物画单元探究学习为例开展案例教学,可分为兴趣导入、分组探究、实践体验及信息搜索、展示探究成果、相互评价五个阶段。兴趣导入:了解唐代人物绘画发展概况,搜索相关书籍做好笔记,并分组;各小组接受学习任务,并制订学习计划。分组探究:各小组在教师的指导下,利用校园局域网上教师提供的学习材料,以及因特网上查找的信息,了解唐代人物画文化背景知识及技法;各组将获取信息整理归纳并为制作演示文稿作准备。实践体验及信息搜索:学生通过教师的唐代人物画师生互动网页,按照自己的学习基础、学习兴趣来选择一幅唐代人物画进行临摹,对唐代人物绘画进行切身感受;学生对信息资料进行分析,并制作成演示文稿。展示探究成果:各组发言人通过多媒体制作的演示文稿,展示自主探究学习成果:学生通过发言人的讲解体会唐代人物画与现实生活密不可分的联系,并解答由发言人提出的本组研究的问题:根据演示文稿对唐代人物画不同风格的发展进行比较分析,得出自己的结论。相互评价:最后各组展示实践活动的成果,谈谈对人物画现代地位的亲身体会,发表自己对人物画与不同艺术题材之间相互作用的看法,畅谈振兴人物画的想法;学生自评、互评、教师点评,最后教师做总结。使全体学生对唐代人物画这一艺术的理解更深刻。本案例通过系统的对唐代人物画的探究学习,结合情感体验,使学生了解唐代人物画的基本特征,使凝聚着数千年来中国文化精髓的艺术精神得以传承与发扬。重点对历史政治画与绮罗仕女画进行探究,教师采用有效的情境设置,学生通过调查、比较、分析等探究性学习,掌握绘画艺术风格,进而进行临摹与创作,培养学生审美情操。
汉画像石艺术赏析主要讲述中国汉画像石艺术的基本知识和基本理论,介绍汉画艺术的产生、发展及其规律,分析汉画艺术的内容和形式,分析汉画艺术的美术史意义,为进一步研究汉画艺术奠定深厚的基础。有利于学生理解本民族和I徐州地区的艺术传统,提高民族自信心,从而培养学生自觉发扬民族传统,弘扬民族文化的精神。对徐州地区的文化特色,汉画像石做赏析式讲解,教学内容应注重科学性、应用性、实践性。结合教学,组织学生参加社会调查、课程设计、课题研究等实践活动,播放汉代画像石视频资料、图书馆阅览画册,以及参观国内画像石博物馆等。例如学习徐州地区汉画像石的艺术风格和代表作品,包括徐州狮子山楚王陵汉墓、徐州汉画艺术馆经典藏品、徐州白集画像石墓的图像配置和观念信仰和徐州茅村画像石墓考察与研究;学习作为传统文化元素的汉代画像石艺术在现代社会的古为今用,从袁运生的油画作品看汉画像石在中央美院教学的具体应用为案例,探讨汉画像石艺术在现代社会的产业化开发。充分利用徐州本地区丰富的楚汉文化艺术资源,在实地考察中加强学生对民族文化的热爱与关注,提高作为文化传播者与传承者的文化自觉性。
对案例教学的评价不应只限于课程教学结束后的终结性评价,而应采用多种评价形式,在教学活动中采取过程性评价,绝对评价、相对评价与个人内评价相互结合,自我评价、互相评价、教师评价与校外评价共同进行,从而对教与学的双向活动进行有效的调节,使学生内在素质得到成长,教师持续反思提高教学技能与智慧,促进优质课程的生成。
在2005年教育部公布《全国普通高等学校美术学(教师教育)本科专业课程设置指导方案》的基础上,2009年教育部又公布了《全国普通高等学校美术学(教师教育)本科专业必修课程教学指导纲要》。《纲要》对高校美术教育专业的中外美术史课程做了详细说明,在江苏师范大学和济宁学院的美术史课程教学中,教学形式和方法从单一化转向综合化探索,在具体的教学实践中不断丰富和完善。
一、美术史课程教学形式改革
