表演艺术的审美特征篇1

评剧是我国戏曲剧种中的一个重要剧种。同所有的戏曲艺术一样，表演艺术是整个剧种的中心。换言之，表演艺术是整个评剧的支撑与依托。

因此，研究探讨评剧表演艺术的审美特征，不止有利于评剧表演艺术美学品位的提升，而且有益于整个评剧美学品位的提升。

具体而言，评剧表演艺术的审美特征，可以分解为以下四大层面予以解读。

一、民族性

民族性是一切文学艺术的生命与灵魂，对此，古今中外的许多名家都有过许多精辟的论述。俄罗斯作家赫尔岑说过：“诗人和艺术家在他们的真正的作品中总是充满民族性的。”（《往事与沉思》）周恩来同志也指出过：“少数洋化的东西可以保持，但是，多数是要能在中国土壤里根植成长的。”（《周恩来论文艺》）

戏曲是中国民族传统的戏剧形式，理应以民族性审美特征为其题中应有之义，评剧表演艺术当然也理应如此。所谓“民族性”，也称“民族化”，是“指作家、艺术家创造性地运用和发展本民族独特的艺术思维方式、艺术形式、艺术手法来反映现实生活，表现本民族特有的思想感情，使文艺作品具有民族气派和民族风格。是一个民族的文学艺术成熟的标志之一。”（《辞海》缩印本）

评剧表演艺术的民族性，集中体现在它的写意化上面。写意化与写实化是东西方戏剧美学的一个显著的区别点，正如著名戏剧理论家余秋雨所指出的那样：“写意是中国古代美学的一个重要命题，在戏曲表演艺术中主要表现为对时间空间限制的突破，以及动作、布景的虚拟。合在一起，就造就了一个与实际的生活形态相去甚远，艺术的韵律随着心意流荡的天地――当然，不会是一个逼真的幻境。”（《戏剧理论史稿》）事实上的确如此，评剧通过虚拟、夸张的程式化表演，以营造意境为目标，达到了写意化的美学高度，凸显了民族性的审美特征。

二、地域性

地域性是民族性的集中体现与独特表现，地域文化是民族文化集合体中最基本的构成部分，地域文化特色愈浓郁，民族文化特色就愈鲜明。鲁迅说得好：“有地方色彩的，倒容易成为世界的。打出世界上去，即与中国之活动有利。”（《致陈烟桥》）

评剧从实质上讲是地方戏曲剧种，它发源于河北，流行于北京、天津、河北、内蒙等地。在长期的发展创造中，各地的评剧表演艺术都形成了鲜明而又独特的地域性风格特色，并以此为艺术亮点与看点。例如北京评剧表演艺术的深厚、清新；天津评剧表演艺术的高亢、激越；沈阳评剧表演艺术的舒放、自如；长春评剧表演艺术的自由、清新；黑龙江评剧表演艺术的豪放、雄壮等等，都是评剧表演艺术地域性的凝聚与创造。

三、时代性

一切艺术必须与时俱进，适应时展的步伐，不断创新，才能永葆其艺术青春。评剧表演当然也必须以时代性作为自身重要的审美特征之一。

评剧表演艺术的时代性审美特征，主要表现在两大方面：

1.人性化的审美高度

新时期的评剧表演艺术，注重从人性化的审美高度，表现人的思想感情的丰富性、复杂性、微妙性、多变性等特质，使一切表现都为这一“最高任务”服务。例如评剧《半月沟》中黄雅娴的扮演者赵三凤，就通过各种表演元素，做到了“内部（心理）动作与外部（形体）动作的有机统一”，强化了女主人公的生命意识与生命哲学，强化了人物内心世界的丰富性、多元性，收到了以情动情的艺术效果，彰显了时代性审美特征。

2.现代化的表演方式

表演艺术的审美特征篇2

ABSTRACT

Picked to Chinas national vocal art history, in the long river of history, a rich and varied, with different forms of vocal performance, solo is one of them. Solo music is the "second creation" process, in which persons under the composer sang (including word author) creative works, and from their own conditions and features a voice to create, through the "second creation" works content, emotion and mood to convey to the audience how. It is in the "second creation" process, a solo performance art aesthetic character and its own unique aesthetic functions. Is a vocal solo performance art form, it is largely dependent on vocal solo, sang a distinctive aesthetic character art patterns and functional performance form. All through the simplicity of their forms, colors richness, the diversity patterns, exchange and create the kind of lyrical, sexual summarized its aesthetic characteristics, and aesthetic functions of reflection, inspiration functional, educational functions and self-entertainment functions describes its aesthetic function. I tried to adopt this theory to guide solo Shixi art practice.

Key words: solo performances; Aesthetic identity; Aesthetic functions

目 录

摘要……………………………………………………………………………Ⅰ

Abstract………………………………………………………………………Ⅱ

目录……………………………………………………………………………Ⅲ

引言……………………………………………………………………………1

1、独唱表演艺术的特征…………………………………………………1

1. 独唱表演形式的简易性………………………………………………2

2. 独唱表演音色的丰富性………………………………………………2

3. 独唱表演形态的多样性………………………………………………3

4. 独唱表演交流的亲切性………………………………………………5

5. 独唱表演创造的抒情性………………………………………………6

2、独唱表演艺术的审美功能…………………………………………………7

1. 审美反射功能…………………………………………………………7

2. 审美激励功能 ………………………………………………………8

3. 审美教育功能…………………………………………………………8

4. 审美自娱功能…………………………………………………………8

表演艺术的审美特征篇3

0 前言

中国古典舞这一说法是由欧阳予倩先生提出的，得到了国内舞蹈家的赞同继而流行开来。中国古典舞发展至今吸收了戏曲、武术等艺术，凝聚了中华民族舞蹈艺术的精髓与民族审美风范，发展成为一种特殊的舞蹈，在我国舞蹈发展史上有着里程碑式的意义。在发展过程中，凝聚了我国民族艺术的美学，表现出了我国传统艺术文化的魅力。随着社会经济的发展，中国古典舞对传统的舞蹈风格和特点进行了完美的展示、传承和发展，反映出了古老文化艺术的独特魅力和其优秀而丰富的文化内涵。

1 古典舞表演中呼吸及其审美特征

中国古典舞可以看作是对中国历史文化、行为艺术的延续与创新，是对我国传统文化的完美展现。经过长时间的熏陶和历史的演变，到如今对于中国古典舞表演中呼吸及审美特征，需要结合中华民族的审美特征来进行。

1.1 古典舞表演中呼吸的作用

从理论上来讲，呼吸就是气，也是一种不断运动着的、有很强活力的特殊物质，是维持人体生命活动的最基本的元素。而呼吸在我国古典舞中属于专门的艺术呼吸，是来赋予舞蹈可以生动真实展现的基本单位，给予舞蹈旺盛的活力。舞蹈演员在跳舞中通过对呼吸的运用，进行自身能力的提高和完善舞蹈技术技巧，同时根据呼吸运用方式不同，表现出舞蹈的节奏、风格和韵律。总而言之，呼吸在古典舞的表演过程中占据着非常重要的位置，在表演过程中可以根据呼吸的短气、长气、吐气、吸气、含气、顿气等多种呼吸的方式，来达到不同的表演效果和完成一些高难度动作，例如：舞者在做跳跃动作时通过吸气，可以牵动腹肌、背肌，来使空中舞出的造型更加稳定、美观，也可以达到辅助力量的效果。还有舞蹈演员在跳舞时需要大量的运动、保持高难度动作等，所以运动量非常大，需要的氧气量也就很大，这就要求舞蹈演员要掌握好呼吸的运用，来保证舞蹈的完美展现。

1.2 古典舞表演中的审美特征

在我国的古典舞中还有一个非常重要的部分就是审美特征，其中以身韵最为重要。身韵也就是“身法”和“韵律”。“身法”属于外部的技法范畴，“韵律”则属于艺术的内涵神采，只有把这两者有机结合才可以真正体现出我国古典舞的特点和审美特征。“身韵”主要包括：“形、神、劲、律”等内涵。“身韵”则是形神兼备，内心和动作的高度统一，这都是我国古典舞表演和审美特征的关键。随着现代社会的快速发展和社会的变迁，要想保持我国古典舞表演中的审美特征，就要抓住古典舞的灵魂，为现今古典舞的发展打开新的突破口，将我国传统文化、艺术风格等元素加入现阶段的舞蹈创作中，使古典舞的发展不再一味的借鉴历史题材或戏曲动作，而要不断拓展观众的审美境界，要使我国古典舞的发展不断向国际舞台迈进。这就必须要求对于古典舞的创编，要丰富古典舞语汇，并结合国外优秀的舞蹈表演艺术技巧，融入我国古典舞特有的文化元素和身韵元素，彰显出我国古典舞的审美特征，使舞蹈更加吸引人。

2 古典舞表演中呼吸及其审美特征的运用

在实际的古典舞表演中，要把呼吸和审美特征中的身韵结合起来，以此来达到对舞蹈的完美演绎。因为古典舞审美特征中“身法”是外部的技术范畴，主要包括提、沉、冲、靠、含、腆、移、旁提等，这些实际上也都是对气、对呼吸的一种特别的表达方式。所以，通过对呼吸的训练要以提、沉为基础，通过对呼吸的训练，使呼吸在对身体运动产生的作用做到有意识的控制，这能够使我们充分地认识到“气”和身体的紧密联系。以下就来介绍呼吸结合审美特征在训练和实际表演过程中的运用。

