钢琴教学练习论文:练习法教学下钢琴教学论文

1、采用助力法练习钢琴弹奏

在钢琴教学中通过助力法学生能够对弹奏方法有更深的体会，利用触觉对正确弹奏的方法进行感知，是一个有效方法。比如，在弹奏时学生表现出手指触键不能稳定站立，教师可以将触键方法在学生手背上亲自示动手示范。这样可以对学生的错误进行纠正，使其通过观察、感受教师的手指动作了解弹奏的正确方法，成功度过初级阶段，明显消除其因过分紧张而出现的错误弹奏方法或多余动作，提高并改善学生肢体等器官动作的准确性与协调性。但仍然没有巩固学生的弹奏技巧和技术，一些新的错误又会出现在弹奏过程中，无法将音乐作品的风格特征完整法和分解法完整、准确的表现出来。教师应以练习曲或乐曲的特点为依据，分声部、分句、分段、分手的让学生进行练习，并挑出练习曲或乐曲中的难点、重点部分进行单独练习，即分解需要练习的曲目，并形成单独和局部之间的联系。或者以能够将整首乐曲弹好为基础，集中精力练习特殊的技术难点，将其攻破，或者细化研究某个乐曲的弹奏，或分解练习合理控制各个声部力度的布局及变化细微的某个和声关系等。这种练习方法不仅可以使练习整首乐曲的时间大大缩短，提高联系效率，还能够为学生的合手练习打下坚实基础。教师在示范正确的方法时也可选择适当时机演示弹奏中的典型错误，以便学生在耳听、眼看、脑记和心想过程中加深体验，比较错误的弹奏和正确的弹奏，使学生的感知力与鉴别力提高。

2、采用分手法练习钢琴弹奏

采用分手练习法弹奏钢琴可以使人大脑中的负担减轻，更加集中精力，从而能够细心检查每只手的弹奏，使练习钢琴的质量得到保证。部分学生认为该方法过于麻烦，不进行或很少分手练习，自以为会达到缩短练习钢琴的时间，使练习进度加快的效果，但实际上往往不能达到。没有分手练习很可能导致学生在弹奏时出现许多问题，如错指法、错拍子、错音等。此外，两只手一般是承担难度不完全相同的技巧，应该用更多的时间练习需演奏难点部分的手，这是非常重要的，可以使练习效果得到相应提高。虽然分手练习从表现上看好像是花费了一些不必要的时间，但观察练习效果可以发现，该方法能够使两只手的弹奏质量都得到保证，做到更有成效、更加精细的练习，为学生进行双手弹奏提供了坚实基础。由此可见，分手练习并不是可有可无的，它是双手合练的必要基础。然而虽然一些学生在分手练习中两只手都能够顺利的完成弹奏，但在双手合练过程中却经常表现出错指法、错音等一系列问题。所以必须要认真、仔细的进行双手合练，不能掉以轻心。在练习新乐曲的开始阶段，分手练习无疑是非常适合的，其实即使在双手合练阶段中分手练习的反复进行也是非常必要的。教师应指导学生分手、合手两种方法交替进行，以便完成练习的整个过程。

3、采用无声练习法弹奏钢琴

学生在练习钢琴的过程中会逐渐形成自己的动作技能，并在该过程中形成智慧技能。基本上每一个学琴者都梦想掌握高水平的钢琴演奏技巧，所以才将大量时间花费在每日的钢琴技巧的练习中。虽然这种机械的练习会取的一定的进步，提高动作技能，但是也会引发一些被忽视的音乐问题。目前大多数人在3、4个小时的练琴过程中，一段时间只是机械的让手指在琴键上运动，练习中没有投入感情去体会。假如将无声练习穿插其中，不仅能训练手指，还可以发挥头脑的思考能力，让耳朵休息，舒缓精神。无声练习能使学生对乐曲的理解增强，反映出练习钢琴的过程中被忽略的细微情感与细小动作，使学生在复习乐曲使达到事半功倍的效果，感悟与理解乐曲的能力提高。用音乐的内在表现、活动的双手与内在的耳朵承担全部责任时，就能演奏出更有深度的音乐。

4、采用慢练法练习钢琴弹奏

慢练法就是像放大镜，可以扩大乐曲中的所有细节，以便演奏者对音乐中的各个音节都能谨慎注意，它是使全部技术障碍都被克服的根本。来得及准备和来得及想就是慢练法最大的优势，学生能够以听觉、视觉收到的信息反馈为依据，对缺点和不足之处进行调整。采用节拍器约束学生就是一个指导学生慢练的典型方法，使其能以乐谱中正确关系的规定准确认识音符，与此同时使用的奏法和指法也都是符合规定的、正确的。虽然这种方法会减慢练习的速度，但是学生得到的节奏与音响的关系是正确的，能运用正确的指法得到相应的奏法效果。这种方法能避免学生因基础弹奏方法错误在后期要利用大量精力和时间来修正。检验角度为练习法时虽能很快开始，但后期效果却不显著，慢练法缓慢开始练习，但是能为之后的弹奏创造条件、打下良好基础。例如教师对于参加考试考级、比赛和钢琴演奏会的学生需指导其将作品的节奏放慢练习，更好的掌握细节。当学生对音乐作品已经练习练习熟练后，假如没有将速度适当减慢，并有意识的进行巩固与加强，那么在技术方面，已经掌握的动作会渐渐模糊，不可靠也不准确，容易在演奏时出现失误;在音乐表现方面，由于训练并没有融入个人意识，表现的鲜明性也会逐渐丧失，不再精巧和细腻。艺术表现的感染力与说服力也会丧失。因此就算能够熟练弹奏乐曲，教师也应指导学生将速度适当放慢来练习。

5、结语

总而言之，在大专院校的钢琴教学过程中，各教师应以学生在钢琴方面的基础、学习规律以及掌握弹奏技巧的程度为依据有针对性的制定教学方案，选择合适的教学方法，使学生对学习弹奏技巧和技术的阶段性与规律性有充分的认识，使其在练习钢琴的过程中更加顺利。科学的教学方法能使学生更快、更好的掌握弹奏技巧，从而提高教学效率、改善学习效果，实现教学目标。

作者：邵琦惠 单位：武威职业学院

钢琴教学练习论文:浅议儿童钢琴教学中基础练习的重要性

【内容摘要】文章对儿童在初学钢琴时应遵守和注意的问题进行分析，认为在启蒙阶段应培养儿童学习钢琴的兴趣，注重钢琴教学中基础练习的重要性，要求教师和家长相互配合，从而更好的引导儿童学习钢琴。

【关键词】儿童 钢琴教学 基础练习、

如今，随着我国音乐教育的普及，钢琴教育也逐渐受到重视。在钢琴的学习过程中也会出现很多问题，最突出的是忽视钢琴的基础练习，这对儿童今后的进一步提高造成困扰，并直接关系到儿童在钢琴演奏中能否有完美的表现。

一、启蒙阶段

钢琴已经成为世界各国学龄前儿童音乐教育的首选乐器。儿童是国家的未来，加强儿童艺术教育不容忽视。然而，合格的钢琴教师人数较少，很多对钢琴一知半解的教师也开始钢琴教学，教学方法不得当会对儿童以后的学习产生影响。学习钢琴不仅锻炼儿童的大脑、眼睛、手、脚、耳朵和身体的协调能力，同时锻炼了孩子的记忆能力、阅读能力、指挥能力、分析能力、想象能力、理解能力和视听能力。

启蒙教育是儿童在学习钢琴过程中不可缺少的阶段，直接影响着儿童以后的钢琴学习。钢琴教育的启蒙阶段主要是学习基本乐理和手型手指，养成良好的读谱、视谱习惯。在儿童接受启蒙教育期间，家长的配合很重要，在儿童独自练习时，家长要对儿童出现的错误及时纠正。成功的启蒙教育能够使学生热爱钢琴，打下坚实的基础，向更好的方向发展。

二、音乐理论知识的重要性

对于钢琴初学者，面对的第一个难题就是识谱。当学生接触一首钢琴作品时，教师首要的教学任务就是如何让学生准确无误地识别五线谱上的音符信息，而后进行演奏。在经过长期的练习后可以增强学生的视奏能力。背谱是很多钢琴教师要求学生必须做的。将钢琴乐谱背下来有利也有弊，利在于背谱建立在对钢琴乐谱有非常深刻的了解基础之上，从而能够全身心地将注意力投入演奏中。但直接背谱很容易忽视作品当中的细节要求，如表情术语、乐句的划分等，容易出现错音的现象。准确地把握钢琴乐谱所蕴含的音乐信息，要从最基本的乐理知识学起，其中作为基础的五线谱是学习钢琴，乃至学习音乐的学生必须要掌握的。熟练地掌握五线谱能够为以后更好的识谱打下坚定的基础。教师可以让初学钢琴的学生了解一些简单的音乐常识，然后在教学过程中不断深入的学习乐理知识。

学生在使用五线谱记录音符信息时，要遵守一定的规则。只要正确地掌握这些基本规则，就可以清晰地识谱，从而能够准确地弹奏。音符由符头、符干、符尾三个部分组成。在五线谱中，如果符头的位置越高，表示该音符的音高就越高，反之就越低。变音记号是用来表示升高或降低基本音级的记号，如升记号（#），表示将基本音级的音高升高半音；降记号（b）表示将基本音级的音高降低半音。对于这些基本的音乐常识教师可以做简单的讲解，随着钢琴曲目难度的增加进而向学生传授更高级的乐理知识。另外，在弹奏钢琴时，学生首先应将乐谱唱出，再开始弹奏，否则在弹奏的过程中会出现错音或者停顿现象，从而使整首乐曲的演奏变得不完整。

三、手指技术练习

在弹奏钢琴时，手型不是一成不变的，应根据学生手指的生理结构和弹奏曲目难易程度而有相应的变化。

（一）正确的手型

弹奏钢琴正确的手型是手在放松的情况下放在钢琴上摆出的姿势。五指要自然分开。在弹奏的过程中，手指要随着乐曲节奏的变化而变化，而不是一味的保持一个姿势不动，这样会造成学生手指变得僵硬、不灵活。因此，在钢琴演奏中没有一成不变的手型要求，要跟着乐曲的节奏以及音乐的情感变化而变化，这才是正确的手型。