“美术教学组织形式是为了完成美术教学任务,在一定的时空环境中,教师和学生按照一定的要求,共同活动在人员、程序、时空关系上的组织形式。”[1]常见的教学组织形式主要有班级授课制(课堂教学)、个别化教学(个别辅导)、现场教学(参观、考察、写生)等几种形式。随着教育改革的不断深化,教学组织形式的探索也日趋多样化。
在美术史课程学时有限的情况下,要达到提高学生综合能力及素养的教学目的,就需要美术史教师改变传统的教学形式,探索多样化的教学形式和方法。笔者认为,以下几点建议对于丰富教学形式有一定的借鉴意义。
第一,课堂教学与个别辅导相结合。班级授课制在教学实践中已经实行了上百年,由于它顺应了现代社会大规模培养人才的需要,体现了教学活动的基本规律,就美术史教学的现状来看,仍然是占主导地位的教学组织形式。“但同时班级授课制存在一些不足:一是难以满足学生个性化的学习需要;二是不利于学生创新精神和实践能力的培养;三是难以做到因材施教。”[2]作为班级课堂授课的补充,个性化教学可以发现美术史教学中存在的问题,并及时进行改进和完善。同时从学生的实际需要出发,有的放矢地解决现实中的疑难问题。还能在美术史教学中因材施教,给优秀生进一步指导,给后进生有针对性地补课,促进学生全面提高。
第二,课堂教学与现场教学相结合。在进行常规课堂教学的基础上,教师可以根据美术史课程教学的目标和要求,有计划地组织学生到现场参观访问和实地考察。在考察地点的选择上要因地制宜,江苏的学生可以选择对徐州汉墓、汉兵马俑、汉画像石进行考察,还可以去南京、无锡、苏州等地的文化遗迹考察。在时间安排上,可以利用假期把旅游与考察相结合,既解决了课时与经费不足的问题,又提高了旅游的艺术品位。以参观访问和艺术考察的方式进行现场教学,可以提高学生的学习积极性、激发学生对美术史的学习兴趣,并且有助于培养学生的创新精神、实事求是的科学态度,让艺术考察真正成为美术史课堂教学的有益补充。
第三,师生合作与互动讨论相结合。美术史教师讲课的重点可以放在对代表性作品赏析和美术史规律的总结上,留出时间对学生感兴趣的问题展开互动式的课堂讨论。在课堂和现场教学中,学生可以提出自己感兴趣的问题,教师组织同学们共同讨论,每个学生都可以畅所欲言,仁者见仁、智者见智。教师在讨论过程中注意互动讨论的主题和节奏,以便更好地激发同学们的独立思考能力和自主精神。
二、美术史课程教学方法改革
“美术教学方法是指在教学活动中,为了实现教学目的、教学内容和完成教学任务,而采取的教师的教与学生的学相互作用的方式和手段的总和。”[3]当前美术教学方法丰富多彩,至今也没有一个理想的标准。许多新的教学方法还需要美术史教师不断实践和探索。
“根据教师如何输出信息、学生如何获取信息,可将教学方法分为三类:第一类是教师运用语言向学生传授知识技能,如讲授法、讨论法等;第二类是教师指导学生通过直观感知获得知识和技能,如实验法、参观法等;第三类是教师指导学生独立获取知识和技能,如自学指导法、练习法等。”[4]目前,美术史课程教学主要采用讲授法,其他方法在教学过程中穿插使用。
讲授法是我国高校教学中普遍运用的教学方法。“讲授法在教学中有四个优点:一是讲授法能够在较短的时间内,有计划、有目的地借助各种教学手段,传授给学生较多的有关各种现象和过程的知识信息,教学效率相对较高;二是成本低,一堂讲授课的基本费用仅相当于大学教师的薪水,比起其他教学方法的费用要少得多;三是通用性强,一堂讲授课的内容常常是通用的,可以增加或删减其中的某些内容以适应教材或学习者的变化;四是能寓思想教育于讲授之中,具有较强的感染力等。”[5]
