艺术作品赏析论文篇1

一、音乐鉴赏中的理性探析

音乐艺术的理性认知与审美有利于深化观众在音乐艺术欣赏过程中对于音乐作品的理解，从音乐艺术所涵盖的社会文化背景以及作品内在情感思想等对作品进行分析，且在理论知识上加入个人对于音乐艺术的理解才能实现对于音乐作品的正确鉴赏与评价。在对音乐作品从艺术文化角度进行鉴赏时，应就其音乐风格、音乐体裁等进行分析。面对不同类型音乐作品，其理性认知的内容也都不同，因此音乐鉴赏中的理性认知主要从两类音乐作品入手：

（一）针对声乐作品的音乐理性探析。声乐作品是由多种音乐创作元素融合的音乐艺术，其中音乐旋律及音乐歌词是其主要部分。在对该类作品进行鉴赏与评价时，不能将歌词与旋律互相独立，应在两者结合的状态下，根据鉴赏者个人的音乐理论知识分析，形成一定的音乐艺术审美感受。

（二）针对器乐作品的音乐理性探析。在对器乐作品进行理性认知与审美鉴赏时需要同时考虑到音乐作品的创作背景，创作者当时的情感以及创作目的等，相对声乐作品的鉴赏显得更加复杂深刻，音乐鉴赏课程主要围绕器乐作品的深入探析来开展，这对于欣赏者的理论知识掌握程度以及个人的音乐思想情感要求都较高。

二、音乐鉴赏的审美探析

音乐作品的审美探析与一般的音乐评论不同，音乐评论更多考虑音乐理论逻辑在音乐作品创作过程中的思考，而音乐审美探析更多强调的是一种因音乐情感上的感受。对音乐艺术作品的审美评价必须考虑多个艺术要素才能有效地提高个人的音乐艺术审美能力，首先，就音乐作品所表达出来的音乐艺术形式、情感等进行思考，就音乐欣赏过程中有关音乐作品个人的思想情感进行思考与深入理解，在自己的音乐感受中再建与创新音乐作品的艺术表达形式与内容；其次，在音乐感受基础上实现音乐艺术形式的再建与创新，对于音乐作品的艺术评价予以再次反馈。音乐艺术的审美鉴赏不是停留在对于某个音乐作品的单纯评价与结论，而是将对于音乐艺术的理论认知与鉴赏者个人的音乐情感、听觉感受等结合，并充分发挥个人的艺术想象能力，使得音乐作品对人的精神影响达到进一步的深入。

三、如何对音乐作品进行理性的鉴赏与正确的审美评价

（一）注重音乐艺术文化欣赏。对音乐艺术的鉴赏首先需要对基本音乐理论知识有一定的掌握，其次对丰富的音乐作品风格与类型进行深入了解，将音乐艺术融入于社会文化背景，，从而实现更高水平的音乐艺术鉴赏。

（二）注重音乐作品背景文化的融入。对音乐作品的评价与鉴赏并不是单一的专注于音乐演奏技巧，音乐作品本身必须包含有大量的音乐艺术文化背景，能够表现出一定的音乐知识深度与广度。因此，音乐鉴赏过程中不能缺少对音乐背景文化的导入，对于丰富音乐鉴赏知识，提高音乐审美品味至关重要。

（三）对多地区音乐文化元素以及民族音乐作品的了解。世界音乐艺术文化发展历史悠久，并且形成了相当独立且富有地区特色的民族音乐文化系统，在各个民族地区都拥有十分丰富的音乐资源，应作为音乐理性探析与审美研究的重要内容。

（四）注重音乐鉴赏的实际效用性。随着音乐与艺术文化的不断累积与深入，音乐艺术的审美与鉴赏应与现实素材相接轨，音乐鉴赏过程中应注意音乐资源与素材的拓展，除了关于音乐理论知识的掌握之外，也要通过大量的音乐作品鉴赏实践对实际音乐理性认知能力以及审美能力进行提高。

艺术作品赏析论文篇2

艺术欣赏课是为高等院校非艺术专业类学生的综合素质选修课之一。目的是提高选修者对具体的艺术作品形式和内容形成相对专业的欣赏视角，提高艺术赏析能力，从而提高个人人文素质。艺术赏析课程按照赏析的对象分为中国、外国以及特定种类艺术的赏析，本文所提及的主要是视觉艺术赏析课程。这种课最为常见的上课形式就是讲授和多媒体相结合，并集中授课。其较之传统上课方式固然丰富和生动。然而根据作者教学与研究，即便有严谨系统的理论支撑，通俗易懂的讲解和丰富的多媒体展示，从教学效果上来看始终差强人意。问题主要体现为：对于艺术的认知有模糊感，受制于课程上提供的视角和理论；有距离感，对作品的把握仅限于多媒体能够展示的精度和方式；有冷漠感，对艺术及作品的产生、存在和发展所具的各种价值没有兴趣。其本质上来看是上课的形式将学生束缚于课堂上和教学框架中，缺乏和艺术本体的直接接触，无法发挥个体的主观能动性。如果论尊重个体判断和提供自由学习艺术的场所，当数美术机构。本文所指的美术机构主要是指与美术接受相关的机构。。这些美术机构与艺术赏析课相结合的可能程度和方法是本文将要讨论的重点。

首先，美术机构中，博物馆是庋藏包括重要艺术品在内的历史文物的主要机构。

我国现阶段博物馆的发展状况，决定课程与之结合的程度和方法。博物馆含有很多种，其中艺术博物馆又被指称为美术馆，是以展览和收藏视觉艺术作品最为集中的一类。根据国家文物局印发《2011年全国博物馆名录》，全国核准备案，能服务社会公众，专业化程度较高且功能较完善，社会作用比较明显，而最终编入博物馆名录的有3089家，较前一年增加129家。就实际而言，一方面具有人均拥有量低，分布不均匀的特点。艺术品庋藏丰富的博物馆都分布在发达的中心城市。总体数量上来看较为巨大，但是其重建设轻收藏的现象较为多见。另一方面艺术博物馆的数量并不多，大多数都是综合性的。以2011年黑龙江省为例，共有博物馆161家，职能上兼具科研与文化教育等多个方面。其中艺术作品庋藏具有一定数量的博物馆只有7家。在这其中，提供的展品以地方性的当代艺术和民间艺术为主，经典历史艺术遗存很少，更鲜有外国作品。而从决策层面来看，我国的美术馆正致力于将大学生群体作为特定教育对象而进一步的调整。中国美术馆馆长范迪安教授曾经在一次访谈中明确提出“对社会公众的基层和群体在分析的基础上针对普遍对象之外的特定对象来组织项目，比如大学生群体……这些年，全国各地的美术馆都将大学生教育作为教育项目的重点。”

鉴于上述情况，对本论产生的影响是：一方面，能够接触到本土艺术本体较多，有利于学生自由了解此类对象，建立本土艺术认知。这对于艺术赏析的素质培养是有价值的。但是艺术赏析的对象不仅局限于此，艺术本体的丰富性和艺术规律的呈现也不是这样的条件下能够很好揭示和把握的。也并不是所有的艺术赏析课都能利用博物馆来进行完成，因此仍然需要讲授者结合赏析艺术领域给予全面的指导和补充。另一方面，学生对于博物馆的认识和利用存在不足，博物馆在现有发展情况下艺术教育只能有待发挥。同时学校虽然对博物馆资源的利用持肯定态度，但是并没有在实际行动上给予学生更多参观的机会。而基础教育阶段也没有培养起利用博物馆的习惯，且没有显示有专门的艺术方面指导和目的。造成高校阶段的学生参观博物馆的次数很少。因此鼓励和指导学生在博物馆中对美术作品进行赏析，是此类课程和博物馆结合过程中必须注意的问题。还要坚持对艺术理论和历史在课堂上的讲授，以及在具体实践中的指导。

其次，艺术专业院校是美术机构中培养艺术人才，产生艺术作品，研究艺术课题的机构。

它对于艺术赏析课程也具有重要的意义。我国2013年拥有艺术类普通高校95所，而在600所综合院校中，艺术专业院系作为必要组成部分亦具有相当数量。艺术作为实践性质较强的学科，其创作过程对于帮助学生理解艺术作品具有很好的作用。而艺术院校的专业教师也能够给学生更多的专业性指导。艺术学院提供的艺术作品展览也是学习艺术赏析课程的学生接触艺术作品的可贵机会。而在一些知名艺术院校中，其美术馆的收藏与展览水平甚至高于一般博物馆。这些资源并没有统计在前文所提到的博物馆数据中，却是对社会公众开放的艺术资源。实际情况是，艺术院校以及综合类艺术院校中的艺术院系与非专业的学生之间的互动同样很少，也没有相应的关注和研究。因此，艺术赏析课与艺术院校的艺术活动相结合，也是尚待探索的道路。

最后，艺术出版机构和媒体、商业画廊，也是艺术赏析课可以利用的重要资源。

我国出版业发展迅速，每年面世的大量出版物中，通俗性的艺术出版物包括书籍、期刊、音像制品等也越来越多见。其讲述生动、形式多样、感受直观。这对于非艺术专业的学生，是很好的艺术赏析课内容的补充。其缺点在于出版质量良莠不齐，其中一些理论导向和价值观点有待商榷，需要在课上给予相关的指导。

而网络作为现代信息交流的重要平台，对于大学生而言是非常熟悉和依赖的。而在艺术赏析方面，能够提供最多帮助的当属对于艺术展览信息平台以及网上博物馆的开设。当下我国很多美术机构都会在网络上展讯，以及进行艺术批评活动。这一方面为艺术赏析可与博物馆的结合提供便利，另一方面，其观点和价值评判也可以作为课程中讨论的话题。很多国内外知名博物馆有自己的网络版本，且功能完善。而商业性画廊在我国分布亦不均匀，只有在少数发达大城市才有比较繁荣的发展，比如北京的798，上海的莫干山等。这也商业性画廊提供了鲜活的艺术生态面貌，是了解中国当代艺术发展，理解时下艺术流行与变化最好场所。但是在实地的参观过程中，需要任课者具有足够的专业理论知识和快速的应变能力以解答学生随机提出的问题。

综上所述，高校艺术赏析课与当代美术机构的结合有很多选择，每一种美术机构能够提供的帮助都是不一样。应该根据赏析课的不同赏析范围和特点因地制宜的选取合适的美术机构来加以利用和结合。熟悉每种美术机构的特点和现状，合理的安排课程的构成是本文论题的前提。其实质上是要充分利用公共文化教育资源来为艺术赏析课服务的过程。让艺术赏析不仅是课上老师带着学生被动接受艺术，而是在实践过程中将艺术史论知识、欣赏经验与艺术接受的实践结合起来。 与美术机构结合，艺术赏析课将变成一种根据体验性的课程。

参考文献：

[1] 国家文物局.2011年度全国博物馆名录[EB/OL]. http：/，2012-09-18.

[2] 国家文物局.2010年度全国博物馆名录[EB/OL]http：/http：/，2011-10-27.

[3]周小园.论小型美术馆（博物馆）的现实意义.[D/OL].http：/.