对初学钢琴的学生来说，手型是一个基本的要求。正确的手型能够更准确地弹奏钢琴键盘，将身体的力量传输到手指，从而很好的利用身体的力量去弹奏。教师不要将手型姿势强加给学生，正确的手型要放松手指，而不是将手放在钢琴上很长时间“耗”着，这会使学生的手变得僵硬，也会让学生产生对正确手型的误解，影响学生学习钢琴的兴趣。所以，教师要引导学生去感受手型的位置，从而对学习钢琴产生更大的兴趣。

（二）手指的要求

大多数初学钢琴的孩子手指还在发育的阶段，手指关节还没有完全成熟，控制能力比较差，在钢琴上很难保持住正确的手型，手指不能很好地支撑起手掌，从而导致折指，尤其是对于四五指的控制，这些问题是非常普遍的现象。教师要依照儿童手指结构、手掌大小进行钢琴练习，要让学生的手随时保持放松的状态，每天要有固定的时间来专门练习手指的控制力，但时间不宜太长。

（三）手指基础练习

手指要具有独立性和灵活性。要求每个手指都必须有独立触键的能力，独立灵活的手指能对各种速度音符进行很好的诠释。手指要具有力量，十个手指的触键力量是不同的，在训练时要区别对待，要求十指要具有相同的触键能力。

结语

钢琴的基础训练是非常重要的，也是不可缺少的。加强基础知识的练习，是钢琴学习的重要组成部分。作为钢琴教师，要掌握科学的训练方式，具备高度的责任感，从而培养出优秀的钢琴演奏人才，更好的诠释音乐作品。

作者单位：齐齐哈尔市查哈阳农场初级中学

钢琴教学练习论文:拜厄钢琴练习曲的教学方式及运用

【摘 要】本文从结构内容、进度安排、音乐性等方面入手，对《拜厄》的教学方式及运用进行论述，意在对《拜厄》的学习起到促进作用。

【关键词】拜厄钢琴练习曲；演奏技术；教学方式

《拜厄钢琴基本教程》是专门为钢琴初学者而编写的一本浅显易懂的钢琴教材。

教材采用高音谱表入门法，从“右手触键练习”开始，采用一指入门，逐步扩展至二、三、四、五指。《拜厄》的第一部分是音乐入门知识。这一部分主要包括一些音程、音符、时值、拍子、拍号以及半音和休止符等基本乐理知识，并且在书中附有六个八度的钢琴键盘图，在介绍相关知识时，运用钢琴键盘图来说明，使学生在学习的过程中更为直观。给钢琴初学者识谱带来了很大的帮助。在讲到音符时值等方面，书用运用了图表，直观性很强，更为浅显易懂。

《拜厄》的第二部分主要是为触键做的准备练习，训练初学者的手指动作，训练每一个手指在演奏中要的独立性和果断性。这一部分中包括左手、右手的单手触键练习，双手的触键练习，还有与教师配合，分单手和双手共同演奏的变奏曲和练习曲。并且在这一部分的练习中加入了边弹作品边数拍子的方法，更好地培养了学生的韵律感和节奏感。在两首变奏曲中，还有加入连音线的乐句，训练学生在演奏时要注意连贯，学会在触键时体会重心的转移。要求每一个手指在触键时要高抬指，下一个音触键以及前一个音抬起时必须要同时进行。从作品的第三首开始，就注重引导学生双手配合，其中的第三首至第七首训练演奏时双手的平行进行，第八首至第十首开始训练左手弹奏固定低音，右手弹奏旋律。

《拜厄》的第三部分是双手的技巧性练习，从第十二首到第一百零九首，这一部分是教材最主要的部分。结构安排计进度上都有着非常强的逻辑性。从最开始将五个手指顺序的放在C――G音上，到逐渐转移到C――D音上，再后来转移到A――E音上。这样的安排方式也运用在双手的配合上，这种训练不仅可以拓展双手演奏的音乐，同时还能训练双手演奏的独立性。在作品中还运用了高八度的重复和音阶，这样使得五个手指的演奏得到了很自然的拓展。在学习全音时值方面，同样是运用循序渐进的原则，先学习全音乐、二分音乐，逐渐加入附点音符，再到八分音符和十六分音符。

在《拜厄》中，针对幼儿设定出了十一类循序渐进的技巧内容，第一类是在固定的位置进行弹奏，例如第十二首，练习时让身体保持正确坐姿，手臂自然放松，学生可以非常轻松地演奏，这样可使幼儿全身心的控制手型、手指以及作品的节奏。第二类是和弦伴奏音型的弹奏，第三类是双手平衡发展的练习，第四类是双手“落―提”训练，第五类是音阶式弹奏方法的训练，第六类是双音弹奏练习，第七类是变化音及装饰音的弹奏练习，第八类是音乐节奏练习，例如第八十八首，这首作品中，学生要掌握附点音符的时值及强弱，并且高中低音区的对位必须严谨，这样可以培养幼儿对节奏肢体的认知；第九类是半音阶的弹奏练习，第十类是流畅性的弹奏练习，第十一类是小乐曲弹奏练习。《拜厄》作为技巧性练习为主的教材，的确为初学者提供了比较系统的练习内容，作者在前言中也明确指出，“本书的对象是儿童，是钢琴学习的简易入门教材，因此，书中的课程安排也尽可能的循序渐进，但一无遗漏地解决钢琴弹奏上遇到的所有难题，不属本书的范畴。”①

《拜厄》在训练演奏技术方面，有着非常重要的地位，但它所体现出的音乐性也是值得好好研究的课题。不能将《拜厄》的练习视为枯燥的、无味的技术训练，这样很容易使学生成为练琴的机器。如果将技术训练变成单纯的敲击键盘，不仅不能提高技术水平，反而会影响学生的思维，使他们失去对音乐中美的享受。培养学生科学的练琴方法并养成他们的良好习惯十分重要，看到孩子的进步要多赞美，保持孩子的兴趣。在教学中，要让学生学会用耳朵聆听，通过聆听让他们感受音乐，浸润心灵，从而激发学生们的创造性。并且让孩子学会歌唱和舞蹈，通过歌唱和舞蹈来表达内心，这样能更好地把握音乐的内涵，为钢琴演奏带来莫大的好处。为了适应21世纪世界钢琴艺术的发展潮流，我们不仅应该学习世界优秀的钢琴文化，吸取国外先进的教学经验和教学方法，更要积极地发扬中国优秀的传统文化，促进中国钢琴教育事业的更大发展。

作者简介：

王 雨（1981-），女，籍贯：辽宁沈阳，研究方向：钢琴表演，单位：广西师范大学音乐学院，2013级硕士研究生，专业：学科教学。

钢琴教学练习论文:浅析幼儿钢琴教学中兴趣的提高和基本功的练习方法

摘要：钢琴教学是一种较为庞大的音乐教育活动。近年来，我国许多钢琴教育工作者在依据不同的学生进行有针对性的实践分析和理论研究。许多钢琴教育文献也开始建立起较为完整的教学设计和教学模式。

关键词：幼儿钢琴 兴趣 基本功

一、幼儿在钢琴学习中的优势与劣势

幼儿的心理发展可分为前期与后期。

前期，0岁到3岁。这一时期，孩子的运动能力发展非常快，但这一阶段处于没有自我意识的状态，也没有抽象思维能力，所以，在前期不能进行高级智力活动。

后期，3岁到6岁。这一时期，记忆力开始逐渐发展，注意力的集中能力方始具备。

（一）幼儿在钢琴学习中的优势

1.有足够的时间接触音乐

幼儿在学习钢琴期间没有其他的学习压力，可以边玩边学习有关的钢琴知识。而随着孩子年龄的增大，学习压力也会相应的增加，学习钢琴可能就不会全身心地投入了。

2.有益于手指能力及手掌关节的发展

具备较长的手指和较宽厚的手掌是学钢琴较为理想的前提。在通过初期的练习，在孩子成长过程中渐渐打开孩子的手掌关节，使其手指赋予灵活性，可以为今后打下良好的底子。

（二）幼儿在学习钢琴中的劣势

1.注意力集中时间不长

幼儿的注意力最多只有二十分钟，他们往往学琴会有始无终，只会在自己感兴趣的情况下才会练习一下，过多的重复练习会让他们觉得枯燥无味，从而注意力开始不集中。

2.控制手指的能力相对较弱

幼儿的思维能力并不成熟，所以对自己身体的控制能力并不是很好。他们的手指无力，对手型的支撑并不能很好的坚持。为了弹响琴键，往往要调动手腕的力量去压键，从而就会改变手指触键的部位，手指关节的塌陷。

二、在教学中如何激发幼儿钢琴学习的兴趣

良好的开端等于成功的一半，而兴趣是成功重要的推动力。幼儿只有真正的音乐感兴趣后，才会全身心的自动参与到学习中来。但在教学中如何将这短暂的兴趣发展成为持久的学习热情呢？这时我们就可以采取一些适当的方法来慢慢引导。

（一）选择适当的幼儿音乐教材

美国现代心理学家布鲁姆指出：“学习最好的刺激乃是对学习的材料发生兴趣。”幼儿时期，孩子往往会对带有插画，有色彩，有故事的图书产生兴趣。例如《约翰汤普森・简易钢琴教程》，在这套图书中，有大量图片，编者把图片与五线谱结合起来，对孩子在弹琴时进行引导。由于每首乐曲都有自己的标题，很容易激发幼儿丰富的想象力，并且丰富的色彩，较大的音符，阅读起来也比较方便，这一类教材幼儿都比较喜欢。

（二）运用孩子自身的想象力和语言的趣味性

在给幼儿的教课中，怎样与孩子沟通是重要的。这一时期，幼儿的语言水平不成熟，可以清楚地表达自己思想的词语不多，而教师的一些专业的音乐术语孩子可能完全不会理解，这就会造成一个“讲不清楚，听不明白”的上课局面。所以，教师在这个时候就要运用“儿童语言”去讲解，运用生动有趣的语言，并且语速要缓慢，再配合适当的肢体语言，能时刻吸引他们的注意力，使其能听清楚听明白，密切地参与到教学过程中去，激发他们学习的兴趣。