但是讲授法也存在一些不足,较突出的一个问题就是有的教师在课堂教学中“满堂灌”,这种照本宣科式的讲授让学生长期处于被动学习状态,无法激发学生的学习兴趣,除了美术史知识的零星记忆外,相关的综合能力并不能得到全面提高。
“美术史课程改革相对滞后,几十年来,在基本的课时内复述—份大同小异、貌似完备的中国美术通史,几乎成了不少教师无可非议的本分了。”[6]中国美术史上下几千年,门类繁多,因此教材分量相对较重,在课程内容无法减少、课时无法增加的现实情况下,任课教师需要根据具体情况确定教学内容的重点。针对美术教育专业的学生,在基本掌握主要美术史知识的基础上,可以重点讲解古代绘画史和现当代美术教育部分的内容,让他们充分了解中国传统绘画的代表画家和作品,深刻领悟现当代美术教育思想和理念,为其毕业后从事基础美术教育做好理论储备。
图像和文献的结合是美术史教学的必备资源,其中图像的直观可视性是它的一大特征。传统教学手段已经难以满足美术史课堂教学的需要,采用多媒体教学是它的必然选择。对于高等师范院校美术教育专业的学生来说,他们学习美术史的目的与美术史论系的学生相比是不完全一样的。“他们更注重理论的指导性、实用性和可操作性,希望通过学习美术史,对他们的专业学习有所帮助,有时甚至希望从中寻找实践的依据。这种实用的心态,决定了他们要求教师在上课时尽可能地提供可视性的资料,如幻灯、录像等。”[7]
近年来,随着科学技术的迅速发展,充分利用现代媒体和网络进行美术史教学已经成为必然趋势,美术史课堂教学由以往的“理论知识讲授加幻灯片播放”发展为“理论知识讲授加多媒体影像播放”,多媒体系统中的影像视频与教师精讲相结合,无疑比传统的教学方法更能提高学生对美术史课程的学习兴趣。
朱丹红在《美术史教学中多媒体使用新探》一文中概括了使用多媒体教学的五个优点:“第一,注意培养学生的观察能力;第二,注意培养学生的分析能力;第三,培养独立思考、勇于创新的精神;第四,注意表达能力的提高,以及学习上的相互交流、相互补充;第五,提高学习的主动性。”[8]对美术教育专业的学生而言,以上五种能力和素养都是需要培养和具备的,只有让他们在读大学期间就熟练运用多媒体教学,才能在其毕业后站在中小学的讲台上,特别是在讲授《美术鉴赏》课程的教学中,继续使用和推广多媒体教学。
但是过分依赖多媒体转学也有其不利的一面,蒋英在《困境与出路:中国美术史课程研究》一文中指出了过分依赖多媒体教学产生的三个负面效应:“第一,变相灌输;第二,降低教学难度;第三,助长教师与学生的惰性。”[9]对美术教育专业的学生而言,既要熟练使用多媒体,又不能过分依赖多媒体,因为各地中小学的教学配备设施参差不齐,偏远地区的中小学可能暂时无法配备多媒体。所以,在美术史教学中,不能过分夸大多媒体教学的效果,也不要把教学课件变相灌输后直接拷贝给学生,而是需要激发他们的学习主动性,让美术教育专业的学生自己去做教学课件并上台演讲,为自己毕业后从事基础美术教育做好准备。
李普文在《美术史教学法评议》一文中认为:“美术史教学法的改进,应该扬弃过去的观念,如果改进只是在旧有的讲授法基础上进行,那么这种改进将注定是没有前途的,因为它的大方向就已经错了。美术史教学法的改进,应该也必须朝着发现问题的创造性教学努力。我们必须清醒地意识到,创新是一个民族进步的灵魂,是一个国家兴旺发达的不竭动力。”[10]对美术教育专业的学生而言,在美术史教学中提倡创新观念、培养创新能力是当务之急。只有在教学中不断启发学生主动思考,才能发现问题、思考问题和解决问题。这种创新观念的倡导,无疑契合了教育部基础教育课程改革方向,是需要我们在今后的美术史教学实践中不断探索的。