艺术作品赏析论文篇3

所谓的美术鉴赏，可以被理解为鉴赏者在对美术作品观摩的过程中应用自身的认知能力、生活阅历、道德素质以及审美观念对作品的意境与内涵进行体会、分析、辨别、理解、认可以及想象的过程。其作为一种特别的美术接受形式，具有娱乐、享受等多样化的性质，有助于陶冶欣赏者的性情。本文作者结合相关美术作品，进而达到对美术鉴赏的性质与特点客观而深入分析的目标[1]。

一、分析美术鉴赏的性质

由上文简要的论述我们可以得出这样的结论：美术鉴赏是一种性质特殊的美术活动，在活动的过程中鉴赏者的情趣、品位得到提升，身心得到放松与调节，同时调动了鉴赏者对艺术境界追求的积极性，此时他们也会客观的去认识以及挖掘艺术作品的价值深度。总之，一部优秀美术作品的完成时建立在建设的基础之上的；美术鉴赏具有使心情愉快、陶冶情操以及塑造自我的功能。此时，美术鉴赏的性质大体上是在以下几个方面体现出来：一是美术鉴赏使一种审美享受。其携带这一性质主要是因为距离感、假定性和超越感的存在。所谓的距离感，就是说被鉴赏的美术作品能够将人类思想的改变、文化发展的情况以及文明更替演变的过程展示出来，例如达芬奇的《最后的晚餐》这一美术作品以素描的形式将观者对事物观察的准确性表现出来，真实的将15世纪末期犹太人生存的面貌展现出来。鉴赏者隔着时间的跨度对本部美术作品进行赏析之时，将会获得不一样的情感体会，此时现实与美术作品之间产生了距离美；所谓的假定性就对鉴赏者提出了相关的要求，充分的利用自身的想象力，将美术作品中虚设的背景、情节等勾画出来，将特定的美术语言转化为惟妙惟肖的形象图，这是非现实的，但是对鉴赏者来说是审美上的再创造；超越感就是鉴赏者对作品进行赏析的过程中思想与现实之间的跨度，不考虑个人功利以及物质实用性等因素，而专注于审美价值的方向；二是美术鉴赏可以被视为艺术再创造的一种形式。通常认为，鉴赏是在创作之后才出现的一种行为方式，作品的质量直接关系着鉴赏的效果这一定论是较为肤浅的，因为美术鉴赏不是对艺术作品价值评判的一种被动回复方式。而之所以认为美术鉴赏可以被视为艺术再创造的一种形式，主要是因为观赏者始终是积极的、主动的去参与艺术作品意义的构建等环节，此时若没有鉴赏者的加入，艺术家笔下的作品就不够完美。由此我们可以推断的是一件优秀的作品的出现出来需要创作者的努力，还需要鉴赏者的认知理念以及审美情趣去将空缺有效的弥补，此时美术作品的意义更加的丰满，因此可以说鉴赏环节的落实使作品得以再创造，此时鉴赏演化为观者审美能力再创造的一种行为方式；三是美术鉴赏时观赏者对其艺术价值的判断。观者在对美术作品进行鉴赏之时总会对其造型结构、色质优劣有所评价，对其主旨以及内涵做出评论，这是普遍存在的理性现象。而对于美术鉴赏而言，其主要包括情感的、艺术的判断，此时情感发挥着主导的作用，其将鉴赏者爱憎好恶、抑扬褒贬等品质体现出来。例如鉴赏者在对梵高的《向日葵》进行欣赏时，在辩证思维的引导下，能够体会出梵高在最为痛苦煎熬的生活中对自然、朴实、阳光精神境界的向往与追求，这件色彩对比强烈的作品对法国的野兽主义,德国的表现主义都产生了一定的影响效果。总之，这一性质存在于美术鉴赏中，使欣赏不再是单一化、公式化、概念化，同时也使鉴赏意识与审美情趣建立健全。

二、探究美术鉴赏的特点

1、使鉴赏者的综合素质得以提升

这是因为美术作品将丰富多彩的世界展示给观者，自然景观也好，人文景观也罢；此外美术作品中渗透率创造者的情感与情绪，或激愤或低沉，鉴赏者超越了文字的局限性，去感悟精神世界，开拓眼界；“爱美之心，人皆有之”美术鉴赏的又一特点是能够协助欣赏者强化自身的审美能力，在艺术的熏陶下，欣赏者的思想道德素养明显的提升，此时的对美术作品的赏析使观赏者的身心得到了良性的发展与成长；另外，不同的美术作品中涵盖了不同地区的、不同民族的民族精神以及境界的差异性与共同性，此时鉴赏环节的启用，协助鉴赏者开发自身的智慧，建立健全了审美情趣；当然，鉴赏环节的开展具有的最大特点是使美术作品得以再创造，这是因为鉴赏者在情绪情感的变化之中，传承优秀文化成果的基础上，将新鲜的元素再一次融入进行美术作品之中；

2、鉴赏主体与客体的统一性

主客体同时参与对美术作品的赏析，这才是对艺术的鉴赏。而美术鉴赏的最终结果取决于心理、情感活动的复杂性，主客体之间在情感对话以及精神境界融合的基础上，才会使审美活动具有再创造的意义；

3、感性认识与理性认识统一结合的特点

有些美术作品中带有某些学者对其理解、认识、评价的字眼，这是对美术艺术作品价值与本质的揭示，但是只有在鉴赏者情感接受与肯定的情况下，它们才成为理性上被认可的事物，此时鉴赏者认知上的感性方式与艺术作品所传播的理性内容统一化，也是鉴赏者情感因素与理性因素整合的形式。感性认识与理性认识的统一结合衍生出的意义是重大的，其促使鉴赏者认清事物的本质，端正了情感态度，走向了实践路线。

三、结束语

总之，美术鉴赏的性质与特点是多样化的，美术鉴赏也可以被视为一种性质特殊的审美消费行为，是生产到消费的过程；特点还包括审美经验与审美再创造、制约性与能动性、享受与判断、教育与娱乐的统一性。美术鉴赏对审美理念的培养发挥了巨大的辅助作用[2]，因此，艺术领域提高对美术鉴赏工作的重视程度，积极开展形式多样的活动，协助鉴赏者感受艺术特色与魅力，提高自身的艺术修养，同时升华美术作品的艺术价值。

参考文献

艺术作品赏析论文篇4

音乐欣赏在音乐教学中占有极为重要的地位，具有十分重要的价值。这些重要价值，可以分解为以下几个层面进行解读。

1.艺术品位提升的价值

音乐欣赏作为艺术欣赏中的一个重要组成部分，具有重要的艺术品位提升的价值。音乐是人类创造的一种声音艺术，它既是人类社会中最早出现的一种艺术，又是一种与人们的日常生活息息相关，最受人们喜爱的艺术。正如革命导师恩格斯所说：“在一切艺术中只有音乐才能产生与广大群众的合作，同时在表达力量上，音乐也是优胜者……”①因此，通过音乐欣赏可以提升欣赏者的艺术品位，培养欣赏者具有一定的艺术鉴赏力、艺术体验力、艺术感悟力、艺术理解力，提升自身的艺术修养。

2.美学品格提升的价值

艺术欣赏作为一种特殊的审美活动，是一种再创造活动，可以健全欣赏者的审美心理结构，充分发挥其想象力和创造力。当代著名美学家彭吉象先生在其所著的《艺术学概论》一书中指出：“在艺术创作和艺术欣赏这种自由的精神活动中，人的创造力也得到充分的发挥。我国著名物理学家钱学森十分重视美育和艺术教育，他晚年甚至花费大量时间来研究美学与艺术方面的问题。”② 音乐欣赏作为一种艺术欣赏，自然具有美学品格提升的价值。

3.人格完美铸造的价值

音乐欣赏可以铸造完美的人格，这又主要通过陶冶人的情感来实现。革命导师列宁指出：“没有‘人的情感’，就从来没有也不可能有人对于真理的追求。”③通过对音乐作品的欣赏达到情感共鸣，可以陶冶人的情操，美化人的心灵，完善欣赏者的人格。

4.音乐综合素质提升的价值

通过对音乐作品的欣赏，可以提升欣赏者的音乐创作能力、音乐表演（演唱、演奏）能力、音乐分析能力、音乐研究能力等音乐综合素质。古语云：“观千剑而后识器，操千曲而后知音”，说的就是见多识广的道理。

二、音乐欣赏内容论

音乐欣赏作为一门课程，其内容主要有两大方面。

1.作品分析

作品分析是音乐欣赏的“案头工作”，也是具体欣赏的必要的准备工作。如果音乐作品的曲谱是具体的“音乐建筑”的“设计图纸”的话，那么作品分析便是解读“设计图纸”，以便更精准、更全面地欣赏具体的“音乐建筑”，避免盲目的、随意的、即兴的欣赏。作品分析的具体内容，又包括词曲作者的生平简历、时代背景、艺术道路、艺术追求、艺术风格、思想特点等。

2.具体欣赏

具体欣赏即进入“音乐建筑”内部，进行具体、实际的欣赏。具体内容又包括音乐作品的时代背景、主题思想、艺术风格、审美特征（社会美、抒情美、形象美、模糊美、朦胧美等）、语言特征（旋律、节奏、和声、织体、调式、调性、复调等）、体裁特征（声乐作品的抒情歌曲、叙事歌曲、劳动歌曲、进行曲、讽刺歌曲、诙谐歌曲、舞蹈歌曲等。器乐作品的序曲、组曲、进行曲、夜曲、叙事曲、幻想曲、狂想曲、随想曲、舞曲、谐谑曲、交响音画、交响曲等）、曲式特征（声乐作品的一部曲式、单二部曲式、单三部曲式、多部曲式等；器乐作品的回旋曲式、变奏曲式、奏鸣曲式、奏鸣回旋曲式、混合曲式、自由曲式等）、结构特征（情节结构、组织结构、音响结构、过程结构、思维结构、心理结构）等。

三、音乐欣赏方法论

方法虽然属于手段范畴，但它对于实现目的却具有十分重要甚至是决定性的作用。马克思主义哲学的两大支柱就是认识论与方法论。认识论是关于人类知识的来源、发展过程以及认识与实践的关系的学说。方法论则是关于认识世界、改造世界的根本方法的学说。认识论与方法论是紧密联系、互相配套的。同样，在音乐欣赏中，也要在音乐欣赏价值认识论的基础上配之以科学、正确的音乐欣赏方法，方能使二者相得益彰，收到预期的欣赏效果。

音乐欣赏的具体方法，可分解为以下两大层面。

1.把握音乐的欣赏步骤

音乐的欣赏步骤，主要包括音响感知、情感体验、艺术联想、艺术想象、艺术理解、艺术评价、艺术再造等。

2.运用音乐的欣赏方法

狭义的音乐欣赏，其欣赏方法主要有两种：感性欣赏法。此种欣赏方法指的是凭欣赏者的艺术感觉进行欣赏的方法，其特点是思维随着音符自由飞扬，让情感自由发挥，使欣赏者通过“移情”作用，得到情感上的共鸣和心灵上的满足。理性欣赏法。此种欣赏方法是凭理智进行欣赏的方法，既品尝把玩，又分析判断，这需要欣赏者具有一定的功力。

艺术院校中的音乐欣赏方法，是感性欣赏法与理性欣赏法的综合运用，使二者优势互补，共同完成音乐欣赏的任务。

综上所述，音乐欣赏是一项全方位、系列化、深层次的复杂系统工程，限于篇幅与能力，本文只能管窥蠡测，概而言之。

注释：

①陈兆金.艺术鉴赏学导论[M].哈尔滨：北方文艺出版社，2007：195.