第一，在旋转中的运用。中国古典舞的旋转技术技巧主要以拧倾为主。因此，旋转动作长而舒展，也有很强的延伸感，主要用跨部来带动身体和手臂等别的部位的动作。根据我国古典舞中旋转的特点和技术技巧，在我国古典舞旋转动作中，舞蹈演员要合理、熟练地运用呼吸来配合相应的舞蹈动作，这样来达到感情与动作的高度统一，而只有用呼吸来带动、调节和控制发力的强弱和动作幅度的大小，才能使舞蹈演员高质量地完成旋转动作。

第二，在翻身动作中的运用。翻身动作是我国古典舞基础中比较难以掌握和发挥的一种动作，其中对呼吸的合理运用非常关键，因为呼吸直接影响动作中的仰、俯、拧、旁提等形态的发挥，甚至翻身过程中姿态的发力强弱和动作的幅度大小，所以呼吸对翻身来说也是保证舞蹈演员能否顺利完成这些动作的重要因素。

第三，在弹跳动作中的运用。对于我国古典舞中的弹跳动作来说，在方法上要求舞者用力较轻，发力要集中，以此来体现出一种飘逸、不失力度的感觉。而要体现出这种感觉，就要在弹跳动作中，控制呼吸的强度、缓急来达到对弹跳的要求，并结合舞蹈演员自身柔韧度、能力、技术技巧，来体现出刚、脆、寸、韧等的特点。

根据以上对我国古典舞诸多动作之中三项的介绍，来体现古典舞表演中呼吸及其审美特征的重要性，其中在舞蹈演员对古典舞的练习过程中，要把呼吸和审美特征结合起来，并根据自身的基本能力、动律、技巧、节奏、舞姿等基础，成为一个整体，来促进自身舞蹈水平提高。因此，合理地运用呼吸是完美表演舞蹈的保证，也是对古典舞审美特征的保证，也是帮助舞蹈演员动作与动作之间连接顺畅的保证，从而使舞蹈演员的肢体能够更加完美地做出各种舞姿。

3 结语

通过本文对我国古典舞表演中呼吸及其审美特征的介绍，我们可以看出呼吸和审美特征的有机结合，对于我国古典舞表演的重要性。牢固的掌握、合理的运用可以使舞蹈动作显得内容丰富、充满美感，从而增强古典舞的艺术性、观赏性。所以在现如今，想要培养一名优秀的中国古典舞演员，我们首先就要指导其掌握合理地运用呼吸和审美特征，同时，也要在平时的练习中不断地进行探索，将呼吸和审美特征融入到自身的舞蹈动作中，从而使舞蹈更具有感染力，更富有美感。最后也望本文对于现如今古典舞的发展提供一些有价值的指导，进而丰富和发展我国的古典舞。

参考文献：

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[4] 赵文静.浅谈舞蹈中的“呼吸”[J].山东省青年管理干部学院学报，2005（05）.

表演艺术的审美特征篇4

在当今艺术表演形式中，声乐表演是最普遍，也是最容易被观众接受的艺术表现形式。声乐演唱者利用自己对歌唱作品的鉴赏，将自己的情感与作品进行融合，通过二度创作将演唱传达给听众，使观众形成良好的审美体验，而演唱者自身也必须具有良好的审美体现，这样才能使作品震撼人心，形成听众情感上的共鸣。作为声乐艺术的表演者，要提高自身的审美水平，在艺术表演中了解审美体现，表现出更为动人的声音作品。本文就审美体现在声乐表演艺术中的实际应用问题进行分析探讨，具有一定的参考价值。

一、声乐表演艺术中审美体现的作用分析

（一）审美体现让声乐表演意蕴更丰满

声乐表演作为一种艺术形式，其本身就具备非常丰富的艺术内容，这种艺术内容被我们称之为“美”。在进行声乐表演艺术过程中，因为声乐表演人员的专业水平影响以及欣赏者的审美水平差异，使得声乐表演当中所蕴含的艺术美很难完整、全面的展现出来。在这种情况下，我们可以通过对审美功能的体现，来让声乐表演艺术当中的艺术美感表达更为丰满，这种审美体现不仅能够给予声乐表演者科学的审美表现指导，同时还可以让观众更为恰当的选择审美角度来对声乐表演艺术予以欣赏，从而将声乐表演的意蕴更为丰满的表达出来，提高观众对声乐表演当中美感表达的认知和认可。

（二）审美体现让声乐表演特色更鲜明

声乐表演作为一种艺术表现形式，其根据所表演内容的不同，来确定声乐表演的特色。随着声乐表演艺术的不断发展，融合性声乐表演越来越多，并逐渐呈现出大众化表现状态，这让最为质朴、传统的声乐表演逐渐丧失了自身地位，也失去了其价值及特征，这对于声乐艺术的发展十分不利。将审美在声乐表演中得以体现，能够实现对声乐表现形式、表达内容以及所传达审美情趣的约束，这在很大程度上能够辅助传统声乐表演形式的发展，并将其更为特征化、特点化，这可以让观众在进行声乐表演欣赏时，更为透彻的理解和欣赏声乐表演所要表达的内容。

（三）审美体现让声乐表演效果更突出

在当前的声乐表演发展模式下，观众对声乐表演的认同感越来越低，声乐表演的效果也越来越差，这对声乐表演的未来发展十分不利。审美体现作为表达声乐表演当中美感艺术的一种途径，其能够通过在声乐表演当中的有效表达，来让观众更为清晰、容易的理解声乐表演内容，掌握声乐表演当中的特征，从而更好的接受声乐表演，这在很大程度上能够实现对声乐表演效果的突出化，为声乐表演的受众效果提升提供支持。

二、审美体现在声乐表演艺术中所应遵循的原则

（一）将声乐作品与二度创作相结合原则

在声乐表演艺术中，演唱者要提升审美体现，就要在尊重原则的基础上进行作品的二度创作，这一原则也可以称为客观真实性和主观创造性的统一。作为声乐艺术表演者，在对原作进行创作的过程中，要保证原作的客观真实性，即保留原作中最为核心的部分，这要求声乐表演者对作品的创作背景、基本内涵、艺术风格等因素有全面把握，保证作品的客观真实性。但需要指出的是，如果机械地对原作进行再现，没有演唱者的二度创作，那么声乐表演艺术将难以有较强的感染力，自然也没有审美体现。因此，优秀的声乐演唱者能够在了解作品内容的基础上，结合自己的经历，将感情与原作融合，实现作品的升华，将声乐作品与二度创作相结合，提升审美表现。

（二）将演唱技巧与艺术表现相结合原则

声乐技巧与情感投入是声乐表演艺术中非常重要的两个方面，通过那些经典的声乐表演艺术可以发现，优秀的声乐演唱者都具有非常扎实的声乐技巧，在演唱中能够正确处理各项要素，将作品过程充分展现出来。但是，仅仅具有声乐技巧是远远不够的，那些杰出的声乐表演艺术家，无不是在声乐表演中投入了大量自身情感，充分挖掘了声乐作品的思想情感内涵，将演唱技巧与艺术表现完美结合，通过声乐技巧将歌曲的情感完美表达，形成良好的审美体现。有人将声乐演唱的技巧与情感表达形象地比作人的骨骼与灵魂，如果声乐表演艺术失去了灵魂，那么审美体现自然大打折扣，难以让声乐作品具有感染力，让听众产生情感共鸣。因此，优秀的声乐演唱者要能够正确把握作品情感，处理好声乐技巧与艺术表现二者之间的关系。

（三）将历史性与现代性相结合原则

不同的声乐作品都具有不同的时代特征，也都是历史及时展下的产物，由于这些因素的差异会使声乐作品出现不同的流派，每一历史时期或每一流派的声乐都会存在不同的审美主张，因此也可以说，任何声乐作品都具有历史性。声乐演唱者在进行声乐艺术表演的过程中，一方面尊重这些作品的历史感觉，另一方面也不能忽视现代的审美需求，要将声乐作品的历史性和现代性进行有机结合，在了解作品历史背景的情况下，恰当融入现代元素，平衡二者之间的关系，使表演出来的声乐作品兼具历史风貌和现代元素，也满足更多听众的审美要求。

三、声乐表演艺术中的审美体现分析和应用

（一）培养演唱者的音乐感觉

演唱者对音乐的感觉和体验，决定了演唱者能否通过声乐表演准确地传达出声乐的审美内容，因此也可说，音乐审美感觉对于声乐表演艺术非常重要。为此，声乐演唱者一方面要提高自身的审美能力，提高声乐演唱的感染性，准确地将作品感觉传达出来；另一方面，演唱者要加强演唱技巧的练习，为提升音乐感觉打好基础。除此之外，声乐演唱者全面提升自己的综合素质，丰富自己的内心情感，多多倾听一些经典的声乐演唱，广泛涉及不同音乐风格与内容，提升自身对音乐的感觉。

（二）注重演唱者自身声音的感染力

由声乐表演艺术的基本内容和特点可以得知，声音是演唱者进行艺术表现的主要形式，听众获得对声乐作品的感受与审美体验，也是要通过声乐演唱者的声音来实现的，因此，演唱者需注重自身声音的感染力。一方面，声音条件受先天因素的影响，所以声乐演唱者必须对自身声音有明确的认知，在声音演唱中扬长避短；另一方面，声音受后天专业能力和技巧的影响，因此声乐演唱者要在日常的练习中加强学习和训练，提升自己的审美感受，在舞台表演中将自己对作品的感悟和声音技巧进行有机融合，使听众获得更深层次的情感共鸣，提升审美表现。