综上所述,在高校美术史课程教学中,任何一种教学方法都不是万能的,都有其优点和局限。所以,选择教学方法时既要符合美术史课程教学的目标,又要适合教学的内容和师生的实际情况。应当把各种教学方法综合起来使用才能使得课堂生动有趣。也只有不断改进教学方法,朝着发现问题的创造性教学而努力,美术史课程才更能充满生机与活力。
参考文献:
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一、问题的提出
我国的《美术课程标准》明确地提出:“美术课程具有人文性质。”并指出美术的学习应“加强学习活动的综合性和探索性,注重美术课程与学生生活经验紧密联系。”反思当前义务教育阶段的美术课堂缺少整体创新,学生缺乏对美术作品的文化背景的理解,审美观察与思考停留在表层;而我们生活的社区环境中蕴涵着原生态的丰富文化资源和自然资源,为学生提供了一个开放、自由、人文的和多样的美术教育空间。
利用社区美术资源,首先要明确什么是课程资源。课程资源不等同于教材和教科书,有学者将课程资源定义为“课程资源指供给课程活动并满足课程活动需要的一切。它包括构成课程目标内容的来源和保障课程活动进行的设备和材料。”①我国课程专家吴刚平则将课程资源按其功能分为素材性资源和条件性资源两大类。②按空间分为校内课程资源和校外课程资源。课程资源是形成课程实施课程的必要而直接的条件。社区,是一定地理区域内人们共同生活、学习、工作、栖息的一个有秩序的空间群落。由许多相互影响的附属部分构成,是一个动的体系。
在基础教育改革进程不断推进的现阶段,对于传统课程资源匮乏的普通农村初中来说,对课程资源的再认识以及社区资源开发与利用的重要性日益显现出来。在此背景下笔者和同事开展了课题《初中美术教学中开发应用社区资源的策略研究》,对本地区的美术教学资源进行了初步的搜集整理和教学实践研究,希望以此促进农村初中美术教学和教师的自我成长。
二、开发应用社区美术教育资源要把握的原则
(一)处理好课堂教学和开放性教学的关系
应用社区教育资源的美术教学场所因教学时间等的局限性,因此更多的可以“请进来”,在课堂教学中引进社区中的人、物或无形文化三类资源。
(二)处理好美术的学科特色与综合性的关系
在社区资源利用教学中,原生态综合的美术资源往往与社会知识、生活知识整合在一起,难免良莠不齐,必须认真甄别和选择高质量的与美术学科联系紧密的课程资源,避免上成语文或历史课。
(三)要处理好美术课的人文性和视觉性的关系
在运用社区资源的美术教学中,既不能太偏重美术的人文性的解读,把美术课上成历史课,又不能抛开文化把美术课上成美术技法课。例如,笔者在上《民间剪纸》一课时引导学生了解本地民间剪纸中既有趋吉辟邪的传统观念,也有简练秀美、万剪不断的视觉风格。
三、开发应用社区美术教育资源的途径和策略
(一)通过美术课堂教学途径,开发应用社区资源的策略
以美术国家课程教科书为基础进行社区课程资源的开发应用,往往表现为对课程内容的延伸和拓展。如果说美术为主的综合实践活动是“走出去”,那么通过美术课堂教学活动途径,开发应用社区资源就是“请进来”。笔者把社区美术教育资源归纳为“人”、“物”、“无形的文化”三类资源。“物”的资源:例如地区的特色工艺品、秀丽的自然风光、古镇建筑、学校、地区特产、纪念馆、博物馆。笔者在上《泥塑》一课时,由于农村初中购买陶泥不便,于是我就带领大家找到本地可用于雕塑的泥。如在笔者上的课题公开课中,就实地拍摄了本地优质资源博物馆和恐龙园中的图表,引起了学生极大的兴趣。“人”的资源有:各类设计人员、艺术家、手工艺人、民间艺术的继承者、流行文化传播者。可以请进来的社区美术教育资源也包括“无形文化资源”:风俗习惯、历史传说、等。例如,笔者就在课堂教学中运用了多个本地传说和习俗展开连环漫画教学。只要我们对教材内容进行比较深入的解读,提高课程资源开发意识,同时具备开阔的眼界和心胸,会发现可以吸纳进来的社区资源异常丰富。