1.专属于孩子的音乐时间

一些家长在督促完孩子练琴后，自己却去看电视、上网，这时孩子的好奇心早就跟着家长去“看电视”了，他会觉得练琴是剥夺看电视的时间，从而没有心思去练琴，时间长了可能会带着抵触情绪去练琴。

2.挑选适当的练琴时间

练琴时间的选择制约着孩子的热情、孩子的学习兴趣。

兴趣，可以促使孩子去主动的学习钢琴，他能促进，推动孩子在学习中的探索精神，从一种“要我学琴”的状态转变为“我要学琴”的状态，这样的话，在钢琴的教学和学习中，教师、家长和学生就会愉快、轻松的进行。

三、幼儿在学习钢琴中基本功的练习方法

在幼儿时期，孩子的思维水平还不是很成熟，所以较高难度的钢琴作品无法去完成。这一时期孩子的可塑性和模仿能力相对较强，所以对于孩子在钢琴学习中，基本功的大量练习是很有必要的。

（一）手型

“手型”这一词语，对于孩子和家长一定并不陌生。几乎所有的孩子在上第一节钢琴课时，都是从“手型”开始的，家长在初期的陪练时也会较多的关注手型。

手型是我们弹琴时最基本的形态，在教学中，我们可以用最直观的方法，让孩子的小手握住一个苹果、抓住教师的手腕等等一些方式去做准备，孩子也会非常容易的理解。在练习过程中，教师和家长应当多多提醒孩子手指关节的突出，手掌不可外翻，手指不能掉键，这个过程可能会持续的时间较长。

（二）五指独立性的练习

《哈农钢琴练指法》这本书对于大家能并不陌生。的确，这是一本练习五个手指独立性很不错的教材，但对于幼儿来说，这并不适合。幼儿在学琴初期，作品往往只有几个小节，音符度数基本在五度之内，所以就要选用一些简单的练习模式。

在练习过程中需要注意的是：慢练，控制好速度。孩子在弹几遍后，往往觉得熟练了，便会加快速度，不再注意触键和手指的支撑，反而不能达到手指练习的目的；多用耳朵听。让孩子自己用耳朵去听辨自己在练习时，每个音符的时值和速度是否平均。

（三）节奏感

节奏是音乐的脉搏，是音乐的生命。

幼儿在钢琴学习中对于音符的时值没有多少概念，在弹琴时，按照自己的喜好，想弹多长就弹多长，最后会导致乐曲不成样子。

在唱完谱后，先让孩子进行单手练习，保证在弹奏时，音符的时值能完整的保留，然后在双手配合起来，一般左手的音符少，时值长，左手弹奏一个音，右手要配合多个音，在弹奏前就要让孩子在谱面上标注出来是哪几个音对应哪几个音，只有这样，孩子才能明白乐曲的节奏是怎样的。

（四）指法

钢琴的键盘上共有88个键，而我们只有10个手指，我们就要运动合理的指法。基本功的练习需要较长的时间，而且过程也会比较枯燥无味，教师和家长应当多多的鼓励孩子。而基本功只有运用到乐曲和练习曲中才能得到检验，得到进一步的提高。

四、结语

面对幼儿的生理和心理特点，我们在教学过程中发现了种种问题，探究、改进教学方法，使孩子在学琴道路上少走弯路。在幼儿的钢琴教学中并没有复杂的音乐理论，对于他们最重要的就是兴趣的培养，兴趣的一直存在才有利于他们在以后学琴道路上的坚持，他们才能更好地融入于音乐，在音乐的世界里无限徜徉。

钢琴教学练习论文:钢琴教学手型基本功练习的重要性探讨

【摘要】钢琴演奏是一门艺术，是体力劳动与脑力劳动互相综合的活动，演奏者必须具备相当高的技术，而手型手指的基本功练习是钢琴入门阶段的基础，也将贯穿在整个钢琴学习过程的始终，对学生今后更高层次的钢琴学习和对钢琴的理解与态度都起着重要的作用，不可小视。为此，本文分别从基础中的基础、手型手指特点、手指独立性培养和手指基本弹奏动作几方面进行了基础教学的探讨。

【关键词】钢琴教学手型手指基本功练习

随着人们对精神文化需求的增长，大量的人们在学习钢琴，可有所成就的比例少之又少，大部分家长与学生的要求是让学生在最短的时间内达到一定的程度去，去适应社会考级，甚至要求速成。如果老师真按照这类家长和学生的心理要求教学，造成的后果往往是基本功练习的欠缺，以致根基不稳。一番阶段性练习过后，教师却无法引领学生进入更深的层次，使很多学生不得不遗憾的终止了钢琴的学习。因此，手型手指的基本功练习对学习钢琴十分重要，不容忽视。

一、钢琴学习中手型手指基本功的相关阐述

弹钢琴的手型，是几百年来人们经验的总结，有其科学性，在学习中要遵循这种规律，另一方面，学习过程中如果手型过于固定，死板，也会产生另一种偏向，因而对手型的要求也必然更自由。有一个好的手型，关键是指掌关节五指指关节的站立。手腕与黑键键面基本保持在一个水平高度，掌关节站好并略突起，使手掌成拱形。保持手型，主要靠大指和小指的支撑，这两个手指的形状和位置不同于其它手指，大指短而粗，小指细而小，它们都位于手掌的外侧，容易躺着触键，致使手型七扭八歪。如果它们能站好，那么基本手型也就容易保持。

客观上讲，钢琴演奏中没有某种固定不变的手型。“几乎任何一种手的姿势都可以行得通，只要是这种姿势合适，符合手的构造，符合音乐组成的高低起伏，更重要的是不破坏动作的统一。”然而，对于初学钢琴的孩子，正处在学习钢琴演奏的基础阶段，我们又非常强调培养一种正确的基本手型。这是因为，为适应钢琴键盘的排列结构和弹奏技巧，需要人的手和手指具有一种有利于弹奏动作和弹奏力的运用与传送的正确状态。这种状态要最符合人手的天然长势和手指动作的生理机能（也就是人类最放松时的手型，比如睡觉时手的形状）。于是，我们把这样一种手的弹奏状态叫做基本手型。我们在入门和基础阶段强调的所谓正确手型，从某种意义上来讲，不可视为绝对的、一成不变的东西。希望家长们了解这一点，不要把某种手型，或者说某种基本手型视为一种绝对的东西，认为只有某一种手型才是正确的。

二、儿童学钢琴常见的困难与对策

儿童未经训练的柔弱小手在不具备弹奏需要的肌肉能力时、极易形成弹奏手型的不良姿势和不良动作习惯。对种种不良手型，不在此一一例举。概括起来，不良的手型主要表现在两个主要方面：

首先是指甲关节（通常称第一关节）和掌关节（通常叫第关节）塌陷呈凹状，这个问题的主要危害是不能获得正确的发音、以后会影响到手指快速跑动。

其次是出于弱指的软弱使它们在站立和弹奏时会产生某些手指的多余动作和多余紧张。它可能表现为某些手指相互依靠、或某些手指伸直、卷曲等。这会直接影响正常弹奏，造成弹奏的不均匀、僵直生硬和能量的浪费。

纠正不良手型主要依靠加强手指的独立支撑能力来解决。用一个极普通的例子可以说明：凡站立有困难或缺陷的人、走路的姿势必定不正常，出怪相。手指也是一样，只有当肌肉能力发展到每个手指不依赖其他手指帮助而独立支撑，不牵动其他手指产生多余动作和多余紧张而独立动作时、基本手型就形成并真正得到了巩固。

1、如果孩子掌关节凹陷，可把一只乒乓球放进丝袜中，绑在孩子手上（球在手心部位）再弹琴，这样坚持一段时间，会有一定的成效。

2、让孩子双手十指相对作抱球状，每对手指不停地做分开、相碰动作。（但手指必须是自然弯曲状）。

3、也可将以上两种方法结合起来，将双手分开平放在桌面上，十个手指不停的轮番敲打桌面，也能达到训练目的。

4、找一些简单抒情、指法不太复杂的乐曲慢速弹奏，要求孩子弹每个音的手指动作都要达到标准要求。

三、培养手指独立性，适应钢琴弹奏的需要

钢琴演奏的基础是手指，手指的基础在于手指的独立支撑，手指的支撑是站立式钢琴弹奏的基础。长期的教学实践与观察中，我发现，很多教师或者学生没有把手指支持的训练放到一个重要的位置，以至于为日后的演奏带来很多的问题和麻烦。我认为在钢琴入门阶段，手指的独立支撑训练要占据一个非常重要的地位，要作为一个专项予以足够的关注。手指的支撑是相对的，并不是绝对的。手指是支撑手臂的支架，但手臂又是身体传导力量的桥梁，他们相互作用并牵制着。以下是对每个手指的逐个分析：

1指的特点，有些学生弹一指时掌关节不能支撑，一承受重力就会塌陷，必须加以纠正，通过外力让关节凸出。经过一定时间的训练，肌肉能力增长了，慢慢可以恢复。这个阶段切不可急于求成，无所顾忌地错误训练。

2、3指的特点是比较有力，但第一关节比较薄弱，容易塌陷，所以要十分注意。

4指是最不灵活的手指，力量比较弱，未经训练的4指往往依赖于其他手指，不够独立。如忽略其特征而非不断加以纠正，力度便无法集中。所以，在练习中要坚持正确的锻炼，并给予特殊的关注。不可急于求成，欲速则不达。

5指是最为柔弱的手指，支持力最差，所以我们见到很多学生都是让5指躺着弹奏，这时，教师一定要加以指导。小指的关键在于第一关节与第三关节的凸起，教师可以让学生练习之前把正确姿势摆好，而后坚持几分钟。日积月累地训练后，肌肉的力量增强了，小指的支持问题便迎刃而解。