（三）演唱者要注重演唱情感的投入

情感是一种心理反应，而声乐表演艺术本身也是一种情感的表达，如果声乐演唱者在舞台表演过程中没有投入真情实感，那么演唱的最终效果自然也无法打动观众，缺少审美体现。为此，声乐演唱者在演唱过程中必须拿捏好作品中的情感，而这一目的的实现，需要演唱者自身具备丰富的情感。

（四）做好声乐表演前的准备工作

当演唱者进行声乐艺术表演前，为提高审美体现，需要以高标准的审美思想来对自己进行指导，在舞台表演前做好全方位的准备工作，多角度的理解自己表演的作品，然后加入自身的个性化创作。首先，要了解作品的相关背景。这里所提到的背景应包括作品时代、作品作者、作家的创作习惯个性特点等多个要素，只有深入了解这些内容后，才能挖掘出作品的审美价值，演唱者在进行二度创作时也有所依据。例如：在歌剧《魔笛》中所宣扬的博爱实际上就是共济会的主张。其次，要对作品的题材和体裁进行深入分析研究，深入领会作品所表达的内涵，将其作为自己二度创作和审美体现的重要依据。最后，要注意突出歌唱艺术形象几个比较典型的艺术特征，包括歌唱艺术形象的典型性特征、个性化特征、独创性特征和美感特征，让演唱者的表演与声乐艺术形象实现完美结合。

（五）注意表演过程中的技巧和演唱方法

在声乐表演艺术中，声、情、字是最具审美体现的三个内容。曾有一位音乐家说过，声乐表演不光要有美丽的声音，还要有表情。这需要声乐演唱在声乐表演过程中，将声乐表演技巧与动作完美结合，实现声情并茂，增加声乐表演的内涵和审美艺术效果。首先，要全面掌握声乐演唱中技巧和唱法的相关要素，包括声乐作品旋律、力度、音色、速度等诸多要素；其次，演唱者要根据演唱作品的旋律特点，控制好声音、呼吸的连贯程度；最后，要将音色与艺术表达技巧相结合，通过语言传达声音中的审美体现。

四、结语

综上所述，声乐表演艺术的关键就是要打动人心，通过提高声乐表演者的审美情趣和能力，可以让演唱者在实际的声乐艺术表演中，使观众获得更好的审美体验与感受，从而加深对演唱作品的理解，形成更深层次的情感共鸣。作为一名声乐艺术表演者或学习者，应该提高对审美体现的重视程度，遵循审美体现原则，加强自身艺术表现力，从而将声乐作品更好地展现出来，提升声音艺术审美价值。

参考文献：

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[2]肖英群.声乐表演的审美与创造[J].剑南文学(经典教苑),2013,(04).

[3]王夏.声乐表演艺术中的“气”———美学之气[J].科教文汇(中旬刊),2012,(02).

表演艺术的审美特征篇5

一、小提琴的舞台艺术

小提琴的舞台艺术是世界音乐舞台当中的一颗璀璨“明星”，小提琴的舞台演奏也逐步与其他音乐形式进行融合，进而呈现出音乐的最佳形式。小提琴的舞台艺术正在积极寻求贴近市场以及能够符合流行音乐发展的舞台实践形式，而广场艺术是最具代表性的一种形式，具体有以下几种特征。

第一，现代的舞美。小提琴的广场舞台艺术在表演场地以及形式方面突破了局限，加上舞台的独特性和时尚化的艺术表现，使得观众能够获得极具冲击力的视听享受。

第二，高科技的声光。在进行小提琴演奏时，为了增强舞台效果，将高科技的音响和灯光引入其中，为小提琴表演者以及观众营造一个良好的音乐氛围。

第三，多元的交流。随着音乐风格的多元化，小提琴的舞台艺术也呈现出多元化的发展特征，拥有多元化的表演，让小提琴的舞台更加灿烂、更富有吸引力。

第四，舞台艺术的民族特征。小提琴的舞台艺术在我国的发展过程中逐步融合了传统文化以及音乐艺术，在具体的表演环节上也突出了民族特征，彰显了我国的文化和艺术魅力。

二、小提琴的审美特点

（一）情感美。音乐创作当中的情感美，是小提琴审美特征当中的一个突出表现，作曲家在实际的创作环节会融入自己的情感，这种情感会透过音乐表现出来，尤其是在故事题材、作曲手法，以及整个音乐的材料方面都能够体现出小提琴的情感美特征。

以小提琴协奏曲《梁祝》为例，在音乐创作的题材方面，选择了中国传统的爱情故事，这就为凄美悲凉的情感表达奠定了基础；在音乐材料的选择方面，这部小提琴协奏曲将原有的唱腔和曲调进行了重新组合和创造，并将越剧唱腔以及戏曲艺术进行整合，既具有民族化的艺术特色，又凸显了对民族音乐的深厚情感；在作曲手法上，?@部作品将小提琴艺术审美巧妙地融入其中，并用奏鸣曲式的结构来呈现整个音乐框架，从而生动形象地描述故事，促进情感的自然流露。因此，情感美是小提琴审美特征当中的一个突出表现，也体现出小提琴演奏技巧的高超。

（二）意境美。在小提琴演奏当中，意境美是最具代表性的一个特征，也是小提琴演奏者用自己高超的演奏技法呈现给观众的与作品内容一致的音乐意境。小提琴演奏者需要运用自己炉火纯青的演奏技巧，以及动人心魄的音乐旋律来逐步引导观众，使得观众能够尽情遐想，并且随着演奏的逐步升华，让观众进入到音乐意境当中，充分享受和体会故事，获得良好的音乐享受和体验。这也要求小提琴演奏者加强对音乐作品的理解，在演奏前深入分析作品，最终用音乐语言来为观众讲述故事，将故事中的情节、人物等进行再现，让观众犹如身临其境，同时也能够显示出音乐作品的感染力以及生命力，呈现出多元化的音乐色彩。

（三）共鸣美。小提琴音乐艺术另外一个审美特征是用音乐传递出共鸣之美，而此处的音乐共鸣指的是作曲家、演奏者以及观众之间的循环共鸣，而且只有当音乐艺术能够带给广大观众情感和艺术上的共鸣，才是真正的优秀作品，也是衡量小提琴舞台艺术优劣的一个重要方面。

同样以小提琴协奏曲《梁祝》为例，这部作品将梁山伯和祝英台相遇、相知、相恋的过程展现得淋漓尽致，并且符合人物内心情感的变化，在音乐表现当中有压抑也有爆发，使得广大观众、作曲家以及演奏者都不自觉地投入到整个音乐作品当中，深刻感受到音乐传递当中的共鸣美，禁不住感慨万分，拍手叫好。

表演艺术的审美特征篇6

由远古时期至今，人类最初音乐体现形式便为声乐。从声乐艺术诞生一刻，同人类生活便形影不离密不可分了。声乐美学相关理论同其它音乐美学相关理论是存在明显区别的，声乐美学属于音乐美学一个分支，研究对象与研究方法方面寻找音乐美学基本规律，并会参照学科实际情况而有所改变。为了更好引入美学视野下声乐艺术相关内容，接下来本文首先对美学含义进行阐述[1]。美学含义：美学为人类与动物存有最大区别一类自然感受感官审视反应，美学研究方法也更加偏向于多样化。美学源自于哲学，但是美学还不是任何学科所属品，它为社会美，环境美与生态美等概念集合体，为人类指出事物存在美感并为事物赋予美概念。美学这一词汇来自希腊aisthetikos演化，最开始意义便为感官感受。传统美学旨在对艺术作品进行研究这也是美永恒不变定律。接下来我们再对音乐美学概念进行诠释，音乐美学：基于音乐学与美学基础上，又开辟出音乐美学这一分支。音乐学领域内，它也为该体系领先学科。十八世纪末，德国一位作家，音乐理论学家把音乐美学概念引出，但音乐美学可以真正成为一门学科，则是在经过几十年以后十九世纪下半页构筑而来。至今天为止，音乐美学研究对象和相关内容也都未形成固定言论[2]。也可以说，所谓音乐美学其实为专门对音乐进行研究当中存在美与审美特征等学科。