(二)通过综合实践活动途径,开发应用社区资源的策略
在社区中进行的综合型美术实践课对学生意义,在于提供了人与社会、人与大自然亲近的机会,加强了人与人之间的互动,使学生在原生态的审美情境中欣赏、判断、交流、创新,自由地快乐成长。
1.利用学校综合实践活动,进行开发应用社区资源的美术教学
对于校外综合实践活动的组织教师应尽量利用学校统一外出活动时进行。如笔者和另一位实验教师就以学校综合实践活动为依托,在07年组织了以美术活动和家乡传统文化的调查为主要内容的《水乡古镇南杨桥》综合实践活动、《家乡的变迁》综合实践活动,指导学生对家乡水乡古镇进行调查研究,写生、摄影和采风。
2.利用暑期学生小课题组实践活动,进行开发应用社区资源的美术教学
在07年暑期,我针对社区中各种美术形态和文化传统,指导学生开展了一次暑期调查研究活动。首先,是教师准备阶段。我先对本地美术教育资源作了大量的收集和分类工作,还设计了《学生暑期课题研究指导方案》、《如何进行社区美术资源调查与访问》,以及空白调查报告表格、空白调查问卷表格和学校介绍信。其次,是学生前期准备阶段。我利用美术课对学生加以培训,每班成立一个小课题组,并选出组长。在暑期调查开展过程中,学生按课题小组、确定采访人群设计问卷、实施考察、测量、调查和访问,写调查报告等,在学校的两个回校日,教师对学生的研究展开了检查、交流和调整。暑期过后,各小课题组上交整理好的调查报告及其他成果,教师对课题进行整理总结和展示。经过师生努力,活动形成了多种作业成果调查报告、调查问卷及分析、摄影、书画作品、剪纸和实物等。促进了师生对生活于其间的社区和对本地传统文化和美术形态和知识的了解,也促进了学生的社会交往和解决问题能力。
(三)通过校本课程途径,开发应用社区资源的策略
笔者主持了以美术活动和家乡传统文化的调查为主要内容的校本课程《水乡古镇南杨桥》的开发,对应用社区美术资源的教学研究成果予以了总结。围绕水乡古镇杨桥的建筑、风俗、文化、环境编写了校本教材,形成了应用社区资源特色的校本课程。
在研究实践中笔者感到利用社区教育资源,教师要注意应尽量取得学校领导和其他老师的理解和支持,充分准备和合理的组织,对社区原生态的美术资源认真甄别和选择,转变观念及提高理论、知识技能和研究能力。利用社区教育资源,指导学生从兴趣点入手,使学生在社区这个综合原生态的美术教学场所中思考、辨析、沟通、表现,从文化角度看,有利于学生主动地参与文化的传承、交流和创新,从视觉艺术角度看有利于学生提高对生活中各种原生态的视觉艺术影像思考、解读、辨析和创新能力。
参考文献:
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美术理论 美术创作 理论与实践传统与当代
对于美术创作过程中,美术理论的学习研究应当占怎样的分量,如何正确看待两者间的关系以及如何进行美术理论的学习,一直是让我很有兴趣,也很迷惑的问题。
我一向认为,美术创作与理论研究是相辅相成,不能分割独立的。然而许多学生重视写生创作课程,对相关的美术理论课程囫囵吞枣,草草应付。放开理论研究,一味埋头苦画,真的是提高自己创作水平的最好方式么?