艺术作品赏析论文篇5

音乐是一种依靠听觉来感知的时间艺术，古今中外的理论对音乐创作、表演关注的同时，也对“音乐欣赏”的理论诠释所重视，有人还将这一诠释视为“三度性创造的艺术”［1］，以此来和创作、表演的一、二度创造艺术相提并论。中国远古的“高山流水觅知音”、西方音乐中阿门达对贝多芬《f大调弦乐四重奏》中“情人离别”的感受等故事，都说明欣赏是音乐文化中的重要组成部分。钱仁康先生认为音乐欣赏是作曲家和演奏家寻觅知音的重要组成环节，它要在4个方面下功夫：沟通音乐信息、发挥主观能动的审美作用、判断音乐作品的艺术价值、接受感心动耳和荡气回肠的艺术享受，把音乐欣赏引导纳入寻求音乐美感的快意中［2］。李宝杰主编的《音乐鉴赏》（下文简称《李鉴》）就具有钱先生所言及的探索，它是在理论探索之中应时代之需进行的学科理论建构。

一、继承传统 推动学科

撰写“音乐欣赏”类书籍的传统不仅在国外盛行，在中国也自古有之。中国古代文人在品乐中留下了精彩文献，老庄的“大音希声”、孔子的“闻韶乐三月不知肉味”、嵇康的“声无哀乐论”等赏乐格言已为世人所熟知。进入20世纪后，随着西方专业音乐理论的传入，中国的“音乐欣赏”领域进入新的境界，黄自的《音乐的欣赏》（1929）等系列著述的诞生就是早期的代表［3］。新中国建立后，特别是改革开放以后，音乐欣赏领域更是获得了极大的发展，上海文艺出版社组编的《音乐欣赏手册》（1981）内容丰富、文笔活泼、实事求是、编排新颖［4］，钱仁康的《音乐欣赏讲话》（1982，1991年又出续编）注重知识理论与技术分析相结合、内容形式与辩证关系自然地结合、知识介绍与审美认识、艺术想象启发相结合［5］，孙继南的《中外名曲欣赏》（1985）通过通俗的笔调、深入浅出的介绍，喜闻乐见地评介了古今中外不同历史时期和艺术流派音乐名家的声乐、器乐作品（见赵沨序言），杨民望的“世界名曲欣赏”系列（1991）等，将中国在“音乐欣赏”领域的探索逐步引向纵深。

近年来，“音乐欣赏”类的著述更是如雨后春笋般地涌现，如：《中国民族音乐欣赏》（江明惇）、《世界名曲与cd指南》（杨雁堤）、《中外名曲欣赏》（邹燕凌）、《中外名曲50首欣赏》（张鸿玮）、《中外音乐名作欣赏》（张志军）、《中外名曲欣赏指南》（宋申）、《中外名曲100首欣赏》（杨惠芬）、《中外名曲赏析》（王盛昌）、《中外音乐名作欣赏》（冯步岭）、《音乐名作赏析》（张文元）、《中外经典音乐欣赏》（周世斌）、《音乐名家名曲•中国篇》（王安国）、《中外音乐名作选析：1. 2.3》（王少华）、《中外音乐名作赏析》（朱之谦）、《中西名曲欣赏》（关伯基）、《声乐作品欣赏》（武兰平）、《世界名曲赏析》（李虻）、《音乐欣赏》（张旭）、《中外名曲赏析》（茅原）、《外国音乐欣赏丛书》（人民音乐出版社编）、《中国音乐欣赏丛书》（湖南文艺出版社编）、《交响音乐名作鉴赏》（胡企平）……另外，以辞典形式对中外音乐作品进行鉴赏评介的还有缪天瑞的《音乐百科词典》（人民音乐出版社1998年）、罗传开的《外国名曲欣赏辞典》（上海音乐出版社2003年）、罗忠镕的《现代音乐欣赏辞典》（高等教育出版社1997年）、林逸聪的《音乐圣经》（三卷本，华夏出版社1999、2000）等，著述虽然繁多但良莠不齐，比如：有人对《现代音乐欣赏辞典》所做贡献的高度赞扬［6］，而有人认为《音乐圣经》是“快餐时代的低劣出版物”［7］，《中国民族音乐欣赏》是“一本谬误百出放胆抄袭的教材”［8］。而在期刊的研究文章方面，据笔者统计，从新中国建立后至今的见诸于刊物的“音乐欣赏”类的论文就有6千余篇，是所有音乐研究中最为兴盛的领域。这些论文有涉及到具体作品欣赏的，有以音乐欣赏课程教学的角度予以解析的，等等。

这些研究成果的不断涌现，一方面表明“作品欣赏”在音乐传播中的重要性，另一方面必将促使人们去深思“音乐欣赏”应具有学科化建构的意识。否则，欣赏类著作的撰写必将停留在重复的层面上，难以适应信息化时代大众对音乐文化传播的渴望与需求。《李鉴》的出版可说是应时代之需进行的较好学理探索的成果之一，它是普通高等教育“十一五”公共艺术限定性选修课程规划教材，集合了音乐院校和综合院校“音乐欣赏”的一线授课教师，把编者们多年来对该领域教学的有益经验进行整合，编写中表现出“教材”所需要的普适性、进阶性的特点从而展现出较强的个性特色。它按照课堂教学的规律来分类不同专题，每个专题又“有史有论”、“有个案有线索”。它以音乐体裁的专题史发展为形式，将散性的个案鉴赏整合为可供学科化教学实施的艺术专题。书中内容既有宏观历史线索的勾勒，又有微观作品的音乐内涵解读，尤其注意了选修课的广宏涵盖面和对象的特殊性，其施教对象并非只考虑到音乐专业学生，文科诸专业甚至工科院校也是其涵容的对象。这些教材化的建构特点是李宝杰、冯立斌、齐宜婷、唐继凯、夏艳洲、王青等编者深入认识“音乐欣赏”既往学术成果，整合优化其精要，是在新时期的学科化发展理念下所做出的探索。这一探索既有教学讲解中的历史性价值评判，又有学科视野下的进阶性、整体性、艺术性，还依据学科发展特点注重了学术规范的要求。这一探索把音乐技能培养与情感心理引导相结合，在音乐耳朵感染中接受文化、历史与生命律动的音韵美。它以既往“音乐欣赏”领域的研究成果为研究对象，以学科教学实践所需要的规律进行整合、优化，从其论述线索中可以看出它对“音乐欣赏”学科建构的推动性贡献。

二、观念新颖 构思精巧

拓展阅读视野和促进音乐文化发展是《李鉴》在编写观念上给读者的印象之一，而以音乐体裁为艺术单元、以历史纵横向的音乐学理比较是其构思上给人的特色之处。其构思的精巧在于不同于以往个案解读，而是以专题历史沿革为导引的论述线索，这就涵盖了学术极为丰富的信息，还以“延伸”阅读的补充方式扩展其正文之外的内容，使个案解读的鉴赏中增添了宏观的学科涵容广博。而这些观念和构思又是为其欣赏的专业课程化教学服务的，它不同于以“单曲介绍”为形式的、辞典式的“音乐欣赏”著述。

从观念上看，《李鉴》从影响爱乐者审美情趣的深层机理出发，进行音乐欣赏表现方式的挖掘，对音乐历史文化语境下的古今中外经典作品进行了技术性的解读。它体现了音乐欣赏在走出用文学化、美术化方式理解音乐的误区上的实践［9］，注重音乐作品的技术信息解构，注重对象的艺术品格剖析，尤其以爱乐者的知识建构为技术解析对象，以雅俗共赏的叙事方式展开其逻辑层次。

《李鉴》既有整体编写的统一性控制，亦有个案性格化的叙事展开。这种控制与展开都是编写团队深入理解既往音乐欣赏领域的优点而作出的学科化建构。如“管弦乐”部分，编写者将其分为以序曲、组曲等形式的“管弦乐”和以多曲哲理联缀的“交响乐”，这一区分既有传统的习惯又有学理的技术细分，体现出明确的整体与个体关系。在欣赏导引部分，编者以交响乐历史发展为宏观线索梳理，给读者建构起观念上的初步印象，从词意、乐意、乐史的层面为读者建立起了交响乐这一体裁的学理知识，这为后续的“名曲”技术层面的解读铺垫了基础。在《艾格蒙特序曲》个案的技术解读中，编写者以歌剧的戏剧结构为基础而将音乐结构的发展置于主题思想的层次剖析之中。这种个案的叙事在宏观的知识导引下逐步引申展开，将贝多芬作品中特有的“英雄性”乐意及其思想逐层渲染。这种编写观念和构思是着眼于学科教学的实际，立足于学生乐思的接受实践过程，由此彰显出《李鉴》编写的特色。

  三、体例独特 结构清晰

体例的创新是《李鉴》给笔者的第一印象，其体例以“艺术歌曲”、“器乐独奏”、“歌剧”、“室内乐”、“管弦乐”等体裁为结构单元，以中外音乐经典作品为个案内容为叙述逻辑，将各体裁的历史和技术特点娓娓道来。而每一部分又细分为多节，分述不同内容的代表作。这样的论述方式除了给人以体例独特而有别于以往的“音乐欣赏”，还在结构上以层层递进的展开给人以线索清晰之感，而章节式的体例有助于教学过程的具体实施，延伸的推荐曲目又有了“课外作业”的意味。每章的“欣赏导引”除了给人以体裁专题史的知识铺垫外，还给教学过程的导入注进了理性逻辑。

以国民音乐素质的培养、音乐审美接受的理论与实践的层面看，《李鉴》从每部作品的作者、背景、戏剧结构等方面来层层推进，将普通音乐课程新标准、艺术课程实施规律予以“音乐欣赏”化的贯彻。这一强调音乐审美来推行新时期乐教核心的方式，使《李鉴》的体例具有了宏观学科视野下的具体课案实践的探索意味，这与音乐欣赏的学科发展背景是相合的，体现出欣赏的目的、内容、过程乃至逻辑这些新时期对音乐欣赏学科发展提出的新要求［10］。

如《李鉴》中的“艺术歌曲”，它以艺术歌曲的历史发展为“欣赏导引”，以“德奥”、“意大利”、“法国”、“俄罗斯”、“中国”等国别为结构单元，对艺术歌曲的经典作品进行了鉴赏。编者以艺术歌曲发生发展为出发点，以历史进程中的不同国家各领风骚的艺术歌曲鉴赏为突破口，将作品进行技术解析，并结合歌词意蕴对其抒情性特质进行了阐释。

如果从教学的角度看，《李鉴》中的艺术歌曲叙论结合、层层展开、灵活多变地将教学过程所需要的知识与技术呈现出来。这种体例和结构有助于教学过程中的实施步骤推进，也符合不同教学单元的个性展开。其思路之清晰、叙事之独特是《李鉴》最突出的特色之一。

四、阐释精到 引领乐品

音乐欣赏是一种在娱乐基础上的深刻社会素质建构的有效艺术形式，它不仅是一项审美实践活动，还是一项创造性的审美活动；它既是音乐实践的最终目的，又是推动时代音乐发展的力量［11］。一部优秀的“音乐欣赏”论著就是社会审美引导的美丽风景。要达到引领思想风尚的艺术效果，光依靠作品的视听还无法达到准确表意的目的，其中精到的欣赏理论阐释是必不可少的。