二、声乐艺术的美学内涵

音乐将情绪深蕴于其中，声乐艺术彰显情可分为声情，曲情以及词情。所谓词情，为声乐艺术一次创作时抒发与蕴含情感，为词作者基于客观感受同认知获取主观心理动向，将该冲动化作概念性词汇与词组来对情感内容进行抒发。曲情为声乐艺术创作时作者凭借结合音乐基本搭配技巧，例如配器，曲式与复调等有机融合同时将情感深蕴于其中[3]。声乐艺术是经演唱或者表演将文本形式作品转变成流动音响存在的，也才可以把作品情感特征输送至观众耳朵中。所有声乐艺术作品，不论练声曲，音乐剧与歌剧等其声情，曲情与词情表现也都可大致概括如下：首先，词章语言美。歌词语言诗化为文学方面声乐美学基础。歌词声调悠扬缓和，高低变化，对于情感表现同样会有所帮助。其次曲作旋律美。为词章又胡言向音乐化过渡，是声乐艺术有声化创作前提。再次演唱声腔美。声乐属于演唱艺术，曲作旋律美以及词章语言优美，都要靠演唱表现出来，所以，对于声乐美构成，演唱声腔美为声乐美主基调。其四为声乐器乐美。器乐同声乐虽表现上千差万别，但音响组合在进行艺术表达时，器乐还是占据不可替代重要地位的，其艺术功能是缺少不了的。声乐器乐美，通过声势美，比较美，抒情美与伴奏美等几点内容构成[4]。其五为形体动作的审美，该审美同语言动作相匹配便能充分起到传情达意不错效果，同一时间它也可视作无声语言，声乐表演的时候重要性同样是不可估量的。所有艺术形态需具备自身评估体系，不存在批评评估体系艺术将不会良性，深入与持久存在下去。所以声乐美学中声乐批评同样是不可缺少重要一环。

三、声乐艺术的美学特征

声乐艺术为综合整体艺术系统，含有声乐评述，声乐艺术，表演与作品等很多内容，我国声乐艺术涵盖通俗与民族两种，通俗的声乐艺术更加趋向于个性化与多样化，声乐美学将民族化发展作为前提吸纳西方先进思想，发展具有我国特色声乐艺术[5]。首先，艺术作品的美学特征表现。声乐艺术囊括音乐部分与文学部分两部分，两者间为互相促进与互相合作关系，对声乐作品的美学特征予以分析时应当特别注重声乐作品词曲关系分析，不同学者艺术家对于歌曲关系具有不同解读。实际上，旋律与歌词属于相互依存关系，旋律应当参照歌词具体内容予以定义，使歌词语感增强同时将旋律朴实度与优美度提升上去，换句话讲，声乐创造时歌词更加具备主导性，旋律感及语调感是同时融入于声乐艺术当中的。其次，创作美学特征体现。声乐艺术创作把个体情感融于现实一种过程，声乐创作彰显情感流动与创作，还包含文学语言与音乐语言互相渗透并作用，但声乐艺术并非两类语言相加之和，作品创作人员需要对文学语言及音乐语言关系精巧处理，创作某种特殊程度为对作者文学素养与音乐造诣一种体现，它强调作曲者与歌词作者合作的过程。再次，声乐艺术在传播与表现方面的美学特征体现。所谓鉴赏美学指的是声乐作品创造出来便会面对众口模仿与评说，鉴赏者也包含那些爱好者与票友，对声乐艺术传承某方面要依赖鉴赏人员疯狂模仿与接纳。此外对声乐艺术传播对于其普及化与大众化扮演着加速器的角色，可以讲声乐艺术同器乐艺术比起来传播更加具有广泛性普及性，而声乐作品语言文字可以深刻烙印于人们心中，是人类精神世界丰富不少。最后一点，表演方面的美学特征体现。正如人们所熟知的那样，声乐艺术同音乐创作过程并不能够完全等同，声乐艺术还包括音乐审美过程，其美学价值经表演者诠释体现出来，器乐艺术美学价值却在于由音乐器具予以表达，器乐以及声乐艺术体现形式差异同声乐表演有限性存在直接关系，声乐表演要靠表演者歌唱技能作为辅助，凭借歌唱对歌曲想要传达情景，情感，情绪以及思想进行表述。表演人员需要强化认知声乐作品能力，寻找到声乐作品蕴含内在关系，为声乐作品赋上历史感，凝聚力与整体性，这是要靠所有音乐人和热爱音乐的人共同努力达成的。

四、声乐艺术审美特征体现策略

声乐作品既然属于审美体验范畴，让观众对作品美学特征具备最佳感受那么对于其理解与掌握作品无疑是大有好处。目前无论是致力于声乐艺术的研究领域还是教学领域对于美学视野下声乐艺术研究还远远不够，或者换句话讲还未引起足够重视。未来发展过程中，对美学视野下声乐艺术加强研究，为声乐艺术可持续发展所要致力的方向。

（一）加强对声乐艺术美学特征重视程度

声乐作品属于一门艺术，其中势必深特审美体验感受。声乐作品并非只是由音符构成的，里面还富含特殊情感体验与华丽文学辞藻。只有基于表演者演奏声乐艺术方能更加被大众了解到，这就要靠表演者把自身与创作作者审美体验做有机融合，才能对作品蕴藏深意做更好诠释。未来无论声乐创作还是教学中都需要对声乐作品美学特征加深加强认识，才可以使声乐作品那种特有魅力表现出来。

（二）教学中加强学习者审美体验熏陶

类似于其他艺术形式，声乐艺术也有很高的审美价值，它的价值规律与艺术属性也是基于它作为一个审美活动出现的基础之上的，但是现在的声乐艺术还是否具有审美素质以及可否满足人们理想诉求，是个值得深思的问题。声乐作品审美特征给声乐作品表达赋予助推剂作用，未来教学过程中教师需要对学生审美能力进行培养，从而让其具备对作品更好诠释的能力。其一教师需要对学生传授声乐艺术美学特征相关知识。教师课堂上需要将声乐艺术美学特征内容系统讲解给学生听，培养学生对声乐艺术美学热爱，未来学习时学生可以自发对声乐艺术美学特征重要作用重视起来。其二应当加强学生审美体验训练。具体教学时教师需要对学生表演声乐作品进行奖励，并且针对性对学生进行指导，从而让学生对于声乐作品审美意识稳步提升，并在不知不觉中使学生审美体验也增加不少。

表演艺术的审美特征篇7

一、歌唱作品中的美学特征

音乐的美从表象到内在，都需要被人们所审视和理解。人们在欣赏音乐歌曲的时候不能只欣赏到音符、节奏、配器等作曲技术上的客观的美，在理解了乐曲的内涵以后，要审视乐曲或者歌曲内部的深层含义，也就是乐曲内在的美感。尤其是歌曲，它比交响乐等纯音乐更为具体，因为歌词的解读，使歌曲更容易被广大听众所了解和理解，进而产生共鸣。因为交响乐是抽象的，只有乐音，人们需要丰富的音乐知识和感性因素才能真正的理解音乐，审视到交响音乐的美的存在。然而，歌曲却不同于交响曲，因为歌词的存在，它比交响曲更为生动、形象和具体。聆听歌曲的人们可以通过音乐元素和歌词的文学元素双重方面来理解和审美歌曲，也就是说歌曲中的音乐和歌词都具有审美的功能。在歌曲当中，动听的旋律能让人产生回忆和想象，优美的歌词更能直接让人感知歌曲所想表达的内涵，省略了想象的部分，直接让人们对歌曲产生共鸣，这也是歌曲较交响乐等纯音乐更容易让听众审视到他们的外在美和内在美的方面。因此，一个不太懂音乐技术的人，也许理解不了纯音乐的内涵，但却能理解歌曲的内涵，对歌曲更容易产生审美的共鸣，也是歌曲雅俗共赏的特点的所在。音乐艺术是上层建筑，经济基础决定音乐艺术，反之音乐艺术也能影响经济基础，并与社会中的道德、宗教、政治等中间环节相互影响、相互作用、相互潜移默化。也就是说，音乐艺术等多种因数都会随着社会的变迁而发生改变。人们对音乐艺术，更主要的是歌唱作品的审美感悟和审美理念都会发展变化。例如：武松打虎的故事，在古时候这则故事给人带来的审美观念是英勇。而在当今社会的某些动物保护者的观念中，武松打虎的故事实则伤害了动物，并不是一个得当的选择。还有日本民歌中的小调感觉，给人一种回忆、怀念、思索的遐想，这也是日本歌曲特有的审美特征和审美价值。不同的时代，不同的地域，人们随着社会中政治、文化、经济的变迁，风土人情的变化，思维也会随着改变，对事物的审美态度和观念也会跟着变化。

二、用赵元任的艺术歌曲《海韵》为例，证明唱歌中的审美特征

赵元任是中国著名的作曲家，他创作了众多优秀的音乐作品，有大型的交响音乐，也有声乐小品。而他创作的音乐作品中，首当推荐的则是他的声乐小品，例如：《也是微云》《教我如何不想他》等。这些声乐小品委婉动人，仿佛美丽的女子一般楚楚动人。歌曲的旋律婉转、柔和，色彩感强，起伏有致，错落有序。由赵元任创作的大部分歌曲节奏舒缓、悠扬，动力感十足，是音乐会等演出场合首选的演唱曲目。《海韵》最初是一首优美的多段联缀的合唱曲目，声部的合理安排，使得这部合唱作品不同于其他的歌唱歌曲那样注重高看和嘹亮，这首合唱歌曲温婉、细腻，曲中歌颂和赞美了貌美年轻的少女希望拥有灿烂的、自由的生活而坚强的付出努力的坚定品格。后经邓丽君演唱，改为了一首独唱歌曲，歌曲本身的细腻柔和，加之邓丽君甜美委婉的歌声，使得这首歌曲更加的新颖独特，完美无瑕。歌曲的词作者是著名的诗人徐志摩，美好的诗词可以用婉约来形容，朗朗上口。配上动听的音乐，使得聆听这首歌曲的人们仿佛置身于美丽的大海边，被海风吹着美丽的头发，憧憬着自己美好的未来。因此，这首歌曲是我认为最具审美意念、审美语境和审美功能的一首艺术歌曲。这首歌曲拥有美丽的诗句，这在歌曲的最初就使歌曲已经具有了最好的审美特征，而后又经作曲家黄自的作曲配上了优美无比的音乐曲调，使这首优美的艺术歌曲更具有了神秘的审美语境，以及强大的审美功能。人们无论是在读歌词，还是在听歌曲，都能感受到歌曲中人物、风景的美妙，甚至能感受到少女纯洁美好的内心。这首歌雅俗共赏，无论是精通音乐的音乐者们，还是对音乐并不深涉的普通人群，都能从歌曲中感受到生活美、生命美、音乐美、文学美、自然美等多种美的元素。这也是这首歌最大的特点之一，也是它具有最好的审美特点的强有力证明。