五个指的不同特征，造成了它们容易形成不同的毛病，但我们应确信，经过认真训练，不急于求成。完全可以改掉毛病，养成各自的弹奏独立性，使手型规范，以适应钢琴弹奏的需要。

手指独立了，支撑力强了，接下来就可以让学生学着在琴键上“走路”了。断奏相当于孩子站稳了，开始迈步的时候。抬脚相当于提腕，提腕的力量来自于手臂的肌肉，手腕要习惯放松，手臂手腕要协调，接下来就是降落的过程，自然地降落。降落后的手指保持的姿势就是前面提到的独立。弹琴的手指独立地支撑，做好基本的手型。这个过程非常关键，一定要体会手指的支撑与肩、肘、腕以及身体的放松。必须完全达到要求，才可以继续以后的课程，不可急于求成，这个阶段是基础阶段，一旦形成不好的毛病，便很难改变。

四、结语

孩子弹琴时手型不标准并且很难纠正，或是纠正后又不能保持，几乎所有学琴的孩子都遇到过这个问题。关键是在初学钢琴的早期，就应注重正确手型的训练，如果让一些不良习惯养成便会根深蒂固，即使日后努力纠正获得成功，也难免今后还会在无意间再度恢复，给日后的继续学习和提高演奏技巧造成重大障碍，所以这也是最令家长头疼的问题。小孩子正处于成长发育期，指骨、肌肉、韧带还都十分柔嫩，缺乏力量，所以作为家长，切不可指望在短期内就能让孩子练好手型。必须要耐心地帮助孩子，不厌其繁地提醒孩子注意保持手型。

钢琴教学练习论文:浅谈钢琴教学中如何提高钢琴练习效率

摘要：对于钢琴学习者来说，选择正确的练琴方法，从而有效地提高演奏水平，是一个极其重要的问题。针对钢琴练习中存在的普遍性问题，文章阐述了科学的练习方法，意在使学习者懂得用脑练习的重要性，针对自己在练琴过程中存在的不足找到适合自己的练习方法，从而解决问题，提高练琴效率。

关键词：提高；练琴效率；有效方法

钢琴演奏是一门技术种类繁多、技巧性极强的艺术，艰苦反复地练习是每一位钢琴学习者学习过程中极其重要的环节。对一名钢琴学习者而言，寻求和遵循正确的练习方法是至关重要的。怎样练琴才能提高效率、收到良好的效果是每个学生所关心的问题，亦是本文讨论的主要问题。下面笔者将从以下四个方面进行阐述。

1.重视课后的第一次练习

许多学生不重视课后的第一次练习，认为上完课就万事大吉，以至于"突击"时才发现老师课上讲的内容已经忘了一大半，所以，学生在课后应尽可能在最短的时间内复习上课内容。上课时老师必定会指出学生演奏中的一些问题并对演奏方式提出建议，所以，在课后第一次练习时首先要认真地浏览一遍乐谱，在浏览的同时回忆上课时老师的讲解，再加上自己的理解，动手在谱面上做详细的标记，然后再进行练习。在练习过程中要求慢速练，边看谱，边看标记，边动脑，手、脑、眼并用，反复练习几次，这样有助于及时消化上课内容。而对于新布置的曲子，在课后的第一次练习中需要注意的是不要打开乐谱马上弹，首先要回想老师在课上讲到的对曲子的要求和需要掌握的技术难点以及练习方法。急于先动手而不动脑的练琴习惯是不可取的。

2.全面读谱

我们要完成一部钢琴作品，读谱是第一步，也是最基础最关键的一步，认真识谱，在脑海里留下一个正确的初步印象可以避免走弯路。拿到一首新曲子，首先，我们应该通过读谱去思考一下乐曲的作者、创作年代、创作背景以及作品的风格类型，以便于对作品有整体的印象，在练习过程中就不至于偏离风格。其次，要注意谱面上的各种音乐表情术语、力度标记以及速度变化标记等，挖掘隐藏在这些术语之中的音乐形象以及情感定位，这样有利于弹奏者把握乐曲的情绪与风格，准确无误地表达作曲家要塑造的音乐形象，力求达到作者的要求。再次，要仔细读谱面上的细节问题，比如指法、节奏等。最后，在读谱时，除了上述内容，还要注意从作品的调式、调性、和声、旋律等方面去仔细研究，分析作曲家乐思的丰富内涵，才能对作品有更深层次的认识，并尽可能完美地演绎出来。

3.规范并固定指法

指法的运用是否合理，对完成作品起着重要的作用。在练习过程中，应该在一些自己认为指法容易混淆的地方标明指法。很多同学认为这是小儿科，对此不屑一顾，其实并非如此。举一个身边的例子：有两个同学同时弹一首曲子，其中一个识谱很快，一个上午便能双手合下来，然而去琴房听她弹时，发现她几乎每一遍的指法都不一样，而且十分别扭；另一个同学刚开始弹单手，在乐谱上写满了指法，编得亦十分顺手、易弹。两周后，这个同学的曲子顺利通过，而前者却还在改指法的过程中……因而若想提高练琴效率，标明并固定指法是十分重要的。 最好在视谱阶段即记下正确的指法。有些乐句需要考虑几种指法，可以参考不同版本中编者所注明的指法。因为乐谱上标记的指法是经过作曲家深思熟虑，并且有一套科学规律的。千万不要任意更改指法。当然，如果谱上所标的指法的确不适合演奏者本人，这时弹奏者可以根据自己的手指条件写下一个适合自己的指法。

4.分解练习

分解练习就是将曲目分段、分句、分手、分声部甚至以小节为单位进行反复练习（切忌从头到尾一遍遍地弹奏，那是事倍功半的做法）。每首曲目有它不同的结构，有点曲目声部不多，织体简单，一般为一个旋律声部，一个伴奏声部。即左右手各弹曲目中的某一个声部。例如，在初级阶段的《汤普森》、《拜厄》、《车尔尼599》中部练习。而有的曲目则声部多，织体复杂，一只手往往不止弹奏一个声部，有可能弹奏两个或更多的声部。像这种情况，就必须以单手的良好演奏来做保证，即采用分手练习、分声部练习。这样才不至于出现混乱，导致于弹奏的含糊不清，毫无层次感，缺乏音乐性、表现性。例如，大家都熟悉的巴赫的三部创意曲第四首。我们不难看出，其上声部是由右手来弹奏，下声部是由左手来弹奏，而中声部则是由左右手的相互交替来共同完成。要将这个中声部弹奏好，要靠左右手的密切配合，注意两手的交替不能出现痕迹，就像是一只手在弹奏一样。当每个声部都准确流畅的完成后，在将各个声部综合起来进行合练。在合练时，还应该先练其中的两个声部，如上声部与下声部、上声部与中声部或下声部与中声部。当两个声部配合好了，再进行所有声部的配合练习。在练习的过程中，严格做到音位不错、节奏准确、指法不错并固定、奏法规范、表现力到位等等。否则，效果肯定是不会好的。

5.听觉训练

这里所说的"听觉训练"是指倾听音乐作品结构、音色、音响效果等方面的训练，而并非视唱练耳课中那种关于音高、节奏等的听觉训练。钢琴音乐是听觉艺术，要想使演奏的音质及音乐的表现力得到完善，在练琴过程中学会倾听自己的音色是至关重要的。这种敏锐的听觉不是天生的，而是长期训练出来的。要有敏锐的听觉能力，首先要有倾听的习惯。这种习惯产生于内心的情感，只有内心对作品的音乐形象、整体风格有了一定的理解时，才会有对声音的追求和设计。有了想法再去听细节问题，比如，要听弹出的每个音的音色是否达到要求；听弹出的音的时值、音的高低是否丝毫不差；听弹出的声部线条是否清晰平衡；听弹出的音量、音色是否均匀统一，并随时根据声音来检查和调节自己的弹奏方法。如果学生会运用听觉来指导自己练琴，不再是手指盲目的机械动作，就会更加有目的性，大大提高练琴的效率。

钢琴的练习必须遵循科学的方法，上述几种方法并不是截然分开的，应当把它们与实际情况结合在一起并灵活运用，不断地探究、认识、发现并解决问题，苦练加巧练，保证练琴质量，从而提高练琴效率。

钢琴教学练习论文:浅谈钢琴教学中的练习方法

摘要：钢琴教学过程中如何让学生在练琴后能达到较好的学习效果，需要指导学生运用合理科学的练习方法并通过这些方法使学生养成良好的练习习惯，提高练习的效果。

关键词：钢琴；练习；方法；提高

钢琴练习是需要学生通过反复重复练习并形成演奏技能的艰苦学习过程。它能培养学生克服困难，做到自我约束、始终一贯的认真学习。那么钢琴练习的方法是非常重要的，科学的方法就更为重要。由于钢琴的演奏技法要求高，所以学生在练习上就要花费较多的时间和精力。学生在钢琴练习中方法不同，达到的效果也就各不相同。所以，教师在教学中要用科学的练习方法来指导学生，使他们能够较好地运用，逐步形成适合自己的有益的练习习惯。[1] 那么适合学生个人又合理科学的练琴方法不仅可以提高他们的练习效率，更能提升他们的耐心和持久力。

1 钢琴练习的坏方法

1.1 从头至尾数遍数练习

有些学生在钢琴练习时，一遍一遍的重复弹奏，弹错了或者没练熟都从头练习，而不去用头脑想该怎样练。长时间的坏习惯逐步养成，以至于重复练习很多遍也没有较好的效果。很多学生在练习时都是从头到尾不断地弹奏，这样练习看似认真，实际上效果不大，容易产生沮丧心理。做为教师，对于学生的这种坏习惯一定要纠正，不能继续这样的练习，继续的话只是在耗费时间，浪费精力，头脑没有思考，弹奏出来的音乐也是麻木、机械的。所以练习前要地设计好应该如何练习？怎样练习？做到有方法，出效率。

1.2 没有音乐感觉的练习

部分学生练琴只是在完成教师布置得任务，认为练习熟练就可以了，弹对音和节奏就行了，对作品的音乐感觉不加以重视，乐曲弹奏出来的感受力和表现力一般。虽然好的音乐感觉是天生的能力，但通过训练和培养也是可以得到提高的。这在钢琴教学中也是比较重要的任务。教师可通过引导启发学生对音乐的感受能力来提高和改善学生的音乐修养和审美，做到用心去练习。