《李鉴》的阐释精到首先表现在每章的标题上，如：“乘着歌声的翅膀”——抒情歌曲、“魔鬼的颤音”——器乐独奏、“今夜无人入睡”——歌剧精粹、“如歌的行板”——室内乐等。这些标题多以各体裁的经典作品为指代，使标题的指向性意图明了，直达乐意，文风活泼，加强了“娱乐性”阅读的情趣。

阐释的语言风格也是《李鉴》阐释美学的表现形态之一。如：对江文也的《台湾舞曲》 的论述，编者引论到：

20世纪早期是中国音乐与世界音乐发生碰撞的特殊阶段，由于多变的局势动荡，致使一些较早踏上现代音乐之路，在那个时代华人音乐家阵营中并不多见的，本该成长为世界级的作曲家，或者说已经在一定范围内产生了世界影响的作曲家，却过早地断送了艺术生命，留下了永久的遗憾。这就是本节所要介绍的台湾籍作曲家江文也的艺术道路及其惊世之作交响诗《台湾舞曲》（《李鉴》第191页）。

这段引论以简略的笔墨将《台湾舞曲》的创作背景及成就精要地呈现出来，其后，论述以“追随世界音乐潮流，追求奇特的形式结构，探求新的音响”为作品技术阐释中心，将这一创作阶段中的江文也的曲作特色呈现开来。阐释中，编者以结构内容的逐层表达为逻辑层次，如在乐曲的开始处所鉴赏的内容，它解析出《台湾舞曲》的“有意打乱旋律节奏的轻重关系”的特色，并就此延展出乐曲整体性的节奏形态特质；又以回旋曲几个插部的节奏和旋律形态特征，来说明乐曲中所运用的印象派手法的娴熟，表达了作曲家深情款款的故土情怀、对民间音乐的主动发展以及对管弦乐创作的技术和思想。这种以技术解读为中心，以作品特色和思想的呈现为延展，以结构层次的挖掘为逻辑线索，《李鉴》的阐释可谓精到。

从接受美学的角度来看，艺术接受的本身也是一种创造，也是一种带有主观能动性和批判精神的再创造活动。［12］而音乐欣赏是要在音乐形式内容的解读中寻求的思想的启迪和升华，把音乐作品描绘的意境与欣赏者的情感触动相对应［13］，遵循创造美和接受美的规律是音乐欣赏阐释的基本准则，只有精到的乐意阐释才会触动品评音乐的美感境界。《李鉴》的阐释中注意了乐意内涵的直观性表达，如在贝多芬第九交响乐《合唱》的阐释中，《李鉴》从音乐主题的造型分析入手，结合启蒙主义的思想背景，将席勒的诗意和贝多芬的乐意进行了对照直至解读，展示出作品中“欢乐”的思想主旨，使听乐者感受到作品中崇高、雄伟、博大和恢宏的乐境，从而感染聆听者的思想，在忘我的审美体验中获得精神的提升（《李鉴》第200页）。从这些阐释可以看出《李鉴》中的鉴乐思想，其主旨和终极目的是为接受对象精神境界的提升创造了条件，文中立意可见一斑。

《李鉴》其它方面的特点还有很多，如：谱例遴选适当、文笔流畅活泼、论述由浅入深、图文并茂等。这些特点都将使其“音乐欣赏”的诠释具有学科化、学术化、艺术化和可读性特色，必将使读者更能从中感受音乐欣赏的理论价值和艺术美育贡献。

当然，作为初尝音乐欣赏新形式的学科化实践，《李鉴》也并非完美无瑕。比如：从总体上看，它在细致展示音乐作品创作过程的同时，导致其背景知识部分的展开过于繁琐，这一“喧宾夺主”的“展开”影响了所要进行的技术解读等主体部分的展开；从局部来看，编者将拉赫玛尼诺夫的《c小调第二钢琴协奏》、格什温的《蓝色狂想曲》、门德尔松的《c小调小提琴协奏曲》等作为室内乐的体裁，这显然不适合编者对室内乐体裁的界定；而局部比例失衡也限制了某些体裁解读的正常展开，如对音乐剧部分的阐释，《李鉴》只用了《演艺船》之“老人河”、《猫》之“回忆”、《音乐之声》之“孤独的牧羊人”三曲具有片面性无法全面展现处于“朝阳产业”发展态势中的音乐剧艺术的音乐风采。这些欠缺如能在将来的修订中予以调整和完善，可能会使《李鉴》走进更多的教学课堂，并为更多的赏乐者所喜欢。

参考文献：

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［2］钱仁康.中国音乐欣赏丛书-总序［c］.长沙：湖南文艺出版社，2001:2-3.

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［5］沈念慈.寓深于浅 博约相照——简评钱仁康的《音乐欣赏讲话》［j］.人民音乐，1985（8）.

［6］王震亚.世界现代音乐的投影——《现代音乐欣赏辞典》简介［j］.中国音乐学,1998 (1). 汪申申.全方位了解现代音乐的良师益友——评《现代音乐欣赏辞典》［j］.人民音乐,1998 (2).

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［8］刘国杰.一本谬误百出放胆抄袭的教材——评《中国民族音乐欣赏》［j］.中国音乐,1992 (4).

艺术作品赏析论文篇6

中图分类号：J72文献标识码A文章编号1006-0278（2013）06-257-01

舞蹈评论和舞蹈欣赏是舞蹈艺术发展历史中必不可少的两个因素，通过对舞蹈艺术的鉴赏、分析、辨别促进舞蹈艺术的进步与发展，创造出更适合时代需要、更符合人们欣赏水平、正确积极引导人们思想和审美的作品。

一、舞蹈评论

舞蹈评论是对舞蹈家、舞蹈作品、舞蹈艺术思潮、群众舞蹈活动以一定的标准进行分析、鉴别、评论的一种科学研究活动，对舞蹈艺术的创作、舞蹈艺术表演、舞蹈理论的建设有重要的作用。

（一）舞蹈评论的标准和方法

舞蹈评论的基本标准是“真”“善”“美”。“真”是指舞蹈作品的表演内容需真实的反应现实生活，表达人民的心声，源于生活、贴近生活，舞蹈表演所传导出的情感应该真实。“善”是指舞蹈作品应传递积极向善的能量，舞蹈作品中所传达的思想和价值观必须正确，对观众起到正确的导向作用。“美”是指舞蹈作品和舞蹈表演应该有较高的审美价值，塑造出的形象生动感人，表演者的感情应该真挚饱满，引起广大观众的情感共鸣，并产生积极的影响。下面简单介绍舞蹈评论的主要方法：

1.形象描绘法。将舞蹈作品的内容、舞蹈作品中的故事发展情结、舞蹈演员的表演技术、舞蹈动作的特色风格、整部作品所呈现出来的意境以文字和语言的形式表现出来的评论方法叫做形象描绘法。形象描绘法以文字或语言的形式再现舞蹈作品，以达到唤起读者的联想和想象，引导读者和观众形象地感受和认识所评论的作品、欣赏表演者的表演艺术。

2.分析品评法。分析品评法主要的评论对象是舞蹈艺术家的艺术生活，舞蹈作品中所蕴含的思想、舞蹈表演技艺，而对舞蹈作品的形象介绍着墨较少。分析品评法通过对艺术家、舞蹈思想、舞蹈表现艺术或整体或局部的分析剖解，指出舞蹈的真伪优劣、高低深浅，有时评论者会提出具体的改进建议和设想，辅助艺术家和表演者提高作品的艺术质量和思想高度。

3.书信对话法。评论家和舞蹈者以书信对话的方式进行交流沟通的评论方法即书信对话法。有时是双方互通书信、往来交通；有时则是评论家单方面的寄语舞蹈编导和舞蹈演员，来抒发和表达对特定作品或演员的评论和建议。

4.展开议论法。由一点及全面是展开议论法的特点，先对某一部作品进行评论，由作品中的一两个突出的优点或问题展开议论，引申到同一类题材或同一类形式风格的作品，展开具体评论分析。

5.综合评论法。综合评论法的特点即综合性，是对某一段时期内出现的某种可能会影响舞蹈艺术全局的现象进行归纳总结、分析、评论，对某一有重大影响力的舞蹈活动进行综合评价、全面分析，及时传送舞蹈界新动向、新理论、新观点。

（二）舞蹈评论者应该具备的素质

舞蹈评论主要是对出现的新作品、新人才及时评论；对舞蹈艺术中出现的突出现象和重要问题及时评论；对某个特定历史时期的舞蹈艺术的发展作出评论；对舞蹈艺术家和舞蹈作品的评论。科学正确的舞蹈评论可推动、促进舞蹈艺术的发展，蛮横错误的舞蹈评论会阻碍误导舞蹈艺术的发展，造成不可挽回的损失。因此，舞蹈评论者应注重提高自己的思想高度、综合素质，提供科学正确的舞蹈评价。

1.舞蹈评论工作者应具有广博且精深的专业知识。我国舞蹈艺术历史悠久，舞蹈种类众多，舞蹈形式多样，舞蹈评论者只有具备广博精深的专业知识，才能对各类舞蹈进行科学专业的评论。

2.舞蹈评论工作者应深入了解社会，了解广大人民的真实想法。茅盾先生曾说，一个批判家应对社会生活有系统的了解，对社会现象有正确的判断能力。只有这样才能深刻的理解作品的内涵，判断作品的“真实性”，掌握时代对舞蹈艺术的要求。

3.客观、公正的评论方法。舞蹈评论工作者首先应尊重舞蹈编导和演员的工作，要在对作品深入研究的基础上做出评论，对优秀的作品和艺术家进行推荐支持，对没有内容实质、思想不健康的作品进行严肃批评。

4.应树立正确的价值观和职业道德观。舞蹈评论是社会主义文化事业的一个组成部分，也是社会主义精神文明建设的一个组成部分，从事这项工作，应树立为人民服务的意识，坚持正确的价值观和职业道德观，追求艺术真谛，引导舞蹈艺术正确的发展。

二、舞蹈欣赏

舞蹈欣赏和舞蹈评价是相互依附、同时存在的，但是两者有一定的区别。舞蹈评论的活动主体是舞蹈评论专业工作者，有明确的目的，是一项科学研究活动，要求评论者在工作中保持客观、准确、公正。而舞蹈欣赏是凡是舞蹈爱好者都可以参与的审美活动，有广泛的群众性，而且在舞蹈欣赏中个人的兴趣爱好起着较大的作用。

（一）舞蹈欣赏的对象

舞蹈欣赏的对象主要有舞蹈形象、舞蹈动作、舞蹈情结、舞蹈情感等几个方面。

1.舞蹈形象的欣赏。舞蹈形象是揭示舞蹈作品主题内容哲理性美――艺术意蕴的文化物质载体。观众通过舞蹈表演者的形象塑造、动作表现唤起思想情感上的共鸣。舞蹈形象是综合了时间与空间的艺术表现形式，人们通过舞蹈语言与演员肢体的美感形态，来欣赏舞蹈艺术作品中所蕴藏的社会生活本质与自然现象中的千姿百态，也是在欣赏舞蹈律动中所传递出的情感体验与思想意境。

2.舞蹈情结的欣赏。艺术虽然高于生活，但是却来源于生活，是对社会生活的再现或反映。舞蹈艺术也有一定的情结，开端、发展、高潮和结局，构成一个关系紧密的画面。来表现舞蹈主题、人物性格、舞蹈所蕴含的思想。舞蹈情结是展示、演绎艺术形象的逻辑符号，舞蹈艺术始终坚持“在叙事中来抒情，在抒情当中来叙事”的特点，就是让情节在富有抒彩的舞蹈中展开，在抒情中体现人物的思想感情和性格，使叙述的情节和人物感情、情与景的抒发融为一体。