三、歌曲在演唱的二度创作时所显现出的审美特征

音乐是一种表演艺术①，在表现方式上与非表演艺术很不相同。音乐必须通过表演这个中间环节，才能把艺术作品真实地传达给欣赏者，实现艺术作品的审美价值。这就是我们这一段将要讨论的――歌曲的第二度创造的审美特征。第二度创造毫无疑问是音乐（包括歌唱）表演艺术的本质和重点。第二度创造必须尊重第一度创造的作曲内容意图，认真研究乐曲的内涵，在原曲内涵的基础上，加之自己的理解使之更加的丰富多彩。例如：上一段中的歌曲《海韵》，我们要尊重原词曲作者的创作意图，充分理解歌曲诗词和旋律的含义，用歌声首先将词曲作家想要表达的歌曲内涵表达出来。然后，再根据自己对歌曲歌词和旋律的理解，以及自己处理作品的经验，对歌曲作品进行第二度的创造，是这首歌曲更加具有色彩感和聆听价值。再譬如：邓丽君在演唱时，不仅仅尊重了原作的内容含义，将少女的内心、美丽的大海的景色表现了出来，还加之自己的理解和恰当处理，配上优美动听的歌声，更加增强了歌曲中本来将弱的感慨、憧憬和坚定品质的部分，使歌曲在听众聆听的时候更具有了欣赏价值和审美价值。邓丽君在演唱时，肢体语言和表情语言的丰富，也同时更加深入地表现了歌曲的内涵，增加了歌曲的审美语境。综上所述，歌曲本身就具有审美的特性，而歌曲表演当中的第二度创造是将这种原有的审美特性更加完善和进化了，使歌曲拥有了更强劲的审美环境和审美价值，这就是歌曲的第二度创造的审美特征，或者说是特性。表演艺术需要理性艺术和感性艺术相结合，光有理性的艺术，艺术便会成为负担；光有感性的艺术，艺术便失去了基本的框架。理性的艺术和感性的艺术相互渗透、相互融合、相互影响，才能形成完美的，具有审美价值、聆听价值、欣赏价值的艺术作品。

四、歌曲在歌唱教学中具有怎样的审美特性

我国的音乐艺术始终在随着社会的变迁而发生着变化。当代中国的艺术从1978年的“去中国性”②，到2008年的“再中国性”，三十年间发生了很大的变化。从西方音乐的大量流入，到流行通俗音乐和先锋艺术，再到重视中国的传统音乐，中国的音乐艺术审美价值也随着审美的事物在发生着变化，导致了审美心态也在发展着变化。音乐艺术中必然要有音乐教育，音乐艺术在发生着变化，音乐艺术的教学也跟随发生着诸多的变化。从人们积极踊跃的学习流行歌曲和摇滚音乐，再到学习民族声乐，再到后来学习民通、美民等各种演唱方式，随着我国音乐艺术的流行趋向和审美价值的改变，音乐教育的方向和内容，乃至审美价值也在发生着变化。歌唱教学中既有审美价值的体现。学习民族声乐，老师和学生都能从教学的过程中感悟到我国传统音乐委婉、豪爽、细腻的特点。学习南方的民歌，能感受到南方音乐婉转、柔润、温柔的音乐风格特点，间接地读懂了南方细腻的风土人情。学习北方的民歌，能感受到北方音乐当中高亢、嘹亮、豪放的音乐特点，也间接地体会到了北方人民和山河辽阔、大气、磅礴的音乐特征。学习外国的歌曲，能感受到异域风情的审美体验，拓宽学生的知识面，增强了老师的授课广泛度。乃至于在音乐课堂中学习一些优秀的流行作品音乐，接触当今社会文化中最贴近生活的部分，感受到社会真正的审美趋向和审美意念。总之，个人的观点认为，无论在普通音乐学校的音乐课中，还是在专业的音乐教学中，都要扩宽学习的范围和内容，学习不同地区、不同内容、不同含义和不同音乐风格的歌唱作品。因为歌唱作品在教学的时候也能丰富学生和教师的审美感觉和审美价值观，宽泛学生和教师的审美意念，多欣赏各种音乐作品，对达到上述的良好目的有很不错的效果。因此，歌曲在歌唱教学中的审美特性和审美价值不可忽略。

五、结语

歌唱是一门深奥的音乐艺术，无论是歌曲《海韵》，还是其他声乐作品，这些歌曲音乐作品其中暗藏的音乐知识和审美特征永远也讨论不完。我们无论在学习歌唱的时侯，还是歌唱表演的时候，都要尽我们最大的努力，将需要做的事情做的尽量完美。学习歌唱的时候要注意感悟和学习歌曲的内涵和音乐价值，在演唱歌曲的时候要注重第二度创造中的恰当、贴切和提高，升华我们的歌唱能力和表演能力，使我们演唱的歌曲在歌曲作品本身就具有的审美特征中更加具有审美的价值和欣赏的价值。

注释：

①张前：《音乐表演艺术论稿》，北京：中央民族大学出版社，2004年，第1页。

②刘悦笛：《当代中国艺术：从“去中国性”到“再中国性”》，《艺术与社会变迁：国际美学年刊》，北京：中国社会科学出版社，2014年，第48页。

参考文献：

[1]汪毓和.中国近现代音乐史[M].北京：人民音乐出版社，2009.

表演艺术的审美特征篇8

字是构成民族声乐艺术的最基本条件，也是形成民族声乐艺术韵味的基础，只有掌握好字，才能体现出民族声乐艺术的韵味。我国的民族声乐歌唱家、作曲家有很多，在进行民族声乐作品创作、表演过程中，这些歌唱家、作曲家十分注重中国戏曲的吐字清晰韵味，因此，从这一角度看，中国戏曲艺术的“重字”韵味不仅为当代民族声乐演唱打下了良好的基础，还明确了民族声乐艺术独特的美学特征。字的韵味即咬字的标准，在民族声乐艺术中，最基本的技术要求就是咬字清晰，对于字韵，必须通过民族声乐作品的在语言规律，将字的首、腹、尾体现出来，这样才能保证观众了解歌词的意思，所以民族声乐艺术的字韵审美特征主要体现在清晰、晓义上面。在民族声乐艺术中，咬字艺术是最基本的审美原则，以汉语歌词为例，在进行歌曲演唱时，表演者需要将汉语的声、韵、调等特征准确的唱出来，这样才可以让观众体会到声乐艺术中的韵味。

二、声音的韵味

在分析民族声乐艺术的审美特征时，仅仅做到咬字准确是远远不够的，还需要做到声韵美。在我国的民族声乐艺术中，经常会发现，一字发出以后，字和声音需要延长很长时间，而字和声的延长必须用歌唱技术进行修饰，这样才能使得吐字清晰，声音优美，这样才能表现出民族声乐艺术中的声韵美。对于民族声乐艺术声韵美，可以从字重声轻、以字带声、字声流动、字正腔圆等几个方面进行分析。

1.字重声轻字重声轻是指在进行民族声乐演唱时，强调字开头的力度，从而维持呼吸的稳定，带动呼吸、声音的良好结合。字重声轻要求咬字在口，喉咙发声，字前声后，通过喉、齿、唇，交代清楚字音。民族声乐教育家金铁霖曾说：对于字头，可以在嘴唇的任何部位，而声音需要引导在通道里，随后放松嘴巴。其本意就是说字重声轻、字前声后需要紧密结合起来，这样才能保证民族声乐表演中，字音准确、声音连贯。

2.以字带声以字带声通俗的讲就是音乐化语言，表演者在进行歌曲演唱时，通过唱明字头，带动声音进行音律快慢、强弱等的变化。在民族声乐艺术表演中，声音会将歌词韵律、音乐旋律的有机结合体直观的展现出来，这也是表演者实现“以字行腔”的重要环节，表演者需要对歌词语调、语气、情感等进行细腻的处理，将字词因素和音乐旋律的韵律更加细腻的表现出来，以字带声，用声传义，实现字、曲、声的有机结合，让观众在字、曲、声中理解民族声乐作品的情感，并从中得到审美感受，这样才能体现出民族声乐艺术的韵味美。

3.字声流动对于声乐艺术，必须保证字声能随着音乐旋律起伏流动，这样才能使得表演者在演唱过程中与观众形成良好的互动，并产生特殊的美学特征。对于同一首歌，有的表演者演唱出来十分单调，但有的表演者演唱出来则韵味十足，其主要原因就是表演者在音腔变化掌握方面有差异，表演者必须加强日常训练，掌握多种民族声乐艺术的审美特征，并加强中国传统文化的修养，从而轻松的实现字声流动。