1.3 不用耳朵机械的练习

学生在练习钢琴时都是做到如何将作业练得熟练些，基本不使用自己的耳朵去听下自己弹奏的是否悦耳？很多学生练琴时在比拼声音有多大，速度又多快，不去想象弹奏的音乐应该是什么样的音色和感觉。机械的练习致使很多学生没有用耳朵去倾听的习惯，手指跑动快了，耳朵却变得麻木了。只有做到学会倾听，手指与头脑才能协调，声音效果就能得到改善，手指弹奏技巧自然就进步了。

2 科学的练习方法

2.1 慢快分合

慢练是解决技术难点的主要方法，它可以减少弹奏错误，让技术水平练习的较为稳定和扎实。学生在练习新的音乐内容时，首先必须慢速练，这样眼睛和头脑可以及时地注意到乐谱上的各种音乐要求；其次在扎实的慢速练习后便可进行稍快的练习，之后还需要慢速与快速结合的练习。

分手练习使学生能准确地正确的按乐谱要求演奏。如乐谱中的多声部就更需要学生分手练习，这样不仅可以平衡两只手的能力，更能加强手指对多层声部的演奏。分手练习比较熟练后，合手练习时音乐就会较完整和流畅，和慢快练习相同的是，分手与合手也是需要进行循环反复的练习。所以慢快分合都是为了学习者能够在练习中达到作品的要求，减少练习错误，让演奏做到轻松自如。

2.2 先易后难

一首音乐作品的技巧难度很少会呈均匀分布状态。[2] 练习时先练习简单的，其后再练习较难的，由浅入深、层次分明的进行。简单的练习可以使人得到放松，手指弹奏业能做到相互协调。一首作品里难点的地方总有几处，这样的难点必须单独进行练习，做到慢快分合，对难点的练习要积极地坚持每天重复并有质量的去练，只有加强对重难点的练习并集中的反复训练，就能克服手指的不足，得到较好的进步。所以，不论是基本练习，或是乐曲，都要做到先易后难，合理分配时间，有利于消除弹奏紧张，能提高学生的自信。

2.3 新旧结合

古人云：温故而知新。学生每周在练习教师布置的新内容后，尽量留出一些时间对已经学过的练习曲或乐曲进行选择性复习。复习可以强化已经学习过的知识，更能巩固对知识的记忆。进行及时复习或集中复习是非常必要的。已经学习过的练习隔一短时间复习的话会比当时练习的时候要轻松一些，还能及时检查学习漏洞，将当时没有完备的知识和技巧表现巩固的更好，旧的内容与新内容结合练习。能使学生将音乐知识系统化，保持了音乐学习的连续性，提高了练习和学习的效率。

3 练习方法的实施

3.1 充分的时间

钢琴练习需要合理充分的运用时间，并根据练习内容安排时间。练习是一件非常劳力劳心的事情，每天都需要保持相对集中的时间进行练习，不能练一天休息一天，只有每天练习才能有进步。练习时间的长短因人而异，注意力集中的情况下能练多久就多久，有些人可能一小时，有些人可能3～4个小时。只要能坚持固定练习并把它变成一种习惯，每天都有保持一定时间量的练习，那么我们的练习也一定能收到好的效益。由于人对任何事物都很容易产生兴趣，也会很快失去兴趣，那么钢琴练习上就更需要做到自我控制、自我调节，每天安排好练琴时间并坚持下来，就能取得进步。

3.2 坚韧的毅力

钢琴练习是持久艰苦的往返练习，必须刻苦勤奋，更是对学生毅力的考验。必须要有较好的自我约束能力来坚持每天进行练习。只有经过一句一句的慢练，做到按节奏练习，严格遵守书本指法，从单手练习到双手练习再到乐谱的背奏，是一个不断反复的过程。这样的过程是需要用毅力来坚持做到的。坚持下来了，就会有丰厚的回报。此外我们还需要不间断的，用科学的方法进行持续的技巧练习，在持续练习中培养学生的毅力和耐力以及坚强的品质。在练习中，必须要通过无数次的反复重复弹奏，直到对学习中的一项技巧的完全掌握。这在练习过程中还需要用耳朵来听，用眼睛仔细的看谱，找到音的准确位置，这些都是对学生耐力和意志力的极大考验。

总之，以上所说的科学的练习方法是互相作用，不可分开的。学生可以根据自己自身的情况进行灵活运用，认真地分析各种练习方法，找到最适合自己的练习方法，也才是最科学的方法。

钢琴教学练习论文:高师教学中对钢琴练习曲的两点新认识

练习曲对于任何一个从事器乐演奏专业的人来说都是一条必经之路，钢琴演奏者就更不例外了。自键盘乐器诞生以来，各种各样的练习曲就应运而生。随着300余年的钢琴艺术发展道路，练习曲也经历了一个漫长的演变过程。从克莱门蒂到车尔尼，从肖邦到普罗科菲耶夫，直至当代作曲家利盖蒂，钢琴练习曲见证了整个钢琴艺术的历史。（本文所研究的练习曲并不包括如勃拉姆斯、飞利浦、哈农等作曲家为钢琴而作的单纯技术上的“钢琴手指练习”。）

总体来说，钢琴练习曲从风格上可以分成三个不同时期的三种不同类型：1.古典乐派时期。以克莱门蒂、克拉默、车尔尼等作曲家的作品为主，其风格较贴近古典钢琴作品的奏鸣曲和协奏曲，且技术目的明确，通常都会在巴洛克和古典钢琴作品以及部分浪漫派钢琴作品中得到延伸；2.浪漫乐派时期。以肖邦、李斯特、舒曼、门德尔松为首的浪漫乐派作曲家在古典练习曲的基础上加入了多种多样的音乐元素，使其成为了真正意义上的艺术作品，却保留着古典练习曲写作中技术性明确这一重要特征，无论从钢琴演奏技巧上还是音乐艺术表现上都大大提升了钢琴练习曲的难度，步其后尘的还有德彪西和斯克里亚宾，其练习曲风格都独辟蹊径，直至拉赫玛尼诺夫的音画练习曲，已经把抽象的音乐语言上升到表象的绘画艺术，甚至能够让人们产生一定的虚拟视觉印象；3.现代派练习曲。继拉赫玛尼诺夫之后，可以说练习曲已经失去了其原来的意义。普罗科菲耶夫、斯特拉文斯基等作曲家已经冲破了传统作曲观念，把以练习钢琴技术为目的的练习曲变成了充分展现自我个性和作曲技巧的钢琴炫技作品。更有甚者把经典的肖邦练习曲改编成了几乎无人可以胜任的超难度练习曲，如波兰著名钢琴家戈多夫斯基。当代创作的练习曲更是多种多样，其中还有以利盖蒂的《魔鬼阶梯》为代表的无调性超难度练习曲，令大部分钢琴学习者望而却步。

本文所要探讨的内容就是在高师钢琴教学实践当中，让学生重新认识古典练习曲的意义和价值。以车尔尼的钢琴练习曲为例，每一个专业学习过钢琴的学生都对其再熟悉不过了。也许有人会认为这是老生常谈，但在做出这样决定的同时，做一个简单的测试：检验一下学生中目前有几个人能完整无误地背奏或者分析5首以上车尔尼740钢琴练习曲呢？在音乐学院学习钢琴专业的学生是以表演为目的的，弹奏车尔尼练习曲对其来说更多的是获得演奏技术的手段与过程，在掌握了足够的演奏技巧，也就是“弹会了”以后，车尔尼练习曲在他们之后的演奏生涯中意义已经并不那么重大。而高师钢琴专业学生学习车尔尼练习曲的目的则不同，我国师范类院校重点还是以培养中、小学教学人才为主，而目前专业音乐类中、小学（如音乐学院附属中小学）在全国还屈指可数，那么在普通中、小学校，提高音乐教育的专业性就成为了当前高师钢琴专业学生的重要任务之一。每一个高师音乐生都应该具备良好的专业素养，以便在将来的教学生涯中得以运用，而通过对车尔尼等古典练习曲的系统学习和研究恰恰可以实现这一点，从而对于每一个有可能走上专业道路的青少年钢琴学习者给予必要的帮助和启发。笔者作为一名有17年教学经验的高等师范院校的钢琴教师，对此发表一些新的看法。

一、古典练习曲演奏技术以外的教学内容

针对古典练习曲的演奏技术、技巧等课题的研究成果在今天已经层出不穷。我国钢琴基础教育近年来也逐渐在国际上得到承认，甚至于每一个合格的钢琴教师都有一套如何在练习曲中获得弹奏技巧的方法。但除此之外，人们也常常忽略了钢琴练习曲对于音乐本身的练习内容。所谓练习曲，并不单单是手指机能和技术技巧的练习，这也是钢琴练习曲区别于钢琴手指练习的明显特点。首先，古典练习曲在曲式上往往采用A―B―A的简单三段式写成，其结构清晰明确，易于捕捉。这也是构成任何一部古典奏鸣曲或协奏曲的呈示部的基本音乐形式，在学生还没有能力独立分析一部钢琴奏鸣曲的时候，一首古典练习曲的曲式分析将是最好的练习内容。其次，古典练习曲中的和声进行是以传统和声为基础的，每一个独立的乐句中都能够清晰地分辨出其和声进行。当学生还不具备一定的和声知识时，教师在教学中有必要先将学生所学习的每一首练习曲中的和声功能逐一标注出来，以便于学生彻底理解和弦关系。除此之外，古典练习曲中音乐情感的认知对学生日后学习其他作品尤为重要。还是以车尔尼练习曲Op.740为例，其中许多练习曲是带有明显感情色彩的音乐作品，如第九首“轻巧地跳跃和断音”，其中的主体情绪是欢快、明亮且略带有一些诙谐色彩的舞曲，和其技术要求是相呼应的。试想一下，如果学生在学习过程中以沉重、悲伤的或是其他情绪来练习，那这首练习曲的技术目的就无法实现了。又如第十二首针对于左手的练习曲，其右手的d小调和弦进行部分俨然给了人们一种英雄走向悲壮的进行曲形象，而中间的一段D大调和弦进行又让人们联想到仿佛是英雄在回忆往日美好的生活……虽然是练习左手，可是一定要加入右手所表现的感情才算是真正意义上达到了本课练习曲的要求。第二十七首右手部分中的隐藏旋律和左手和弦进行中的旋律婉转如歌，仿佛是一对恩爱的情侣在以二重唱的形式吟唱彼此的幸福，带给人们的感受是美好、和谐的，自然也就不能以愤怒、激动的感情来练习。诸如此类的古典练习曲还有很多，教师在教学过程中应该细细体会，把曲子的情绪完整地传达给学生，并引导学生在弹奏练习曲的同时由内而外地表现音乐，而不是单纯地机械练习。许多教师在钢琴练习曲教学中往往只重视技术，训练手指技巧的方法千奇百怪，而一两句话就可以令学生以全新的理念来学习练习曲的工作却被忽视。长此以往就会形成一个不可逾越的怪圈，把钢琴演奏艺术变成某种体育运动似的形态。苏联著名钢琴家、教育家涅高兹早在《论钢琴演奏艺术》一书中就提出，应该将音乐形象融入到技术练习当中。针对我国高师钢琴教学的现状，笔者认为，从古典练习曲入手，让每位学生在枯燥的练习之余还能以美好的音乐形象提高音乐修养，是每一个钢琴教师应尽的义务和责任。