3.舞蹈动作的欣赏。舞蹈动作是舞蹈艺术表现的基本手段、是建设艺术效果的基本方法。舞蹈者在形象思维的指导下，进行舞蹈动作，形成舞蹈队形的变化，这种和谐变化而有机组合的舞蹈队形称为舞蹈构图。舞蹈构图将舞蹈的各个部分有机的联系起来，使之成为一个统一的艺术整体。舞蹈构图在时空上的连续性动感所组合成的系列自然段落形成舞蹈画面，体现在为舞蹈作品创造意境、渲染气氛，促进作品的内容与形式的完美统一。舞蹈画面与舞蹈构图的连续性的变化，塑造生动完美的艺术形象，交代环境情结。舞蹈语言是舞蹈构图和舞蹈画面必不可少的元素。精当的舞蹈语言有助于反映舞蹈作品内容。

（二）舞蹈欣赏的过程

舞蹈欣赏的过程一般可以概括为这样几个步骤：

1.观赏舞蹈表现形式，形成第一印象。舞蹈是一种形式感和技艺性都很强的表演艺术形式，所以观众欣赏舞蹈总是从观舞品技开始，看看舞蹈演员的外形如何，技巧有多高。

2.由形入心，体会舞蹈中的情感。观众渐渐被舞蹈所吸引，从舞台上反复出现、不断更替、相互关联的各种形态中看到了人物、事件、情感的变化。

3.感情和思想上产生共鸣。随着情绪情节层层展开、步步深入，观众的情思也走向深层，深深地被舞蹈所感染，有时甚至感同身受，浮想联翩。

4.陶冶情操、净化心灵。舞蹈表演已经结束，但是舞蹈家创造的美的形象、美的意境却深深地留在观众的脑海里，并通过这些鲜活的形象受到某种启示，进一步净化自己的心灵。

（三）舞蹈欣赏的条件

舞蹈欣赏对观众有一定的要求，要进行舞蹈欣赏活动首先舞蹈欣赏者应该有一定的舞蹈审美能力，对舞蹈有的风格、种类有一定的了解，观赏舞蹈时注意力集中、主体情感开放。

三、结语

舞蹈评论和舞蹈欣赏是相互依附的，活动对象都是舞蹈创作和舞蹈表演，都需要活动主体在客观公正的基础上对活动对象作出合理的评价，舞蹈评论和舞蹈欣赏的意义在于弘扬“真善美”，鞭挞“假恶丑”，促进舞蹈艺术的积极发展。

参考文献：

艺术作品赏析论文篇7

1 艺术批评简要概述

近现代意义上的“批评”（Criticism），可以译为批判、评论的意思。“ Criticism”由希腊文“Krinein”一词发展而来，其基本含义为区别与鉴定，即作出判断的意思。英国诗人德莱顿是英国文艺批评之父，他曾经指出：最早确立批评的是亚里士多德，是他最早指出判断的正确标准。批评与欣赏间既有联系又有区别，欣赏侧重于对艺术作品的审美感受，重在对艺术作品中美的揭示；而批评是以欣赏为基础，并在此基础上有进一步的深化与发展，侧重于对艺术作品的分析、判断与研究，其中有对艺术作品美的揭示，也有对艺术作品谬误与不足的指出，并引导艺术发展的方向。总结起来可知，艺术批评，即为Art Criticism，是一种艺术评价行为，是指在艺术欣赏基础上，艺术批评家运用特定的艺术理论与批评标准，对艺术现象与艺术作品做科学分析与正确评价。

2 艺术批评所具有的重要作用

2.1 通过评价艺术作品，形成对艺术创作的反馈

艺术创作是种复杂的精神生产活动，艺术家进行艺术创作，需要广大观众、读者、听众以及批评家的帮助，艺术家在此基础上获得进步与发展，而艺术批评的第一个重要作用也由此展现出来，即通过对艺术家的艺术创作进行总结，艺术批评家提出自己的意见和建议，并以此促进艺术家的艺术创作。古罗马文艺批评家贺拉斯曾将艺术批评家比喻为磨刀石，他说磨刀石虽然切不动什么，但却能使钢刀变得更为锋利；艺术批评家虽然不能创作艺术作品，但却能够给艺术家以指导。的确如此，通过对所选取的艺术作品的深层品味与系统分析，艺术批评家能够发现该艺术作品的成功与不足之处，并在此基础上给出中肯的意见，形成良好的艺术评价，将对艺术家创作起到良性促进作用。

2.2 引导民众鉴赏艺术，提升欣赏者的鉴赏能力

艺术作品往往蕴含深刻的思想内涵与浓郁的艺术魅力，艺术欣赏者未必能做到全面领悟与把握，而是需要艺术批评引导民众鉴赏艺术作品和感悟艺术现象，提升其艺术鉴赏水平与鉴赏能力。如当代中国画画家李宝峰的作品，是对写实人物画的坚持与突破，他的作品总能给人一种愉悦之感，有很多颇负盛名的作品，如《回廊下》、《高原情》《李时诊断医图》、《壕上观鱼图》等，在特定的故事情节安排中，对人物身份、性格、神情的把握到位而得体，毫无故作姿态，显得轻松而自然。通过艺术批评的引导，广大民众能更好地领悟李宝峰人物画中所深含的坚实功底，也能提升民众对人物画的鉴赏水平。

2.3 丰富中国艺术理论，推动艺术批评繁荣发展

艺术批评有对艺术作品的分析与评价，也有对各类艺术现象的考察与探究。艺术批评既能积极利用艺术史研究成果，受艺术理论的有益指导；又能在分析与评价新画家与新作品的基础上，总结艺术创作新经验，探讨艺术领域新问题，从而促进艺术理论与艺术研究成果的丰富，实现艺术批评领域的繁荣发展。

3 当代中国画艺术批评中所存在的问题

从上世纪70年代以来，我国当代艺术已然有了三十多年的发展，中国当代艺术批评的发展是与中国当代艺术的发展双向互动前进的。中国当代艺术发展中出现了很多新艺术形式、艺术现象、艺术形态和艺术观念，中国当代艺术批评也取得了巨大的发展，但也应看到，中国当代艺术批评领域，特别是中国画艺术批评方面，还存在诸多问题，主要表现为以下几个方面：

3.1 存在“好人主义”

近年来，国内艺术批评领域存在“好人主义”，艺术批评者进行艺术批评时，对艺术作品的缺点和不足简单带过，甚至是避而不答，只是一味做出好的评价。虽然这样的评价方式能做到不得罪人，但却降低了艺术批评所应有的作用，不利于激励艺术作品创作者认识自身艺术创作水平，进行艺术反思与艺术创新，推动艺术创作活动的长远发展。当代中国画艺术批评领域“好人主义”的存在，将使艺术欣赏者在面对不真实、不公正的艺术批评时，一是无法实现对艺术作品的深入了解，二是可能失去对艺术批评的信心，甚至对艺术批评敬而远之。

3.2 存在过分西化现象

西方艺术理论及艺术分析方法存在精华之处，对中国艺术作品分析也有积极作用，吸收西方艺术理论及艺术分析方法亦成为中国艺术批评融入全世界的有效途径。但批评中国画作品都套用西方艺术理论与西方固有模式，这是不合理的。因为中西文化间存在巨大差别，这些差别也体现在艺术创作与艺术理论中，突出表现为中国艺术创作对应中式艺术批评，而西方艺术创作则对应西式艺术批评；进而可言，中西艺术创作间存在差别，中西艺术批评间也存在不同之处。正因如此，不能完全套用西方艺术批评模式来评判中国画艺术创作，如果不能规避过分西化的现象，容易出现中国画艺术批评的民族模式和批评术语的丢失，而这种过于西方化的批评模式，也必然为众多的艺术欣赏者所排斥。

3.3 存在盲目吹捧现象

近年来，国内艺术批评界存在盲目吹捧之风，这使一些优质艺术作品不被理会，一些低俗艺术作品却受到吹捧；使一些造诣不高但却善于投机逢迎的艺术家受到“好评”，而一些造诣很高却只致力于艺术创作艺术家备受冷落。中国艺术界所存在的这种盲目吹捧的现象，助长了艺术创作中肤浅浮躁的风气，而不客观实际的艺术批评也为广大艺术欣赏者所反感。

3.4 存在庸俗化倾向

很多艺术批评者对批评对象的选择，不是倾向于高品味的艺术作品，而是选择分析和批评低品味的艺术作品，甚至采用庸俗的语言进行评论。当代中国画艺术批评中所存在的这种庸俗化倾向，这将影响到中国画欣赏者的欣赏品味和审美格调，不利于中华民族整体艺术欣赏水平的提升。现实是，绝大多数中国画欣赏者有健康的欣赏品味和审美追求，但庸俗化的艺术批评将使欣赏者对艺术作品有所曲解。

4 如何建立当下中国画的艺术批评学说

中国画批评标准的混乱与缺失，是当下画家们及艺术批评家们的共识，如何建立当下中国画的艺术批评学说是广大艺术者们所深思的问题。笔者认为，可以从如下几方面做出努力：

4.1 艺术批评者肩负起应有责任

艺术批评在艺术创作及艺术欣赏领域起到重要作用，但近年来，我国艺术批评正趋向于衰落，在实际艺术批评过程中，很多艺术批评者想到的只是获得艺术批评的巨大影响力，却并未肩负起其在艺术批评中所应尽到的责任。为了纠正上述错误行为，广大艺术批评者应进行深入反思，在进行艺术批评时，能坚持客观、公平、公正的原则，做到不捧杀也不扼杀，做到摒弃“好人主义”，能够发现中国画画家艺术创作过程中所存在的问题，并提出合理化的意见和建议，做到艺术批评语言既不庸俗化，又能满足广大欣赏者的需要，对欣赏者审美水平及鉴赏能力的提升起到推动作用。除此以外，中国画艺术批评还应展现中国特色，这既包括在对形、神、意、象等艺术术语的表述上，也表现在艺术批评的行文思路上，在注重西方理论性分析同时，也应有对中国传统感彩的渗透。也唯有如此，才能创作出更能展现中国化的艺术批评文章来。

4.2 批评家与艺术家的和睦相处

艺术创作和艺术批评是相辅相成的，为推动二者的和谐促进与发展，应加强艺术批评者与艺术家的交流与沟通。但现实情况是，诸多艺术批评者与艺术家间缺少交流，甚至存在怒目冷对、相互谩骂的现象。这在很大程度上遏制了两者间的良性互动，致使艺术批评应有的推动作用难以发挥出来，反而为欣赏者及国外艺术界所嘲笑。为确保我国艺术创作与艺术批评的整体形象，有必要完善艺术批评者与艺术家间的关系。

4.3 努力凸显当代中国画主体精神

当代中国画应当具有主体精神，这是诸多艺术家及艺术批评家所达成的共识。当代中国画有三条创作主线，即官方、新潮及传统，各条创作主线间都存在创作差异，而当代艺术家的最突出特征是对传统价值的反叛和争议，价值判断标准的缺失，也使对中国画价值的判断成为难题。除此之外，中国画还呈现商品化和大众化特点，现阶段，在中国画一片繁荣的景象之下，也显现出其缺乏生气的一面。面对这种情况，无休止的争吵是没有意义的，而是应该营造良好的社会整体语境，激发个体精英的创造力，确立明确的中国画批评标准，凸显中国艺术领域当代主体精神，为中国画艺术创作与艺术批评创造良好的条件，并推动中国画艺术批评学说的建立。