4.字正腔圆对于民族声乐艺术，最基础的常识就是字正腔圆，但是字正未必就是声美，咬字清晰与歌声的美妙之间没有必然的联系，在观众看来，美妙的歌声，不仅仅是咬字清晰，还需要有优美动听的旋律。这就需要在民族声乐艺术表演中，充分运用音乐旋律、节奏及表演技巧，优美动听的将曲调唱出来，实现字正腔圆，这样才能将民族声乐作品中的情感特色形象的展现出来。在创造民族声乐艺术的韵味时，最关键的就是保证行腔美、音质美、表情美，对观众来说，只有通过优美的声音、表情，才能深入体会民族声乐艺术的韵味。

三、情的韵味

字的韵味和声音的韵味是实现民族声乐艺术韵味的重要基石，而情的韵味则能是民族声乐艺术更加完整、动人，因此，要想体现出民族声乐艺术的韵味，还需要做到字、声、情的全面结合。在民族声乐表演中，只有利用情感来体现字韵、声韵，才可以将技巧、感情、韵味融为一体，才能达到动人的效果。在民族声乐艺术中，有“动人先有情”的说法，这就是说只有融入感情的民族声乐作品才能打动观众，表演者必须对作品有深入的理解，并结合自身的情感体验，对作品进行演绎，才会激起观众的情感，才能达到“百听不厌、绕梁三日”的声乐艺术美学特征。

表演艺术的审美特征篇9

1基于审美角度的美声声乐思考

与其他的艺术类型进行比较，美声声乐艺术拥有十分独特的审美特质。在美声的声乐审美过程中，强调了对于情感的感知和对思想的了解。美声声乐艺术的存在，不仅表现出了人类的情感，还能够蕴含文化的内涵。美声的声乐艺术是具有完整的审美构架的，涉及到情感和声音等多个不同的方面，具有综合性的审美体系。

2美声声乐艺术的审美特征

2.1情感之美

在声乐领域，在对不同的声乐作品进行表演的时候，表演者首先需要对作品中所蕴含的丰富的情感进行深入的领会。进而在表演的过程中，在自身理解的基础上，借助一定的表演技巧，将作品所富含的感情传递给观众。在美声声乐中，丰富而充沛的情感也是其在表演过程表现出的十分鲜明的特点。而情感之美，也是美声声乐所具备的十分重要的审美特征之一。美声声乐艺术是一门综合性的艺术类型，在对不同的声乐作品进行表演的过程中，表演者不但需要熟练的掌握各种美声演唱技巧，也需要充分认识到作品情感展示的重要性。对于不同的美声声乐作品，其中所包含的情感内涵需要表演者在深刻理解、用心体会的基础上进行表演。在具体的表演过程中，虽然不同个体的审美角度和审美观点各不相同，但对于不同的听众而言，只要表演者可以通过借助一定的演唱技巧，来将美声作品中所蕴含的情感完美的表达出来，便可以使听众感受到作品的情感内涵，以及美声声乐所具备的情感特质。因此，表演者便需要用心体会美声艺术中所包含的众多的情感，在用心领悟的基础上，利用自身所学到的歌唱技巧来使表演达到情感的深处。这一过程中，还需要实现技巧与情感的双重结合，需要演唱者对美声声乐技巧与情感展示进行合理的安排。美声声乐的表演者在表演的过程中需要充分了解到作品的情感内涵，并结合合适的表演的技巧，进而更好的将作品中的情感完全的展现出来。

2.2声音之美

在声乐艺术中，无论何种类型的声乐，在进行表演的过程中，所依赖的主要寄托载体都是声音。从审美的角度来看，在声乐表演中，表演者利用自身美好的声音对各种声乐作品进行表演，可以很好的吸引听众们的注意力，将阻品众所蕴含的艺术内涵展现出来，并带给人们美的享受。对于美声声乐艺术而言，同样对声音有着极高的关注，并充满了声音之美。在日常的学习和训练过程中，美声声乐对演唱者的声音有着极为严格的要求。一名合格的美声表演者需要经过长期、严格、标准的演唱和表演训练，进而不断提高自身的综合水平，能够凭借着肌肉的力量来表达出声音的色彩。同时，还可以在演唱过程中借助美声演唱技巧，利用充沛的气息体积华美的音色，借助声音的综合性和宽广性来，使相应的声音具备一定的音响效果，获得不同凡响的表演效果。另外，美声的声音审美特质还表现在咬文嚼字方面，在美声声乐艺术当中，还十分注重咬字技巧。从唱法角度进行分析，美声在气息上具有较为浑厚的特点。演唱中在腔体发出声音以后，需要演唱者依靠唇部的肌肉来对咬字情况进行控制。而美声的咬字来源于拉丁语系，要求其在保障连贯性的同时将咬字清晰的表达出来。例如，在利用美声声乐技巧对各种中文艺术歌曲进行演绎的时候，便需要对相应的咬字方法进行合理的安排。除艺术歌曲深厚的文化内涵是普通歌唱者难以把握这一因素之外，在技术层面，中文的咬字断句方法与适用于外文歌剧的美声唱法并不契合，因而用西洋美声的演唱技法来演绎中国艺术歌曲难度极高，即使很杰出的美声歌唱家在演唱中文歌曲之时，听众也往往难以分辨其演唱的歌词内容。因此，还需要演唱者在表演中不断探索，逐渐摸索适合自己的美声演唱方法，以更好的展现出美声声乐的声音之美。

2.3内涵之美

美声艺术当中所具有的包容性特质具有一定的可持续性，美声声乐中所蕴含的文化内涵拥有极高的水准，是其他的艺术无法比拟的。在歌剧当中，美声的表演就占据了很重要的表演成分，在其他的艺术当中，也会借鉴美声的文化内涵。因此，在具体的美声声乐表演中，还需要结合不同声乐作品的实际情况，合理的应用美声技法，以更好的展现出美声声乐的内涵美特征。例如，中国美声是美声唱法与中国汉语语言完善结合，能够完美演绎中国声乐作品、体现中国民族音乐灵魂和韵味的歌唱方法。因此，在对各种中国美声作品进行表演的时候，还需要演唱者在对西方传统美声经过充分学习、消化、吸收并经改造的基础上进行美声演唱。以实现美声声乐与中国汉语语言的良好结合，符合外国观众歌剧审美习惯的美声歌唱，又能够被中国人广为接受和喜欢的美声歌唱。

3结束语

总之，美声声乐艺术包含了十分丰富的内容，不但涉及到各种艺术理论和演唱技巧，也具备鲜明的美学特征。从审美角度进行分析，其在声音和情感以及内涵等方面都具有十分鲜明的审美特征。在对美声声乐艺术进行分析和研究的过程中，还需要积极的从审美角度出发，掌握其艺术本质，进而更好促进美声声乐艺术在我国的发展。

参考文献

[1]张旭东.中国美声唱法与民族唱法的字声问题及审美差异[J].人民音乐（评论版）,2010(01):52-55.

[2]滑静.聆听文化的声音文化审美意识形态下的中西“歌剧”唱腔音色比较研究初探[J].音乐创作,2011(03):158-160.

[3]张璨.民族审美习惯之差异对美声发声的影响[J].大众文艺,2011(05):6-7.

表演艺术的审美特征篇10

声乐表演是结合体力、表现力与想象力于一体的艺术形式。声乐表演艺术与其他所有艺术相同，都注重美学原理，服从审美意识。一般的音乐审美中欣赏者是声乐审美的主体，音乐是客体。而声乐表演艺术中歌唱者既是审美的主体，同时也是艺术的创造者，因而必须要具备一定的演唱水平以及审美能力，才能够演绎出美的声乐艺术，给听众带来美的享受。

一、声乐表演艺术的审美特征

1.声乐艺术的审美体现

声乐表演艺术构成的要素有音乐作品的旋律美、文学作品的语言美、歌唱的声音美、乐器的伴奏美以及表演动作的形体美。声乐表演者通过自身的感悟，将声乐作品用艺术的形态展现在观众面前，给予观众审美体验。声乐表演的审美主要体现在音乐、语言以及情感当中。

声乐表演艺术的审美特征最直观的体现为音乐，听众通过音乐律动来获取声乐艺术的情感与审美。歌唱是音乐表演的最重要的表现形式，其具体包含了韵律、节奏、和声等，利用各种演唱方式的结合，展现出音乐作品的魅力。

声乐作品中每一句歌词中的音有高有低、有长有短、有强有弱，体现出了语言的连接之美。演唱者对各个字进行准确处理，就能够体现出语言的美感。声乐表演当中语言的准确表达也是非常重要的。演唱者在演唱过程当中需要准确清晰表达出作品的内容，注意吐字清晰。虽然现在许多歌手尤其是流行歌手吐字不清仍然受到市场的追捧，但咬字准确是一个歌唱者的基本功，是必须要遵循的技巧。

情感作为声乐表演艺术中的灵魂，是声乐艺术传达中最重要的内容。优秀的表演艺术家能够将充沛的情感带入到歌曲当中，并能够让观众充分感受到艺术情感的力量。情感的体现也促进了声乐作品表演的整体的协调性，给观众一种浑然天成之感。

2.声乐表演艺术的审美原则

声乐表演艺术将书面上的作品转化为物质层面，声乐表演艺术的表演性极强，其不同于绘画等艺术能够以独立的作品来欣赏，而是需要在理解的基础之上进行二度表达。只有掌握声乐表演审美的原则，才能够体现出声乐表演艺术的审美特性。声乐表演艺术审美原则体现在以下几个方面。