二、古典练习曲和浪漫乐派练习曲之间的联系

当学生已经可以以看待音乐作品的理念来对待古典练习曲时，那么教师在整个练习曲教学中的工作就已经完成了一多半。因为按照钢琴演奏技术的发展，在古典练习曲之后必然要接触浪漫乐派的艺术性练习曲。高师钢琴教学中自然不能对绝大多数的学生做出像音乐学院那样演奏整套艺术性练习曲（如肖邦练习曲Op.10或Op.25）的要求，但窥其一二还是完全有必要的。教师的任务就是细心观察每一个学生的身体机能和生理条件，选择最适合学生弹奏的浪漫派练习曲。这里指的“适合”并不是要以浪漫派练习曲来解决学生的某些弹奏技术，而是就学生技术的突出方面选择其能够胜任的曲目。笔者认为，直至印象乐派为止，所有的钢琴演奏技术都可以在古典练习曲中获得。在每学习一首浪漫派练习曲的时候，一定要有几首技术类型和音乐形象都较为相似的古典练习曲作为基础。如肖邦练习曲Op.10第一首和车尔尼练习曲Op.740第十四首，左手的音乐表现形式就极为相似，都是以庄严的圣咏形式为基调，而740第三十六首的右手部分的琶音跨度与肖邦第一首练习曲的右手部分也颇为相近。学生如能顺利地完成这两首740中的练习曲，那么就极有可能在肖邦的第一首练习曲中表现出色。又如李斯特的三首音乐会练习曲中的第三首降D大调UN SOSPIRO（叹息）和车尔尼740中的第十八首练习曲也有着相同的技术要求，都是两只手从容地交叉着行进，触键感觉轻柔优美。再如安东・鲁宾斯坦的练习曲Op.23第五首的前半部分和车尔尼740的第三十八首，同样是以双手交替快速弹奏八度和弦（相似的技术类型在李斯特的十二首超技练习曲中的第八首《狩猎》中也能见到），而后半部分的右手双音部分则能看到克拉默六十首钢琴练习曲中第二十九首的影子。还有斯克里亚宾的练习曲Op.42第三首和克拉默六十首钢琴练习曲中的第十四首都是以练习颤音为目的的，所不同的是克拉默练习曲中每组颤音之间采用的是六连音，而斯克里亚宾则采用的是三连音，但感觉上极为相像。诸如此类的相似之处不胜枚举，有兴趣的教师或学生可以自己进行研究和对比。这种教学尝试其实并不困难，就算视奏能力不强的人，也只需必要的乐谱和一定的音响资料，多听多看，必将令学习效率事半功倍。

以上是笔者在教学生涯中的一些认识，希望能够帮助到更多想在钢琴艺术上取得成绩的高师学生。也许在钢琴教学中还有着许多问题有待商榷和斟酌，但笔者认为，只要本着严肃认真、严谨治学的工作态度，就一定能完成国家和社会赋予教师的神圣使命。

作者单位：太原师范学院音乐系

钢琴教学练习论文:谈数码钢琴教学中哈农与音阶技巧的练习

【摘 要】数码钢琴集体课的多样化课堂演奏形式和丰富的教学内容，可以迅速有效的训练提高学生键盘综合应用能力，能够多出人才快出人才，有利于复合型、高素质跨世纪钢琴音乐教育人才的培养。本文就数码钢琴中的哈农基本练习及音阶技巧谈了自己的看法。

【关键词】数码钢琴；教学；哈农练习；音阶

数码钢琴集体课作为一种新兴的教学模式由国外传人得到愈来愈多的重视，其原因一是由于国内高师音乐教育改革趋势的推动，同时也是受到国外先进教学经验和理论的启发。数码钢琴集体课的多样化课堂演奏形式和丰富的教学内容，可以迅速有效的训练提高学生键盘综合应用能力，能够多出人才快出人才，有利于复合型、高素质跨世纪钢琴音乐教育人才的培养。

在数码钢琴课中，钢琴基础教学就显得十分重要。钢琴基础教学主要包含两个方面：手指基本灵活性的弹奏和手指技术技巧的练习。针对这2个方面我们会使用到《哈农钢琴练指法》这本书，在这本钢琴书里哈农基本练习是针对手指灵活性来练习的，而音阶技巧是对于手指技术技巧的练习。

看到很多的人在讨论哈农练习重要不重要的问题，我发现赞成与否的刚好是对半。这说明国内对于哈农练习的认识还不够，我们认识的很多世界著名演奏家，到现在哈农练习也还是他们每天必做的功课，这说明什么问题？我看过很多老师上课时对哈农练习的要求，我认为都不正确，按他们这样的要求，一条一条的练习，对于学生来说的确是没有什么用处的。我的学生都要求每天做1-20或21-38条连奏的，44条以后的每条起码是反复10遍。那么在数码钢琴教学中我把哈农练习分为四个阶段，在这里我首先介绍第一阶段的练习，第一阶段的练习又分三步走：

第一步：哈农1-20条连奏

为这个练习我专门做了1-20条的省略版，这样就不会让学生在练习的过程中有翻谱的动作。我的要求是一气呵成，开始是用“高抬指快速触键”的方式慢练。在触键动作都符合要求后再加快速度，直到能够做到音色均匀、很清晰、很轻松的完成后，就变换一种触键方式继续按照从慢至快的练习，直至把基本的触键方式在哈农1-20条上都熟练的掌握好。开始练习时由于耐力问题，你可能练习到第8条至第10条会有很疲劳的感觉（我把这种情况称为耐力临界点，这个点是因人而异的），记住，不要停下来，坚持下去就会感觉又有了新的力量，直到把20首都练习完成。这种练习要求每天至少一遍，有时间的话最好是三遍，上午一遍，中午一遍，晚上一遍，每天每遍都用不同的触键方法。第一步的练习时间将会持续将近一年的时间，在这个过程中，你会收到意想不到的效果。

第二步：每条在12个调上跑完

这个练习开始时会很别扭，因为大指和小指不断的要上黑键，黑白键有高有低，一定要控制好手腕的平稳，特别要关注大指的主动性。由于调式的关系，经常会遇见要弹奏两个黑键之间夹缝的情况，记住，一定要做到准确、扎实，不要一味的图快，讲究质量是首位的，音色的均匀是这种练习的重中之重。1-20条都能够在12个调上很轻松的跑动，这时你的手指力度、弹性和耐力都已经产生了质的飞跃

第三步：1-20条双手不同触键方法

第三步的练习主要是学会快速变换触键方式的能力，开始时，你可以一遍只换两种触键方式，如前10条是“高抬指快速触键”，后10条是“低指位快速触键”，然后再逐渐加上“非连音触键”等等，最后是两条一种触键方式。我经常教学中会用上行一种触键，下行又是一种触键，然后是左手一种触键方式，右手另一种触键方式，例如：左手用“指尖跳音触键”，右手用“连音触键”。这样的练习很有意思，让你体会不同的触键而产生的不同音色带来的美感。这个时候你就可以进行第二阶段的练习了，也在这个时候，由于你触键方法的丰富，对乐曲情感的表达能力将会不可同日而语了。

接下来我们说一说音阶技巧的弹奏，音阶是钢琴作品织体中的重要组成材料，弹好音阶是掌握钢琴演奏技术的重要保证。？从技术训练的角度看，音阶弹奏要求每个音级力度均匀一致，所以弹奏音阶练习对于平衡发展手指的控制运用能力具有十分重要的价值。

第一条音阶，可以从C大调音阶开始。音阶练习可以从一个八度逐渐向两个、三个及四个八度发展，具休发展形式可采取变节奏的练习，例如：采用每分钟76-86拍的音乐速度（中等速度），按照四二拍子的音乐节拍律动要求，弹奏一个八度音阶，力求力度均匀一致的四分音符感觉；弹奏两个八度音阶，追求强位音突出的八分音符感觉（一拍内均匀地两个音），逐渐发展成三个八度音阶力求弹出强位音突出的三连音感觉（一拍内均匀地三个音）；直到以后发展为四个八度音阶力求弹出强位音突出的十六分音符感觉（一拍内均匀地四个音）。

正确的顺指法、穿指法和跨指法，是弹好音阶的基本保证。手腕和手臂放松自如，是音阶弹奏平稳流畅的生理机制保证。音阶的变节奏练习，要有明确的节拍要求，切忌“盘子喝水一漫来”的“大写意”无序。强拍音或强位音在哪个手指上，就要突出哪个手指（尤其是四指）。大拇指要灵活并有所控制，不可无序地始终弹奏重音。拇指在音阶弹奏的过程中，要有提前量的任务准备，不可躺在键盘上弹奏。拇指与其他手指的交替弹奏要连贯自然，不可出现间断痕迹。