理论是实践的前提 实践是检验真理的唯一标准。实践出真知,理论可以指导实践,但也是在前人的实践中探索琢磨总结出来的。
把这个道理放到美术领域来谈美术理论和美术创作的关系,二者始终是互相依靠、并肩前进的。当下美术院校中,很多学生都是出于对绘画的单纯喜爱而选择了这个专业,比起“晦涩”“艰深”的理论学说,写生创作课程显然更加有趣,生动。这是学生们轻理论,重实践的原因之一。
“据统计,从上世纪80年代到2007年底,经国家批准立项的美术类研究项目为185项。其中,美术史(包括古代和近现代美术史)占了绝对优势;而与当代美术创作有关联的很少,研究与实践脱节的情况相当突出。” ①
从另一个方面来说,当前中国美术理论领域的脱节和滞后的现象,远落在美术创作的需求后面,使其制约着美术创作的发展,难以承担原本应有的职能。这种脱节和滞后,也是令一些学生认为理论无用,不如创作的直接原因。
学习研究美术理论,是提高自己的艺术修养、创作水平的一种途径。学习前人的审美理论、绘画批评、绘画技法理论固然必须,令自己常受启迪,知道该从哪方面着手提高自己。
反过来,美术理论也是在绘画实践的过程中得到验证,发展。
绘画史上影响深远的理论著作的作者们,大多本身就是在美术史上占有一席之地的知名画家。在西方有阿尔贝蒂的《绘画论》、《建筑论》,达·芬奇的画论笔记,罗丹的《罗丹艺术论》,在中国有顾恺之的《论画》、谢赫的《画品》、董其昌倡导南北宗论,清代石涛作《苦瓜和尚画语录》等,20世纪以来,齐白石、黄宾虹、潘天寿、王朝闻等在传统美术理论的基础上,扩大研究领域,更新研究方法,对美术理论作了新的发展。每一代的画家都是在前人的理论基础上,结合自己的绘画经验而产生了新的绘画理论。在美术理论的研究上,就需要必要的绘画实践基础。只有将前人的史料总结与理论评述和具体的绘画作品相加印证,才能去伪存真,从而最大限度地接近艺术的本真。
我国的美术理论领域,整体上仍处于滞后的状态,小从个人的方法论、技术手段,大从专业结构、机构人员及管理手段来说,仍旧停留在以往的水平,这对今后的开拓和发展是不利的。在研究方式、技术手段和组织管理理念上的明显滞后,将制约美术学科整体水准的提升。“美术理论滞后和失衡现象,有错综复杂的原因,仅靠一两个机构和个人的力量已无法扭转这一状况。目前,急需主管部门聚合多方面力量,制定出有效措施,从管理、引导入手,组织起以中青年专家为主体的理论团队,形成主流声音,方有可能推动其良性发展。”②
二、美术高考制度与美术高考的关系
四川工程职业技术学院艺术系谢建华在《美术高考制度的现状分析与对策》通过分析认为目前美术高考制度存在几个方面弊端:①对文化理论课程的轻视;②考试内容的固化和单一导致对中国传统艺术及世界艺术多元化的漠视;③对创造能力的湮没;④美术高考内容与学生所报专业的错位。认为应该从以下几个方面来解决上述问题:①录取时,文化与专业要并重;②美术高考中,对中国传统及民间艺术的侧重;③考题应根据不同专业有不同变化,加大对艺术综合能力的考核;④对考题的审美标准应多元化,强调艺术创造力;⑤在阅卷中,实行初审、复审、终审三步骤,评审老师年龄老、中、青搭配;⑥美术人才的民间选拔与高考选拔相结合。河南省青年管理干部学院的李勃和吴杰的《对美术高考改革之路的建议》跟上文大同小异,都强调了文化和专业并重、传统与民间艺术的侧重、艺术综合能力考核等等。中央美术学院人文学院光的硕士论文《美术考前班现象研究》从高校扩招、社会和需求压力、高校变革等方面阐述了美术高考制度是导致美术“高考热”的根源。
三、美术高考的利弊分析
湖北大学艺术学院的杨帆在《试析美术高考培训产业对大学生就业的积极作用》中对美术高考培训产业的发展现状、高校艺术类毕业生严峻的就业形势进行分析,从美术培训产业对美术类大学生就业具有积极作用。浙江工业大学的王东在《高考美术“速成班”的利弊分析》一文中分析了校外美术教育“火爆”的原因、高考美术“速成班”的利弊分析和如何避开其中弊端的解决方案。
四、美术高考相关的教学方法论的阐述和新解