（1）主观与客观的协调。不同的声乐艺术作品有着不同的创作背景与风格，这些客观条件是演唱者所必须要掌握的。而在掌握作品的创作意图的基础之上，需要充分发挥主观性，表现出自身对于声乐作品的理解，这也是声乐表演中的个性化创造的体现。主观性也满足了观众获取不同艺术感受的意愿。因而声乐表演艺术应当注重主观性与客观性的平衡。

（2）艺术与演唱技巧的统一。声乐作品的演绎需要精湛的技巧。歌唱者要想充分地体现出作品的艺术魅力，必须要充分运用技巧，在表演中合理地应用与融合，借助声音表达出自身所想表达的情感。技巧可以说是声乐表演艺术的根，但光有技巧也远远不够，歌唱中的艺术表现也显得尤为重要。我国传统唱论中所强调的“声情并茂”就是这个道路，音乐表现与音乐素养必须要得到统一，这两者是相互承托、相辅相成的，或者从审美的角度来讲，演唱的技巧就是为声乐艺术表现力所服务。

二、声乐表演艺术的创造性

声乐表演是一门再现性的艺术，更是一种富于创造性的艺术。声乐表演丰富了内涵，赋予了作品新的生命力。声乐表演通常是一个再创造的过程，其本质在于对声乐的基础的理解并在理解之上进行的表演创造，声乐表演的创造性赋予了声乐作品新的生命力。创作者将声乐作品以书面的形式表现出来，一定程度上使得作品失去了灵魂，只剩下了音乐与文字符号。演绎者的二度创造则使得作品重新获得生命。

声乐表演者对于声乐作品的二度创造，是对原作的补充与丰富，这种创造性也是声乐表演的魅力的体现。表演者对于声乐作品的创造体现在声音、动作、眼神等，通过对作品的内涵的解读，表达出自身的认识与情感，让听众读懂作品，领略作品的内在情感。声乐表演的创造，具体体现在形象的创造与情感的创造。

1.声乐表演的形象创造

表演者对于声乐作品有着自身的独特感悟，一千个读者有一千个哈姆雷特，演唱者的不同感悟也能够通过个性化的形象创造体现出来。例如，一些歌手在演唱时紧闭双眼，眉头紧锁，似乎在传达歌曲的思念之情；一些歌手演唱中动作极为夸张，声嘶力竭，表达出一种爆发的情绪。这些都是演唱者的形象个性的体现。一个成功的表演者，必须要有自身的个性与特点，平庸无奇的作品往往无法打动观众的内心。同时，声乐表演中，用新颖的手段来演绎出作品的内容也是非常重要的，利用巧妙的形象表达，满足欣赏者的内心需要。例如06年春晚当中戴玉强、吴雁泽、阿宝三人共同演绎《草原上升起不落的太阳》，他们用三种方式的结合赋予了作品崭新的形象，给观众留下了深刻的印象。

2.声乐表演情感创造

情感是声乐作品的灵魂，声乐艺术表演要感染观众，必须有着演唱者自身的情感创造。声乐作品所要求歌唱者的不是直接表现出作品的情感，而是要表达出作品的情感内涵，歌唱者应当跳出作品的音乐形象，开拓与引申自身对于音乐作品的联想，结合自身的生活经历，创造出更为生动与形象的音乐艺术特征。例如，一首经典的流行歌曲《大海》，原曲所表达的为对亲人的思念之情，而有的歌手的翻唱，结合自身的感悟，表达出对爱情的理解。因而一首音乐作品通过情感的再创造，往往能够体现出新的生命力，给予观众艺术与情感惊喜。

三、结束语

当今社会，声乐表演艺术受到前所未有的追捧。声乐表演对音乐作品进行丰富与补充，赋予了音乐作品生命力，给人以美的艺术享受。作为声乐表演者，必须要肩负起引导欣赏者鉴赏音乐作品的任务，充分结合声乐表演艺术的审美特征与创造性，赋予音乐作品灵魂与新生命，让人们更深刻地感受到声乐艺术之美。

参考文献：

[1]陆晶.声乐艺术表演中的美学效果探究[J].中国校外教育，2013，（09）.

[2]谢飞.论声乐表演艺术的美学思维[J].黄河之声，2014，（08）.

表演艺术的审美特征篇11

声乐是音乐艺术中的重要一种，它与人们的生活息息相关。一个人从出生时的喜歌到幼年时的摇篮，再到青春时期的恋歌、婚歌，直到辞世时的挽歌，几乎处处与声乐结下不解之缘。

分析研究声乐艺术的审美特征，无论是对于声乐艺术的理论研究，还是对于声乐艺术的演唱实践，均具有极为重要的价值与作用。

具体来说，声乐的审美特征，主要有以下三点――

一、抒情性

抒情性是声乐的第一大审美特征，这一重要的审美特征，与整个音乐艺术的审美特征是共同的。

对此，古今中外的音乐家、歌唱家都有过许多独到的体会，而许多艺术家、美学家也都有过精辟的论述。古希腊哲学家柏拉图说：“节奏与乐调有最强的力量深入心灵的最深处，如果教育的方式适合，它们就会用美来浸润心灵，使它因此美化。”(转引自陈兆金主编：《艺术鉴赏学导论》)德国19世纪著名美学家黑格尔也说：“音乐所特有的因素是单纯的内心方面的因素，即本身无形的情感。”(转引自汪流等编：《艺术特征论》)德国作曲家互格纳认为：“心灵的器官是乐音，心灵的艺术意识语言是音乐。”(转引自陈兆金主编：《艺术鉴赏学导论》)匈牙利作曲家、钢琴家李斯特也认为：“音乐是不假任何外力，直接沁人心脾的最纯的感情的火焰；它是从口吸人的空气，它是生命的血管中流通着的血液。感情在音乐中独立存在，放射光芒。”(转引自汪流等编：《艺术特征论》)

事实上也的确如此，几乎所有的声乐作品，都首先表达人们的感情。例如《义勇军进行曲》(《中国人民共和国国歌》)、《我爱你，中国》的爱国主义感情，《黎民百姓长久》的爱人民的感情，《十八弯水路到我家》的乡情，《朋友》的友情，《同坐的你》的同学情，《纤夫的爱》的爱情，《怀念战友》的同志情，《男儿当自强》的豪情，《霸王别姬》的悲情，《吻别》的柔情……如此等等，不胜权举。可以说，所有成功的声乐作品，都首先以情感作为支撑与亮点，也作为生命与灵魂。而所有的声乐演唱，也同样以情感作为生命与灵魂、亮点与支撑。

二、形象性

虽然声乐同所有的音乐艺术一样，都是声音艺术、听觉艺术，是看不见、摸不着的，但这并不等于说声乐就缺乏形象性。恰恰相反，形象性乃是声乐艺术的重要审美特征之一。只不过声乐艺术的形象性与一般艺术的形象性有所不同，而具有朦胧性、多义性、不确定性等独有的特点。

这就要求声乐演唱者，要把作品中的形象化为自己心中的形象，再通过演唱唤起受众的联想与想象，使受众心中重新创造出音乐形象。

声乐作品中的形象既有人物形象，又有景物形象、动物形象、器物形象等等。例如《霸王别姬》中霸王的人物形象、《老房东查铺》中老房东的人物形象、《白发亲娘》中母亲的人物形象，《黄河泰山》中黄河与泰山的景物形象、《青藏高原》中青藏高原的景物形象、《好大一棵树》中的大树的景物形象，《两只老虎》中老虎的动物形象，《纸飞机》中纸飞机的器物形象、《红旗飘飘》中红旗的器物形象等等，都是成功的音乐形象。

表演艺术的审美特征篇12

中图分类号：G712文献标志码：A文章编号：1007-0125(2016)01-0210-02

作者简介：朱奕（1980-），女，湖南衡阳，汉族，研究生，副教授，湖南大众传媒职业技术学院，研究方向：舞蹈、艺术教育

戏曲是一种古老而传统的艺术形式，在表演过程中吸收了文学、音乐、美术和舞蹈等多种表演形式，有着悠久的历史与积淀。调查研究发现戏曲最早可以追溯到原始社会时期，当时带有宗教性质的巫术活动中所涉及到的简单的歌舞动作可以视为戏曲艺术的萌芽。后来经过宋元明清等朝代的不断丰富与发展，逐渐形成了完整的艺术体系。在漫长的历史过程中，戏曲与舞蹈始终保持着密切的关系。戏曲融合了舞蹈的动作，使其表演形式更加丰富，进而不断完善，二者关系越来越密切，最后形成了具有独特审美意蕴的戏曲舞蹈，成为一种独立的艺术形式。反过来作用于传统的舞蹈形式，对其产生深远影响。由此可见，戏曲与舞蹈二者的密切关系。舞蹈在戏曲表演中具有非常重要的地位和作用，戏曲是用歌与舞相结合的方式来表现具体的故事情节，用歌舞的艺术形式来表现戏曲中具体人物的情感变化以及故事内容的跌宕起伏，舞蹈成为了戏曲的重要表现手段。戏曲艺术中的舞蹈主要是指“做”和“打”等身段化和节奏化的部分，是一种具有独特审美特征的艺术语言。本文将以具体的舞蹈形式为例，在探究戏曲舞蹈独特的审美特征的基础之上，重点研究戏曲舞蹈审美观对具体的舞蹈教学产生的借鉴意义。