参考文献：

艺术作品赏析论文篇8

为了解当前广东省高职院校设计类专业开设《艺术赏析》课程的现状，探讨《艺术赏析》课程对设计专业学生创新思维的影响，找出适合专业特色的赏析课程的教学模式和方法，本课题组设置了相关的调查问卷来了解情况。通过对问卷的分析、归纳、总结，发现了一些存在的问题，也得出了一些启发。

1 存在的问题

（1）目前在广东省部分高职院校的艺术院校或设计类专业没有开设《艺术赏析》这门课程。

（2）有的艺术院校或艺术设计专业开设了这门课程，但也只是专业课中的一个“摆设”，而没有根据专业特点来设置相适应的教学内容，对专业学习的帮助不是很大。

（3）有的艺术院校或艺术设计专业根据专业特点来设置了相适应的赏析课程，比如广告设计专业开设了《广告赏析》这门课程，但因为老师的教学方式偏重理论讲授较多，忽略了学生的参与，导致学生对本门课程的学习兴趣不大，上这门课程只是为了好拿学分，得不到的学生重视，从而对启发学生的创新思维没有起到较大的作用。

2 得出的经验和启发

目前，我国设计类专业在培养设计创新思维与西方相比起步较晚。在国内无论是思维意识体系还是具体实践，对学生创新能力的培养都只注重在专业技能的培养方面，而忽视了艺术修养、审美意识对学生在创新思维方面的启发作用。而在我省高职院校的设计专业里，也存在相同的问题，大部分学生在创作或设计作品时，虽然掌握了一定的技巧和技法，但设计出来的作品审美度不够高，缺乏创意和个性。

那么，应该如何提升学生设计的作品审美层次，使得学生设计的作品具有较好的创意和较强的个性？当然，这需要从多方面、多角度来培养学生。在这里，我们只是探讨一下《艺术赏析》课程对设计专业学生创新思维的影响。

什么是创新思维？所谓创新思维是指“创造性的观点或理论，并且能够指导人的行为，进而能够创造事物形态的心智活动。而创新思维里最重要的两种思维方式是发散思维与聚合思维，而其中的发散性思维就与我们的艺术赏析课程关系比较紧密了。所谓发散思维，又称求异、辐射思维，是指从一个目标出发，沿着各种不同的途径去思考，探求多种答案的思维及解决方案，与聚合思维相对。不少心理学家认为，发散思维是创造性思维的最主要的特点，是测定创造力的主要标志之一。发散思维能力的高低，取决于知识面、想象力、迁移能力的高低。发散思维主张进行突破常规、求新求异、寻求多种答案的思考，他不受传统知识的束缚，力求发现新事物，充分调动大脑丰富的想象力，对积淀在大脑中的知识、信息和观念进行重新排列、组合、从而产生出更多、更新的设想和方案。那么，《艺术赏析》课程对培养设计专业学生创新思维有没有起到一定的作用呢？

我们知道《艺术赏析》课程是一门通过对绘画、建筑、雕塑、工艺美术、音乐、舞蹈、戏曲、摄影等门类艺术进行阶段性的赏析课程。在2006年《全国普通高等学校公共艺术课程指导方案》的通知里就明确指出，“欣赏经典艺术作品可以让学生树立正确的审美观念，培养高雅的审美品位，提高人文素养；了解、吸纳中外优秀艺术成果，理解并尊重多元文化；发展形象思维，培养创新精神和实践能力，提高感受美、表现美、鉴赏美、创造美的能力，促进德智体美全面和谐发展。”而对于设计类专业的学生来说，其中提高审美素养，培养创新精神方面的作用尤其重要。艺术设计创新能力的培养对于设计者而言无疑是至关重要的。因为艺术设计既要体现符合设计原则，又要带有鲜明个性的设计构思和想象。由此可见，艺术赏析课程对设计专业学生的创新思维培养起到了一种积极的作用。

但通过上面的问卷调查，我们发现《艺术赏析》课程面临着比较尴尬的局面。有的院校的设计专业根本就没有开设这门课程；而部分院校的设计专业虽然开设了这门课程，但仅仅只是一个摆设，并没有结合专业的特色来开设适合该专业的赏析内容的课程；做得比较好的部分艺术院校或艺术设计专业虽然根据专业特点来设置了相适应的赏析课程，但由于授课的老师教学方法比较单一，侧重理论讲授，而忽略了学生的参与，学生的学习积极性不高，对培养学生的创新思维作用不是很大。面临这样的尴尬局面，应该如何做才能让《艺术赏析》课程对培养设计专业学生的创新思维发挥出较大作用呢？我们可以同时从以下两方面来进行：

首先，从课程内容的设置角度来看，艺术欣赏课程的内容和形式应该紧密地与学生的专业特点相联系，要设置符合学生专业特点的艺术赏析类课程。我们知道《艺术赏析》这门课程涉及的内容范围比较广，如果要求每个设计专业开设的《艺术赏析》课程把这些艺术门类的知识都包含进来，一是可能会占用较多的学时，从而减少了其他专业课的学时，影响到学生其他专业能力的学习。二是在有限的课时里学习这么多的艺术门类，学生会学习任务比较重，从而减弱了学习积极性，达不到课程学习所预期的效果。那在设计这门课程时，可以侧重于一个艺术门类的学习，达到与其他艺术门类的融合贯通。例如，对广告设计专业的学生，我们可以开设一些《经典广告艺术赏析》的课程；而对服装设计专业的学生，我们可以开设一些先锋、主流时装的赏析课程。这样开设的课程内容就和具体的专业学习紧密的联系起来了，学生学习的兴趣就会更大，掌握的专业知识面就会更广一些，设计思维也会得到更大的开拓，专业知识的沉淀慢慢就会加深。那么，当学生在设计作品的时候，就不会感觉脑袋空空的，而是可以学习、借鉴别人的亮点，或者是受到启发，产生新的想法、创意，设计出新颖的作品。

其次，从授课教师的角度来看。教师的授课方式很大程度上影响着学生的学习积极性。传统的艺术赏析课程，更多的是教师自己在单一讲解作品，而忽视了学生的参与程度，学生只是处于一种被听的状态，导致学生的学习积极性不够高。如何让学生更多的参与到课堂教学中来，这是上赏析课程教室要解决的一个重要问题。笔者通过长期的艺术赏析课堂教学，积累了以下的一些教学经验供大家探讨。在欣赏经典作品时，教师可以从以下四个阶段来引导学生进行赏析：

2.1 作品赏析前导阶段

教师课前可以把班级学生分成若干小组，让学生以小组为单位，每个小组完成下节课要赏析的一个作品的相关资料收集，如作品的风格、材料、相关的背景知识等的收集。收集方式可通过图书馆、网络、书籍等途径进行。因为学生受到个体知识和经验的局限，如果没有充分的准备，在赏析作品的过程中，赏析的质量会受到限制。因此，让学生有备而来，缩短与欣赏内容的距离，产生欣赏的兴趣，这是教师引导要学生要做的重要的准备工作。

2.2 作品赏析、提问阶段

在欣赏的开始，教师出示欣赏作品后，不要立即讲解，而是先让学生对作品进行感知，由学生自行完成作品主体识别。然后教师再提出一些可思考性、可讨论性和目的性的明确问题，供学生讨论。这是关键的一步。在提问问题时，一般一个作品只提一个问题，问题要尽量简单概括，要有针对性，便于讨论的展开。通过提问，激发学生的主观感觉，将学生的注意力集中在应当注意的方面。

2.3 自由讨论阶段

学生在对作品初步感受之后，带着教师提出的问题，展开自由讨论。这一阶段改变了教师唱独角戏的传统形式，而是师生共同参与。在讨论过程中，教师要营造一种轻松的氛围，要鼓励学生自由地去做发散思维、创造性的想象。教师应注意减少干涉，尽可能的让各种意见浮出水面，以激发学生的思维，开阔学生的视野。

2.4 归纳总结阶段

经过前一阶段的自由讨论阶段，学生的各种意见已经浮出水面，教师要把自由讨论阶段产生的较有代表性的意见归纳出来，然后再让学生针对意见比较集中的问题进行针对行讨论，在这一过程中，教师要引导学生往作品赏析的核心方面靠拢。

总而言之，艺术赏析课的教学要脱离教师单一讲授的传统教学模式，更多的让学生参与进来，在赏析过程中，发挥学生的自主性和探索性，以个人和小组合作的方式进行。教师在教学过程中起到引导者和组织者的作用，给学生创设平等、自由、相互接纳的学习气氛，利用多媒体教学条件为学生创设直观的作品欣赏情境，通过对同一问题的反复研究和评议，达到提高学生的欣赏水平和创新能力，培养学生分析问题、联想学习等能力的目的。

参考文献：

艺术作品赏析论文篇9

美术鉴赏课主要为学生提供培养自身基本人文素养以及鉴赏能力的平台。教师在重视学生的文化成绩之余更应该注重对学生人文素养的培养，不断提高学生的美术鉴赏能力，只有这样才能帮助学生全面发展，提高学生的综合素质。

一、利用美术名作，提高教学针对性

美术作品作为记录文明的一种方式，其意境往往会与当时的社会相结合，因此开展美术作品赏析课程不只是为了单纯地欣赏艺术作品，更是为了让学生了解这些艺术品背后的意义以及包含的思想，从而提高学生的美术鉴赏能力。以著名雕像《米洛斯的阿芙洛狄特》为例，当学生初次看到这座女神雕塑的图片时，也许只会注意到女神丰腴的身体或者是美丽的笑容，但论起深层次的含义，却不能感悟，这时教师就可以对学生进行引导，让学生发现雕像中的残缺美，这样既能丰富学生的知识面，又能让学生感受到艺术的魅力，提高学生的艺术鉴赏能力。

二、紧密联系生活，激发学习热情

所有的艺术均来源于生活，因此在学习美术鉴赏课程时，教师可适当地将实际生活引入美术欣赏中，让学生在生活中发现美、发现艺术。如，在讲解《中国民间美术》时，学生初次接触这些艺术作品，可能会觉得这些东西并非高雅的艺术，而是带着“土气”的东西，教师的任务就是改变学生的这种观点，让学生在这些写实的艺术品中发现传统文化的魅力，在这些质朴的艺术中寻找历史的记忆。如此才会使学生对艺术有更深的理解，激发学生对于艺术赏析的兴趣，提高美术鉴赏课程的教学质量。

艺术作品赏析论文篇10

一、二者同属人文学科

美术是人类最重要的精神活动,美术欣赏的本质即是欣赏者审美与价值判断的过程,欣赏者的知识、经验、记忆、情感、观念与思想贯穿审美过程的始终,人的作用决定着这一活动的程度和品质;同样,作为美术史研究对象的诸如美术作品的观念、发展、风格、手法、分期、流派等等,以及为研究它们所采用的如描述、比较、鉴定等各种不同方法,所有这些与人类物质与精神活动密不可分的概念,构成了作为一门人文学科的美术史。