音阶的弹奏练习可以先分手后合手，练习中要正确掌握指法规律，并做到双手弹奏整齐划一。在音阶提高性的弹奏练习过程中，可采用音乐速度慢快结合、分手与合手交替的学习方法。弹奏音阶时，心中要有旋律性的歌唱，把音阶作为音乐来表现。

在正确熟练掌握C大调音阶演奏的基础上，可以进入G大调、D大调、A大调和E大调音阶的练习。这五个大调音阶的弹奏指法相同，需要特别关注的是键盘位置的变换及黑白键交替的把位手感。

关于音阶的指法、详见《拜厄》和《哈农》。切记音阶弹奏指法的正确固定，以保证弹奏的流畅连贯。音阶练习属于演奏技术材料之建设内容，需要做为日常练习持之以恒。音阶演奏质量的目标追求是运指灵活、反应敏捷并有一定的速度感及颗粒感。

在音阶弹奏质量的优化过程上，要更多地贯穿着“慢练”与快弹的有机结合，牢记速度是在正确的基础上自然地提升上来的，而不是硬逼出来。否则，势必造成弹奏中的僵硬痉挛。清晰、干净、均匀、流畅、颗粒状、歌唱性、平衡自如和节拍感，要始终记在心间并富之于长期实践。

音阶练习，对于初学钢琴者是重要的基本功训练。练习好音阶，需要注意几个方面：

（1）练音阶的重要性：练习音阶很重要，一方面可以提高控制和运用手指的能力，二是可以熟悉指法，巩固记忆；三是可以熟悉键盘位置，熟悉调试及其转换，提高演奏能力。

（2）树立明确的目标：练音阶，首先解决的是一个“立”字，解决五指不立和掌关节发紧，只有苦练才能达到目标。二是学会一个“慢”字。只有会慢练，才能逐渐加强力度，增加耐力，并为以后的加速打下基础。

（3）防止一个"混"字：A大调，#f小调，g小调，C小调，这几套关系大小调，易混淆，指法易错，只有经过反复训练，直练到准确无误为止。

（4）采取分组练习法：将学过的音阶分为四组，每次练琴时先弹两组音阶，再弹乐曲，而后再弹音阶，交叉进行，每组慢练五次，快练一次，逐渐增加次数，来调动练琴的积极性。

数码钢琴教学中哈农和音阶是每一个高师学生需要去练习也是必须去掌握的，只有通过这些坚实的基础训练才能帮助学生提高自身的钢琴弹奏水平。在练习的同时也得要掌握好正确的练习习惯与方法，抓到了方法，获得了习惯，能使学生的钢琴弹奏更上一层楼。

钢琴教学练习论文:钢琴教学中学生良好练习习惯的培养

〔关键词〕 钢琴教学；练习习惯；弹奏；慢速练习；读

随着社会经济的发展，钢琴已逐渐走进了部分百姓家庭。学习钢琴有助于开发孩子智力，培养孩子毅力，拓展孩子艺术视野，已经成为广大家长的共识。但钢琴的学习过程并不像想象的那么简单，其本质上是学生动手动脑习惯的培养过程。著名钢琴教育家但昭义先生对于钢琴练习曾说道：“练习习惯是比练琴本身更重要的素养。”尤其是对于中小学生来说，如何让他们养成良好的练习习惯来渡过练琴的每一个难关，也就成为了一门教学艺术，其也是钢琴教学中需要解决的首要问题。

一、培养学生正确规范的弹奏习惯

大多数中小学生因没有弹琴基础，初学钢琴时，基本采用的是“断奏”，即非连音奏法。非连音奏法的基本要点是：手腕带动手臂慢慢提起，手指自然落下，整个手臂要有挂在键盘上的感觉，第一关节自然站立不能弯，手腕与手背基本持平，不能低于键盘。在整个非连音弹奏过程中，教师要引导学生自然提起手臂并自然落下，发挥掌关节和指关节的支撑作用，触键手指保持自然站立，其他手指则应放松贴键，使整个手臂的力量传送到指尖，以体验“站稳”、“站好”的感觉。在学生有了“站稳、站好”的基础后才能开始“走”的教学，也就是连音奏法的教学。连音奏法的初始练习必须借助高抬指的动作来完成，以增强掌关节的活动能力，提高手指的灵活性。在连音奏法教学过程中，教师要让学生学会把握手指用力方向及爆发力较强的快下键指触，这样才能弹出饱满圆润的声音。

二、培养学生慢速练习的习惯

初学钢琴的中小学生往往会乱弹一气，盲目求快。实际上，学生在初学钢琴阶段不能用过快的速度进行练习，而是要慢速练习。慢速练习是钢琴练习的基础，其可以缓解学生心理压力，有利于学生掌握和巩固奏法，使弹奏更为轻松。练习新曲时，教师应指导学生养成先唱谱后分拍子，先单手练习而后再双手合练的习惯。对于学生已经练熟的曲目，也应要求他们花一定的时间去进行慢速练习，并在练习过程中检查所弹奏的曲目有没有问题，弹奏是否做到了速度均匀，乐曲表达流畅、完整。要通过有效讲解让学生明白：慢速练习是为了更完美地演绎乐曲的内涵，是一种很必要的练习，而保持完整的、等比例的慢速练习，等同于放慢速度的演奏表演，它在检查问题所在的同时，还有着加强力度，提高颗粒性，细化表情的作用。当然，慢速练习不是最终目的，其作用在于让学生有时间去发现问题，思考问题，使学生的双手做好充分的准备，以达到技术上的要求，使每个音保持稳定性，为流畅演奏乐曲打好基础。

三、培养学生用心读谱和动脑练习的习惯

错音、错指法、丢呼吸是中小学生初学钢琴时容易犯的毛病，出现这些问题的主要原因是学生读谱不认真。要解决这一问题，教师应使学生养成良好的读谱和动脑练习习惯。首先，可以让学生把自己的弹奏和教师的弹奏进行比较，让他们从声音上去感觉两者不同之处在哪里，如，错音、表情上的减慢、减弱，以及不同的段落和分句等。然后，要培养学生动脑练习的习惯。在平时的教学中，教师一定要引导学生学会分析和冷静思考，使其养成大声数拍、分拍子弹奏的习惯。最后，教师要善于发现学生在弹奏中的错音、错指法的形成原因。可从他们喜欢的乐曲入手，暂时避开枯燥的双手指法练习，让其从单手逐句练习做起，及时肯定他们的进步并纠正他们单手弹奏中出现的错误，直至他们的单手练习能做到音符、指法、节奏、奏法、呼吸“五不错”，才可以让其进行双手弹奏。

四、培养学生用琴声表达音乐感觉的习惯

钢琴学习的目的最终还是为了用琴声去表达内心音乐感觉，通过演奏去感染听众。为此，教师在强调乐理知识学习的同时，不能忽视对学生音乐感觉的培养。而如果没有规范的弹奏就不会有动人的声音，没有扎实的指法基本功和弹奏技能也谈不上音乐感觉的表达。教师在强调技能训练的同时，要引导和启发学生去想象，去用琴声表达音乐感觉，要教会学生在正确区分音乐“顿连”的基础上准确把握弹奏的强弱，以更好地表现音乐形象。

钢琴教学练习论文:车尔尼24首钢琴练习曲(作品777)研究与教学

【内容摘要】车尔尼是奥地利著名的钢琴家和作曲家，他所作的钢琴练习曲在钢琴学习中具有不可替代的地位。通过对车尔尼钢琴练习曲的分析，我们能够感知他的音乐才能以及学习练习曲的重要性。

【关键词】车尔尼 练习曲 钢琴学习

车尔尼，奥地利著名的钢琴家、作曲家和音乐教育家。他出生于维也纳，是19世纪上半叶维也纳钢琴学派的创始人。车尔尼从小学习钢琴，并被称为具有“非凡才能”的学生。作为贝多芬的高徒，车尔尼于1812年演奏了贝多芬第五钢琴协奏曲《皇帝》，并能背谱演奏贝多芬的全部钢琴作品，对贝多芬的作品起到了积极的宣传作用。车尔尼很快就成为了维也纳最著名的钢琴教师，他的学生弗朗兹·李斯特、莱谢蒂茨基、库拉克都成为了钢琴家。

作为钢琴教育家，车尔尼一生创作了1000多部音乐作品，内容涉及当时音乐创作的所有领域，包括歌剧。在这数量极大的作品中，流传至今并依旧被人们采用的有那近80集数以千计的练习曲。从技术课题之丰富、数量之众多及教学中的实用性来看，直至今日仍堪称世界上最出色的钢琴教材体系。这些练习曲是车尔尼以自己丰富的教学经验并付出了毕生精力写成奉献给后人的一笔无价之宝，开启了几代钢琴家们的智慧和潜能。

对初学者而言，指法错误是正确演奏钢琴过程中的重大障碍及严重危害之一。无论学生手的大小如何，严格的指法练习会对其以后的钢琴演奏有很大帮助。正确的指法习惯应在简单的曲目学习中就有意识地培养。

车尔尼24首固定五指练习的钢琴练习曲（作品777），是专门为少年儿童编写的简易钢琴曲集，主要训练和解决右手固定指位的弹奏技巧和手指在不同节奏、不同音型下的反应机能。整个教材共24首简短小曲，并在C、F、G、D四个调上构成，每首乐曲的旋律都十分优美。右手的旋律完全在五指固定的范围内，对于右手5个手指的独立性有非常有效的帮助。在不断的教学过程中，笔者发现这24首练习曲对于左手和弦、音程、琶音等固定指位设计均有巧妙之处。

练习曲的排列顺序为：1.C大调练习曲（第一首至第六首）；2.G大调练习曲（第七首至第十二首）；3.D大调练习曲（第十三首至第十八首）；4.F大调练习曲（第十九首至第二十四首）。