一、戏曲舞蹈的审美特征

戏曲是一种视觉和听觉相结合的综合艺术形式，其中舞蹈的部分是戏曲表演的主要部分，在戏曲表演的过程中演员的动作是非常夸张和程式化的。在戏曲艺术的音乐节奏、旋律的配合之下，戏曲舞蹈呈现出其独特的审美特征。首先，戏曲舞蹈表现出程式性的审美特征。戏曲从中国古代传统的舞蹈形式中吸取营养，将其融入其中，这样一来既丰富了戏曲的艺术表现手段，使其表演形式更加丰富，同时也使许多经典的舞蹈动作得以流传下来，使传统的舞蹈技巧在千载之后仍然能够为后人所欣赏。经过漫长的历史发展以及一代又一代艺术大师的共同探索，戏曲中的舞蹈得以自成体系，因而被后世冠以戏曲舞蹈的名称。戏曲舞蹈的产生与宫廷音乐和民间的舞蹈密不可分。一方面，宫廷舞蹈有着非常严格的表演程式，形成了一整套完整的表演章法；另一方面，民间的艺术形式总是有着很旺盛的生命力，在民间艺人和文人雅士的共同推进之下，形成了多种多样的艺术风格。以上这两点就决定了戏曲舞蹈程式性的艺术特征。程式性鲜明的体现在其完整的、规范的表演套路和表演范式两个方面。当然，戏曲舞蹈表演的程式化特征的形成不是一蹴而就的，当其出现程式特征的时候就意味着这种表演形式已经达到了一种成熟的阶段。其次，戏曲舞蹈具有表现性的审美特征。艺术来源于生活，这句话同样适用于形容戏曲舞蹈的起源和发展。

戏曲是以叙事为主的，出现在戏曲中的舞蹈动作都是为了表现特定的故事情境和为故事主题服务的，故事本身就来源于社会生活。所以，戏曲舞蹈的很多动作都是从日常生活中演变而来，将生活中的动作以逼真的肢体语言来表现出来，在此基础上进行提炼和加工，加以规范化和美化，就形成了戏曲舞蹈的动作，具有很强的表现性。当然，这并不意味着对现实生活的照搬照抄，而是在删减的基础上进行的，由此形成了戏曲舞蹈正的各种优美的、造型多种多样的动作。例如“绣花”是中国古代妇女日常生活中的一种主要的活动，在很多戏曲节目中都会出现，绣花的动作能够体现中国古代女性的心灵美，是一种非常优雅的活动。当其表现在戏剧活动时之所以能够如此传神、惟妙惟肖，一方面是因为戏曲演员的每一个动作都是经过高度的技巧化的，是一种简单的舞蹈动作；另一方面是因为其就直接来源于现实生活，在现实生活的基础上抽象而成的。所以，戏曲舞蹈具有生活性和表现性的审美特征。

二、戏曲舞蹈对古典舞的影响

戏曲舞蹈是中国文化中的精华部分，是一种集中体现中华民族的文化精神与审美意识的舞蹈形态。从发展的渊源和亲疏关系看戏曲舞蹈对中国古典舞的影响最为深远。从某种程度上看，古典舞是戏曲舞蹈在历史年代里的复苏，古典舞在发展的过程中吸收和借鉴了很多戏曲舞蹈的关键因素，因而才能形成今天的规模。首先，古典舞以规范化的舞蹈动作和程式化的表现手法著称，因而受戏曲舞蹈影响最大。古典舞是一种具有浓厚民族特色的舞蹈类型，其本身就是一种介于戏曲和舞蹈之间的产物，因而与戏曲舞蹈之间的关系最为密切。在某种程度上说，古典舞是从戏曲艺术蜕化演变而来的。它与戏曲形式最明显的区别就在于它并不具备戏曲中说与唱的形式，除此之外，古典舞在最大限度上保持着戏曲的原生态，所以说二者具有一定的“血缘”关系。一方面，古典舞是一种表现力很强的舞蹈形式，具富有韵律感和造型感。另一方面其舞姿丰富多彩，而且每一个动作具有很强的雕塑感。以上这两种造型动作审美特征的形成都受到了戏曲舞蹈的深刻影响，吸收和借鉴了戏曲表演中的动作和造型特征，因而才能给人一种刚柔相济、至刚至柔的艺术美感，形成东方式的审美意蕴。

其次，中国古典舞是从戏曲舞蹈中提炼、加工与借鉴而形成的，它的发展离不开戏曲舞蹈。古典舞对舞蹈动作的要求较其他舞蹈形式而言更加严格，而且更注重身法和韵律，要求其动作具有一定程度的技艺性，舞者需要具备操控跳跃、翻腾、旋转等高难度动作的能力。然而，表现动作的难度和技巧本身并不是舞蹈表演的终极目的。从终极意义上，这些舞蹈动作都是用来表现人物思想情感和塑造人物性格特征和精神状态的一种手段而已。这与戏曲舞蹈的本质在某种程度上是重合的。戏曲舞蹈不同于其它舞蹈形式，以叙事性见长，抒情性反之较弱，其中的舞蹈动作都是为表现人物情绪服务的。古典舞在造型过程中也特别注重人物的情绪表达，因而充分借鉴了戏曲舞蹈的艺术形式。综上，古典舞艺术形式的发展是离不开戏曲舞蹈的，二者在相互借鉴和相互影响中共同发展。很多当代比较著名的舞蹈作品都融入了戏曲的元素，增强了舞蹈本身的表现力，得以在舞台上大放光彩。

三、戏曲舞蹈对舞蹈教学的借鉴意义

戏曲艺术形成的漫长的历史过程中，舞蹈始终与其保持着非常密切的关系。戏曲舞蹈对当下中国的舞蹈表演和教学而言意义深远。其完整、规范的训练体系与表演方法为舞蹈教学打下了深厚的根基。首先，戏曲舞蹈有着非常悠久的历史，在不断发展的过程中形成了完整的表演体系和程式方法，我国当下的舞蹈教学可以从戏曲舞蹈的发展过程中吸取养分，以其成功的艺术经验为榜样，指导具体的教学工作。例如我国第一本古典舞教学的专业教材就是在综合整理和充分借鉴戏曲教材的教学内容基础上进行研究和分析才得以出版的。在对比研究中可以发现很多问题，比如在对戏曲舞蹈的充分研究基础上探讨其中的戏剧舞蹈动作与普通舞蹈动作二者之间存在的相同之处和区别所在，这是进行舞蹈教学所要解决和弄清楚的首要问题。再如戏曲身段与舞蹈身段之间的联系与区别也是一个很好的切入点，戏曲舞蹈的身段具有独特的审美特征，演员在舞台上是无论是走、站、坐和卧都有严格的要求。走要轻松又要稳健，要如流水那般细腻、流畅。站如虎，站立要始终保持雄浑威严的姿态等等。

相比之下，舞蹈也具有独特的美感，通过舞者的举手投足、表情动作来呈现出另一种审美特征。可以通过二者的对比研究来不断充实和丰富舞蹈动作和形态，在吸收、借鉴的基础上进行创新和改革，为舞蹈教学增添新的活力与生机。其次，当下的舞蹈教学采用的方法是多种多样的，不同的方法各有侧重、各有优长，但观其本质与戏曲舞蹈训练的方法存在很多相同之处。比如关于基本功的训练就都以注重演员身体的柔韧性和软开度为重点。再如两种舞蹈同样强调对于演员腰身的训练，强调身韵在训练中的价值。中国著名的戏曲表演艺术家曾在很多场合公开强调戏曲艺术在舞蹈教学过程中所发挥的重要作用，并且教师在教授舞蹈表演时应该充分向戏曲艺术进行学习和借鉴。不仅舞蹈教学可以从戏曲艺术中吸取养分，其他的艺术形式也是如此。由此可见，戏曲舞蹈在具体的教学过程中所具有的重要作用。大型的音乐舞蹈史诗是当下比较流行的一种艺术表演形式。在这种大型的音乐剧表演中尤其注重人物形象的塑造，而面部表情可以算的上是最能凸显人物气质的部分了，而这恰好是戏曲表演中最重要的地方。因而在塑造人物形象时可以针对戏曲的表演方式进行针对性的拓展训练，可以有效弥补舞蹈表演在这一方面的不足。

四、结语

综上，在当下舞蹈教学的改革和发展中戏曲舞蹈的意义重大而且深远。舞蹈在戏曲表演的过程中发挥着至关重要的作用，可以说舞蹈这种艺术形式就是在戏曲艺术中得以保存和流传的。反过来，戏曲舞蹈又对传统舞蹈的改革与创新发挥着重要的借鉴意义。在舞蹈教学中，戏曲舞蹈不仅能够帮助学生提高舞蹈技艺，其本身亦具有很强的文化价值，对于扩宽和丰富学生的艺术知识，也有着积极的作用。本文从戏曲舞蹈的审美特征以及戏曲舞蹈与中国古典舞的联系等方面具体论述了戏曲舞蹈对当下舞蹈教学的借鉴意义，对二者之间的关系做了深入细致的探讨，以期能够为当下的舞蹈教学提供一点粗浅的建议。

参考文献：

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