二、二者在研究对象和研究范围方面近年来表现出更明显的相容和重合

我们今天生活在一个充满图像信息的时代,非文本的视觉文化,诸如电影、电视、录像、摄影、广告、车辆上的涂鸦绘画、卡通和连环漫画甚至包括商品的外包装等,无不处在历史、社会和文化的相互作用之中。从著名博物馆收藏的古代大师的油画到最新高科技的电脑制作的虚拟图像,图像世界正在以惊人的速度不断增加,所有这些视觉图像也都要求美术史家对其做出新的文化阐释。

与此相呼应的是我国近年来的学校美术课程改革中所提倡的美术欣赏教学,其欣赏对象和范围的广度也涉及到包括所有人类文化的视觉艺术。例如“对自然美和美术作品等视觉世界进行欣赏和评述”等表述,反映了美术欣赏是以视觉世界为基础的各种艺术及图像为对象。而诸如“逐步形成崇尚文明、珍惜优秀民族艺术与文化遗产、尊重世界多元文化的态度”、“中外优秀的卡通艺术”、“民间玩具”等等,则表明欣赏范围包括世界各民族所包孕的多元文化。

三、美术史和美术欣赏的原则和意义也是相似的

美术作品在美术史和美术欣赏的研究活动中应占据中心地位。英国美术理论家约翰•拉斯金曾说过,伟大的民族以三种手稿撰写自己的传记:行为之书、言词之书和艺术之书,但是,唯一值得信赖的便是最后一部书。由此可见,对于人类文化来说,美术作品理所当然地被视做是人类文化的化石。在所有美术史和美术欣赏的背后都存在着极其复杂的文化背景,正是这个背景为美术作品的描述和阐释提供了多种渠道,导致了多元化的研究活动。

四、在美术欣赏活动中,一些美术史的研究方法被普遍运用

1.作品研究

(1)图像研究

图像志。其首要目标是确定美术作品中描绘的是什么,并且揭示和解释艺术家想要表达的深层意义。其次,它关注的是追索艺术家所使用的直接和间接的材料――包括文献资料和视觉的资源。图像志研究一般包括三个层面:一是精确列举和描述艺术作品中可见的一切而不解释这些事物之间的联系。二是确定“主题”。即我们所看到的事物相互之间产生的联系。三是表述艺术家在美术作品中想要表达的更深层意义或内涵。

图像学。是文化史研究的一个分支,用来揭示视觉艺术中主题和题材文化的、社会的和历史的背景,根据这个背景,图像学可以解释为什么一个艺术家或赞助人在一个特定地点和时间选择某种特定主题,并且用一种特定方式加以表现。

(2)风格研究

形式主义。狭义上指将艺术作品的形式因素作为主要的考察对象,如绘画作品的平面连续性、空间模式等,而对作品的主题、内容、社会联系等外部因素则不予关注,从广义上来说,它属于风格研究的一个基本组成部分。形式研究特别倾向于讨论美术作品以及艺术群体、流派,或某时期的艺术风格。

结构主义。结构分析的方法就是对艺术作品最基本的全部形式本质而不对作品的表面细节进行描述。

符号学。最初产生于语言学领域内,从符号学的观点来看,绘画、雕塑或建筑等都是可以被视为“语言”的,因此,近来被广泛运用于视觉艺术的研究。通过符号的系统化导致意义构成的再现。

(3)阐释学

简单地说阐释学就是一套解释系统。由于解释是辨证的、相对的、循环的和非中性的,因而,阐释学家并不把客观性看作最终的目标,而是主张导向解释和批评的理解才是美术史工作的目的。

2.作者研究

(1)传记研究。通过使用引证文献中的一些资料,努力记录下艺术家们所做过的事情。但并不是事无巨细地进行资料堆积,也不是仅仅记录带有逸闻趣事性质的零散的美术史事件,而是在记录美术家和美术事件的事实过程中,对美术作品的优劣加以区别,留心标注艺术家的方法、方式、风格、品行和观念;分析事件的原因、结果以及发生的规律,以供人们借鉴。

(2)心理研究。不同的心理学流派在美术史的研究中形成了不同的风格和派别,主要有精神分析和格式塔主义。精神分析研究方法主要是通过分析艺术家潜意识和知觉与认识的心理因素,来考察艺术家创作意图以及艺术作品产生的根源和功能。

3.外部环境研究

(1)文献学。主要是指依靠大量的引证资料,包括文字、绘画以及艺术家本人、艺术家的朋友和合作者的一些书面材料、文集、档案、专题论文、谈话记录、工作笔记,甚至是美术作品的尺寸、框架、价格以及与之有关的契约、判决书、遗嘱等这些原始资料,对关于艺术及其美术作品的不同意见作分析整理。其最基本的功用是为进一步的研究奠定基础。

(2)社会学。社会学研究为阐释视觉艺术提供了关于艺术与政治、艺术与经济以及艺术与宗教的可能性关系的一系列理解。豪塞尔说,社会学方法就是按照艺术的实际来源来解释在一件美术作品中所表现出来的对生活的种种看法。

(3)赞助者研究和文化研究。这一研究方法从根本上来说揭示出视觉艺术不单纯是一个形式问题,艺术家必须受到文化传统、被给定的题材内容以及赞助人的要求等因素的影响或制约。由于文化习俗的影响以及赞助人的参与,因此艺术权威的专断就不是那么明显了。

以上这些美术史研究的方法,始终围绕着美术作品展开探索,美术欣赏的活动过程也是如此。其中美术史研究中的图像志研究可以为美术欣赏中进行的观察与描述提供完善的方法;美术欣赏中对美术作品的形式分析可以从美术史的风格研究与符号研究中汲取营养和学习方法;除此以外,对美术作品的一些资料和背景的收集可借鉴文献学研究的方法;美术史中的图像学、社会学、心理学研究则为美术欣赏者提供有关美术作品背后的环境、文化以及对作者内心进行解释的有利帮助;而近代美术史研究中的阐释学则有利于培养欣赏者在美术欣赏中形成个性化的批评和审美价值判断。

参考文献:

[1]吕澎.作为学科的“艺术史”及其相关学科[J].新美术,2003.

[2](澳)保罗•杜罗,迈克尔•格林哈尔希.西方艺术史学――历史与现状.转引自汉斯•贝尔廷(Hans Belting)(德)等著,常宁生编译.艺术史的终结[M].中国人民大学出版社,2004.

艺术作品赏析论文篇11

中图分类号：J05 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2012）05-0084-01

随着社会的发展，艺术越来越多的走进我们的日常生活，人们对于艺术作品如何看待的问题，同样也左右着艺术的发展方向。艺术欣赏与艺术批评是一种以艺术作品为主要研究对象的特殊思维活动。它们是使艺术作品与人们发生联系的桥梁和纽带，也是检验作品社会效果的重要途径。艺术欣赏与艺术批评之间既有联系，也有区别。它们都各有自己的特点和规律。而研究和把握这些特点和规律，会有助于提高人们的艺术欣赏水平，推动艺术批评的健康发展，促进艺术创作的繁荣。

一、艺术欣赏是一种审美活动

艺术欣赏是由于接触艺术作品而产生的一种审美活动，也是一种通过艺术形象去认识客观世界的思维活动。通过对艺术作品的欣赏一方面唤起欣赏者的某些形象或片段的记忆，印证重现了一种生活经验，从而也调动人的审美情绪，获得一种感情上的满足，一种美的享受。另一方面欣赏者通过艺术作品的具体艺术形象，产生联想，对于客观事物有了进一步的认识，很自然地接受作者对生活美的发现和评价，接受了一次艺术美的熏陶。

看一幅画是这样，听一支歌，看一出戏，读一部小说，也无不如此。《论语》里记载着孔子在齐国听了《韶》乐的演奏，“三月不知肉味”。当然，这不免有所夸大，但是优秀的艺术作品有着强烈的感染力却是不容置疑的。艺术，作为人们的精神食粮，人们的思想养料，对人们的影响是多方面的。它首先作用于人们的感情，改变人们的思想面貌，从而影响社会。因此，艺术的社会作用不是立竿见影的，往往需要有一个潜移默化的过程。而这个过程始终离不开艺术欣赏。从这个意义上说，没有艺术的欣赏，便没有艺术的教育作用。艺术欣赏是沟通艺术家与欣赏者之间的思想情感的渠道。一件艺术作品，要是缺乏艺术魅力，不为人们所欣赏、所支持，那么它的存在价值就会落空。毕竟艺术作品更多是一种精神产品，而不是满足物质实际需求的。

作为艺术欣赏，单是要求艺术家适应欣赏者审美要求也是不够的。因为，任何一种艺术欣赏，总是由欣赏主体即欣赏者，与欣赏对象即艺术作品这两个方面所构成的。艺术欣赏所产生的审美成果，是欣赏者与欣赏对象即主客观统一的产物。主观与客观这两个作为艺术欣赏活动的条件，是互相依存，缺一不可的。在作品中那种纯粹的逻辑推理，或政治概念的空洞说教，不可能产生美感，不会为人所欣赏。

艺术欣赏既然是一种认识活动，它也就遵循着人类认识活动的一般规律，也象人类一切认识一样，有一个由浅入深、由表及里，由不全面到全面，即从感性认识到理性认识的过程。同时，这个过程不是只有一次就停止，它总是从感性认识到理性认识，再由理性认识到感性认识，不断循环往复，一次比一次深化，一次比一次得到更多的认识成果。

不过，艺术欣赏这种认识活动是一种相当复杂的思维现象，而且由于欣赏者的思想水平、生活经验和艺术感觉的不同，欣赏活动就因人而异。虽然艺术欣赏是一个有规律可循的、有着不同阶段的认识活动，但是，在具体的欣赏过程中，感性认识和理性认识阶段，又是很难截然划分的。在感性阶段，也常常伴有一定的分析、比较、判断等理性活动；在理性认识阶段，又总是离不开集体、个别的艺术形象，始终伴随着具体生动的艺术形象，这一点同科学中的理性认识阶段是不同的。

二、艺术批评是一门社会科学

从一定的阶级立场、观点出发，对艺术作品做出评价，便是艺术批评，也可以叫做艺术评论。艺术批评是一门与创作并存的社会科学，在艺术作品中，思想和观点融化在艺术形象里面，倾向越隐蔽越好；而艺术批评则相反，通过对作品的剖析研究，对艺术形象的分析，把融化在作品中的思想观点揭示出来，把表现在艺术实践活动中的某些含有本质意义的现象，加以综合和概括，使之上升为带有规律性的理论，从而推动艺术实践的发展。

艺术批评也像艺术创作一样，是一种创造性的精神活动，需要有所发现，有所创造，这样才能对艺术发展有所帮助，对欣赏者有所启发。剖析作品的思想内容和艺术成就，充分揭示其社会意义，及时肯定艺术家的创作经验，指出不足，促使艺术走上正确的轨道，这是艺术批评的一个重要作用。从这个意义上说，没有艺术批评，就不会有真正意义的创作繁荣。

艺术批评通过对艺术品的分析评价，帮助欣赏者认识蕴藏在作品里的深刻思想意义和艺术价值，对于一些极端的作品，也可以通过艺术批评，帮助欣赏者树立正确的欣赏观和识别能力。通过舆论导向使艺术的发展更贴近社会及民族价值观念。

当然，艺术批评也是有一定标准的。任何一个作品都由内容与形式两部分构成，因此，艺术批评也有两个标准，一个是思想意识标准，一个是艺术标准。思想意识标准是衡量作品内容良莠的尺度，艺术标准是测定作品艺术性高低的尺度。

在一个具体作品里，内容与形式，共处在一个统一体之中，它们各自以对方作为自己存在的条件。特别是那些优秀的作品，内容与形式则融为一体，很难完全分割开来。如果硬要把二者分开，既等于取消了内容本身，也等于取消了形式本身。正确的艺术批评，既要注意作品的思想内容，也要考虑它的艺术形式，尤其要从两者的统一上去分析评价作品的艺术成就和思想意义。只强调某一方面，都会导致艺术批评的片面性。片面性的观念否定艺术作品具有的思想性，评价作品时只用艺术标准，过于强调艺术形式的作用，不免会坠入“为艺术而艺术”的泥潭中。狭隘的只看到作品的思想内容，抹杀艺术表现的重要性，把思想标准看成唯一的标准，就往往导致思想等于形式，政治代替艺术，艺术批评变成政治说教，我们要坚持的是内容与形式相统一，思想性与艺术相统一的原则。

在评价作品时，每个人总是自觉不自觉地运用一定自我的思想与艺术标准。当然，阶段不同、时代不同，人们的思想审美意识也在不断发展变化，评价不是一个固定不变的框框，具体情况应该具体分析，不能不顾艺术反映生活的特点，去生硬地套用模式来评价一切种类的艺术作品。

作品的艺术性一般表现在形象内容的塑造上，艺术家是用形象内容来表现自己的思想，形象塑造成功与否，是衡量一个作品艺术性高低的重要标志。具有一定程度的真实性、典型性、完整性、独特性和美感性，也即具有了一定程度的艺术性。一个成功的艺术作品，是各种内在因素的完美结合整体。因此，审视作品的艺术性，应该把几个方面联系起来看，还要注意艺术语言、艺术技巧在作品中的体现与运用，这样，才能较全面、较客观地评价一个作品。

以上所说的一些标准，只是就各种艺术的一些共同性来说的，其实，不同类别的艺术在内容表现，反映生活方面还是有各自独特的表现的。叙事性作品与抒情性作品不同，油画与国画也不同等等，所以在评论各种具体作品时，评价的标准就不能绝对化、教条化，否则就会造成艺术批评的简单化、庸俗化，从而妨碍艺术创作的健康发展。

总之，无论艺术欣赏还是艺术批评，它们都是以作品为对象的，这是二者的共同点。欣赏偏重于感性活动，批评着重于理性分析，这是二者的区别。但这个区别只是相对说的，只有欣赏水平提高了，批评的质量才能提高。反过来，只有对作品进行了具体深入的分析，才更能促进欣赏水平的提高。二者的关系互为基础，又密不可分。

参考文献：

艺术作品赏析论文篇12

中图分类号：J202 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2011）14-0180-02

美术史课是美术专业的主干课和必修课之一。各高校均把“美术史课”作为美术专业课程设置中的重要组成部分，可见其地位显赫。要学好美术理论知识和掌握绘画技能技巧，就应该了解人类美术的发展演变史况；认识历史上各风格流派的画家群、作品群和其理论主张，并通过对历史上不朽的美术名作的赏析来提高自身艺术修养、审美能力，为进一步学习美术理论知识和技能技巧以及为将来的艺术创造打下良好基础。但是，就目前多数“美术史”的著作多处于材料堆砌的状态里，无法达到吸引人的目的。总结起来，主要表现于题材内容形式单一、叙述老调，作者主动参与程度不够，对题材的选择，观点的思辩力、创造力不足，导致老生常谈，不能很好的引起读者的兴趣，更不要说提高艺术修养和审美鉴赏能力了，即便是读过“史”的知识，也因枯燥，容易忘记。自我的学习思路和方法的多样性固然是解决问题的重要方面，但我们仍然希望出现一些有意思的美术史著作。

在美术中必然要介绍中外各个不同时期、不同地域、不同民族由于社会状况、哲学思潮，包括宗教、文化、伦理、风俗等的不同而导致的艺术审美观念和艺术追求的演变发展走向，以及新的艺术观念和艺术追求在绘画作品中的物化表现和不同绘画流派的形成；介绍中外各个时期、各个画派的画家群、作品群、批评群的状况，并在“古为今用，洋为中用”的思想指导下从中吸取艺术养料，通过对各种风格流派的了解、对各个代表画家的研究分析来提高对历史名作的解读和鉴赏能力，从而更好的把握时代精神，提高审美素质，创造出更好更多的艺术品……这是开设“美术史课”的目的意义。

在传统的“美术史”学习中，惯用的手法是按时间顺序了解美术发展历史的教学思路和方法，以美术发展的史况作为重点内容进行讲授，以浅析代表作品帮助理解史况。我称这种方法为“以史论画”的思路和方法，这种方法可以将绘画发展演变过程中的理论思潮及发展走向讲得详细，因为它注重的是“史”的结果。对实践进行总结的话，应该发现，以史学的角度对材料进行分析、整理与综合，条析缕陈是很重要，但我们无法从这些故纸堆中发现“生命”的迹象，众所周知，美术史是由个体的艺术家所构成，艺术家的独特气质和他们与众不同的创作手法才让他们脱颖而出，他们有师承、有脉络，然他们的成功却不是通过学美术史得来的，文艺复兴时期的瓦萨里编撰的也只是艺术大师的传记性文字而已，可这已经足够吸引人们的眼球了，因为在他的书中我们能嗅到艺术家们真正的“气息”，“气息”本身才是重要的因素，以维罗基奥影响达芬奇，菲利普.李皮影响拉斐尔，安格尔影响德加，德拉克罗瓦影响印象派诸子而言，莫不是以气息带动画史的结果，“气息”一词虽然不能以一个定义来加以阐释，但画过画的人对此应不会隔膜，用各种不同的方式来学习艺术都可以走到一个相通的境地，这其中艺术的感受至关重要， 而通常的美术史的叙述方式常表现的一个特点是：文字枯燥有余而趣味不足，尤其美术是一种直接诉诸观赏者视觉的艺术，尽管优秀的画家和优秀的美术作品不能没有坚实的艺术理论、哲学、美学、社会文化思潮，以及丰厚的社会生活实践等作基础和指导，但是，美术终究是以直观的形式呈现在观赏者的面前，美术作品终究采用恰当的表现手法和富有视觉冲击力的视觉形象，包括色彩、线条、构图等绘画表意符号系统，向观赏者传达作者的思想情感、哲理思索和审美追求，传达作者对社会生活和人性的思考评价。简言之，美术是最具直观性的艺术。

“以史论画”的方式常表现的另一个特点是：读者被动接受有余而主动思考的能力培养不足。书中虽然“给人的很多，但真正能留在人们记忆中的东西很少。美术史的存在应是读者与作者的双边活动，而且一本美术史著作的诞生的主要目的应不光是陈述事实，而更应该是对人有所启发，哪怕存在着争议，也应该将自我的观点和认知鲜明地摆出来，美术史的作者在转授知识的同时，更要注意给人方法的启示和判断的能力，教给方法，让读者利用这些方法去学习并掌握更丰富的知识。美术史虽然要讲授给很多史知识，但从根本目的上看，是要引导人们通过史料的学习掌握，在不断提高自身艺术修养的同时，站在理论指导实践的角度去验证“实践是检验真理的唯一标准”，只有从美术遗产中开掘、发现有用的知识理论和技巧，才能推动自己创作乃至当代艺术创作不断丰富发展。以作品的赏析为突破口，引导读者进入与作者产生共鸣的环境中去，积极参与思考，主动探索和挖掘蕴藏在作品中的社会历史、文化哲学和美学意蕴，从对不同时代作品的比较中寻找美术发展演变的社会文化根源和规律。这样来，美术史的写作与阅读的效果就大不一样。我把这种方法称为“以画验史”。

如果要通过美术史达到既传达知识又启发思考能力、既教给方法又培养了创造力之目的话，采用“以史论画”的写作思路是不适宜的，这样做既不利于调动读者的积极参与，也不符合今人研究美术史的接受心理习惯。从认知心理学的角度讲，一个人主动思考获得的知识，比轻易获得或别人灌输给的知识的记忆印象和记忆持久性要强。与“以史论画”的教学方式相比，“以画带史”之注重鉴赏能力训练的写作思路，此外，他克服了前者生动性的不足，这种由“画”到“史”的写作思路，用直观的美术作品直接刺激读者的视觉，这必然会引发人们积极思考问题的主动性，调动其艺术鉴赏活动中的想象力和创造力，使作者与读者之间处于一种急于交谈或交流看法的良好氛围之中，这样的“气息”环境的营造不仅有利于传播知识，更有利于作者有效地培养读者的艺术兴趣和提高艺术鉴赏能力。

从理论上讲的话，首先，“以画带史”的写作方式能使读者认识到当时的社会状况和思想文化背景及艺术思潮等“史料”知识的重要性。艺术鉴赏的思维活动实际上是艺术创作思维活动的逆向活动，对画家来说，其创作思路是将自己的生活感受和哲学美学思想溶进画面中，通过画作传达给观赏者；就观赏者来说，其思路却是要通过画面将画家溶入其中的思想情感和哲学美学意蕴挖掘出来。因此，在艺术创作中，艺术家把自己的个性、艺术观念和审美情趣、社会人生感悟等渗入色彩线条或造型之中，创造出意蕴深刻的美术作品；在艺术鉴赏中，鉴赏者必须透过作品表面，分析研究，挖掘出蕴藏在其中的艺术家的深厚情感和社会生活内涵，从而达到认识社会生活的目的。因此，鉴赏者要想深入地读懂一副画，就必须对绘画作品所处的社会状况、思想文化背景、艺术观念，乃至画家的艺术个性、审美情趣、艺术追求、生活经历和思想状况等进行较深入的认识理解。这时，这些“史料”知识就成为学生迫切想了解的知识，美术史就自然获得了传授理论知识的良好条件。例如欣赏达芬奇的名画《最后的晚餐》，如果不去了解达芬奇的艺术观点和文艺复兴时期意大利乃至欧洲的社会状况和思想文化状况的话，不去了解圣经故事在西方世界的巨大影响，观赏者能看到的充其量是一位神圣的基督面带悲悯世人，与门徒作别的场景，但其中的悲剧意识此一重头戏却已经被略化，相反，一旦对达芬奇的艺术必须师法自然，创造出近似自然的“第二自然”（艺术作品）的现实主义文艺观有所了解，并认识14世纪至17世纪初，即文艺复兴时期是欧洲以“以人为本”为中心的思想解放运动时期，是以提倡个性解放，重视科学，倡导文化教育，重视人的价值和追求生活享受，并以此来对抗中世纪的神本主义思想和禁欲主义、蒙昧主义等封建意识观念的划时代时期。如果这样的话，人们至少可以从耶稣与众门徒的肖像及表情中，还可看到耶稣的特定角色被赋予了新的价值，即不再单纯的被神话，作为信仰的领路人，他的目光中透露出的坚定和对信仰的自信，看出从容微笑中蕴涵着对新生命的追求和对世人的宽恕，感受到整幅作品中传达给观赏者的不同于中世纪时期的耶稣形象与气质、生活态度、生命价值等思想精神境界。所以，“以画验史”的描述方式，通过对作品的欣赏和分析可以带动读者对“史”的兴趣。只要作者能将不同时期的优秀美术作品的鉴赏引向深入，美术史中的“史料”知识必然会得到有效的传授，而且是在读者自身需要意识下的传授。