本作品集以固定右手五指位置为主。所谓固定位置，表示手摆好后没有转换的指法。本集只用了C（do）—G（sol）五个音，在练习的过程中只需要将5个手指对准相应键盘位置就可以练习。右手在练习过程中手臂、手腕要保持平稳，要明确用指尖去找键盘使声音平均清晰，声音间应保持连贯，乐句线间注意抬手动作。

这部分中最有特色的就是左手的伴奏音型，分为以下几种：1.柱状和弦形式；2.分割和弦形式；3.分解和弦形；4.短琶音形式；5.综合运用形式。这几种伴奏形式贯穿了24首练习曲，以下笔者着重分析左手和弦指法编排的特点及练习方法。

第一首（柱状和弦形式）

练习提示：和弦的练习一定要正确使用手臂的重量，特别注意左手指法顺序的变化。通常我们在弹原位三和弦时用5、3、1指法顺序，但在这条曲目中左手1至3小节的原位三和弦的指法为4、2、1，第四小节为C大调Ⅴ级和弦的第一转位，使用的指法为5、3、1，在练习过程中要特别提醒学生注意。在本首乐曲中出现了和弦半连音的标记（在左手2、4、6小节中），练习过程中要重点体会弹奏方法的转换。

第二首（柱状和弦形式）

练习提示：左手演奏方法同上，注意一至四小节的和声变化Ⅰ—Ⅴ7—Ⅰ根据和声变化指法也发生了变化，主和弦的指法恢复了常规5、3、1的使用，第三小节的指法使用了５、２、１指，这样就可以解释第一首曲目与第二首编排指法的区别了。

第三首（分割和弦形式）

练习提示：左手在练习过程中手臂、手腕要保持平稳，要明确用指尖去找键盘使声音平均清晰，注意和声的连接的变化，指法是第一首与第二首曲目三和弦的分割混合运用。

第四首（分解和弦形式）

练习提示：左手由断奏动作转换为连奏动作，在练习过程中要注意掌心动作和指尖的配合。开始练习时所有手指动作高度一致，下键力度统一。在进一步加快时要注意5指、3指动作主动，大指尽量贴键弹，这样才能达到最终的练习目的。

第五首（短琶音形式）

练习提示：左手前两行演奏动作为连奏，最后一行的演奏动作为断奏。连奏时注意练习重点在4指和5指。一定要注意4、5指是否站稳，声音是否到底。准确使用指法，合理利用手臂重量、认真体会重量在不同手指指尖的转换，是练习好这首曲子左手部分的关键。

第六首（综合运用形式）

练习提示：所谓综合运用形式就是前四种形式的综合出现。在练习时不要急于练习本首曲目，应该把前5首曲目的左手部分各练2—4小节，体会每种形式手的动作感受，然后再练习本首曲目的左手，同时注意各种演奏形式在相互转换时手动作的准确性，这样才能达到最佳的练习效果。

以上五种形式始终贯穿这24首练习曲中，在NO.9、12、13、14、18、19、20中出现了用4、5指延音的情况，在练习上一定注意保持够拍子，不要让手指提前抬起或松开。

在右手的练习上，要注意手的连断动作的变化，让手保持正确的弹奏方式。需要特别提出的是在NO.6、9、20、22出现了短倚音，在练习时可以先把装饰音省去，当熟练掌握旋律的节奏时再把这些小音符加入到旋律中去。这样能最大限度避免由于装饰音的出现造成的节奏混乱。在NO.24出现了类似顺回音的装饰音形式，音符都为32分，很容易让学生误解为速度要很快，这种追求速度的弹奏不仅使声音不均匀、不清楚，而且容易造成肌肉紧张使声音僵硬。为了有充分的时间来弹装饰音，笔者建议，学生在练习初期一定不要速度过快。四个音的装饰音作为一拍来弹，与左手的第三拍最后一个音对齐，均匀弹满一拍。弹奏时不要太着急，应保持节奏的平稳，顺畅的与主旋律连接起来。本套曲目是基础性的练习，所以在练习过程中还是要以手部动作的准确性作为关注点，加强手的演奏机能，使练习曲中的每个乐句演奏的线条清晰，乐句优美，真正把技术和音乐结合起来。

作者单位：天津艺术职业学院音乐系

钢琴教学练习论文:李斯特练习曲《叹息》的钢琴演奏与教学

摘要：李斯特，匈牙利人，19世纪伟大的音乐家、钢琴家和指挥家。在创作和演奏上都取得了令人瞩目的成就，尤其是交响诗与标题音乐这一体裁的创立，作品音乐会练习曲《叹息》这一形式的具体表现，也是李斯特在魏玛时期的经典之作，也是练习曲体裁革新标志，打破了传统的纯技能训练实践，赋予了练习曲丰富的想象力。

关键词：李斯特 练习曲 《叹息》 钢琴演奏 教学

高难度的专业演奏技巧和生动的音乐内容能够提高练习曲的欣赏程度，把练习曲提升到了一定的境界，成为演奏家在音乐会上经常出现的曲目。《叹息》这首作品虽然是练习曲，但它的艺术价值和研究价值是不容忽视的，让人们在领略李斯特作品的炫技之外再次感受艺术之美。本文通过对《叹息》的表现及李斯特音乐作品的分析来体会李斯特音乐创作中的技术、内容与形式的完美统一。

一、李斯特音乐会练习曲《叹息》的演奏分析

（一）创作背景

从19世纪20年代起，直到60年代，李斯特都一直致力于钢琴练习曲的写作。期间李斯特创作的钢琴曲多数都能反映他的钢琴炫技的艺术特点，他把乐曲所要表达的艺术情感和钢琴技术的表现形式做了完美的结合，打破了以往练习曲中的长且单调的传统练习方式，把演奏技巧融入到诗画中，以便更好理解。同时，李斯特还将他大多数的练习曲都附加了标题。如：《钟声》《叹息》《森林的呼啸》《侏儒之舞》《玛捷帕》《英雄》《狩猎》《鬼火》《幻影》等等，栩栩如生、鲜明动人，使之适合在音乐会上演奏，所以这些练习曲又被称为音乐会练习曲。《叹息》（Un So Spiro），降D大调，深情的快板，是1849年出版的《三首音乐会练习曲》之三，李斯特以《诗意的随想》为题标注其上，其中包括《哀诉》（Il laments）、《轻盈》（La leggier）和《叹息》。《叹息》是这一组练习曲中最著名的、最具独创性与歌唱性的作品。

（二）创作风格

李斯特的练习曲不同于其它练习曲光注重技巧练习，也非常注重情感的表达，情感是李斯特练习曲中一大特色。这是一首令人感动的练习曲，折射出作者丰富的情感表达。这首练习曲旋律十分优美，通过一连串琶音跑动进入主题，琶音的跑动以及主题都是用左右手交替完成，对于练习左右手的衔接非常重要。连续不断的分解琶音从头到尾保持着，有如荡漾的涟漪，一条如歌的旋律在其之上由两手交替着奏出，令人产生无限的遐想。虽然是断开的音，但却犹如歌唱一般柔美。就像在云彩的阴影下水面忽明忽暗，在风的吹拂下波浪时高时低。那如歌的旋律被李斯特一会儿放在伴奏音型之下，一会儿又夹杂于其中。乐曲的优美旋律倒是颇有田园意境，优美的旋律中，仿佛乘着一艘小船，在一望无垠的大海上慢慢的飘荡，那会有一种难得的闲逸、清静。大量的分解琶音，和弦的美妙变化带动旋律线的起伏，如同人的思绪，纵然再多的怀念也只能化作一丝丝叹息。随着调性与和声色彩的转移及音区的变换，音乐的情绪也随之起伏变化，层层推动着音乐，使人仿佛置身于一片广阔的天地之中，展现了大海宽阔的胸怀。结尾上不可思议的下行全音阶的大三度和弦，正如黑暗中发出的一声叹息，曲终发生的叹息，孕育着叹息后的升华，仿佛给人意犹未尽的感觉。这首需要两手交替演奏主旋律、并辅以轻柔的琶音伴奏的曲子是李斯特极至浪漫主义的极好体现。这华丽的奏法，是李斯特的后浪漫主义风格和炫技演奏的最好证明。

（三）演奏技巧与节奏

作品《叹息》的节奏是非常灵巧的：主题旋律部分是建立在四四拍的基础上，更加规范化。有趣的是伴奏的节奏更像散落的节奏，演奏时注意（rubato）的节奏特点：作品《叹息》中附点节奏和六连音相对以及复附点节奏和七连音对应，对于这种复杂的节奏的处理需要一些自由表演。特别是延长记号的注释标记，让音乐有一种深呼吸的感觉，想说但什么都不说：

作品《叹息》的技巧并不难，它必须需要认真研究和反复的推敲琶音、音阶、双音快速的半音级这样的技巧和音乐内涵吻合。技巧与音乐的高度是李斯特作品重中之重。而音乐与技巧的结合，可以起到最佳的效果。与之相反，完美的技巧能充分表现音乐的魅力。因此，钢琴演奏的最高水平是使音乐的技巧服务于音乐。作品《叹息》由不同的琶音组合而成，演奏中要注意灵活性和预见性。

钢琴演奏中，节奏是钢琴演奏的基础表现形式，在演奏中占有无可厚非的重要地位，要想演奏中节奏运用的自如，不仅要掌握最基本的钢琴演奏理论做铺垫，同时还要对作品的创作风格有深度的了解。因此，节奏决定音乐表演的成功与否。

二、李斯特音乐会练习曲《叹息》的教学研究

在钢琴教学中，演奏技法的训练是非常重要的。好的演奏技巧会引领演奏者进入更为广阔的艺术殿堂，那么完美的艺术想象也会因为缺乏技术的支撑变得蒙上阴影。钢琴学习者必须通过正式和严格的技术训练，形成一个良好的演奏技习惯，以获得一个正确良好的演奏状态。

作品《叹息》是一个温和的快板allegroaffettuoso。对该段进行初步的分析，《叹息》的谱面上有很多的表情记号，如：节奏要求，强弱要求，速度标记，触键要求，踏板技法，声音的色彩要求等演奏方法的指导教学。在教学中，老师要按照作曲家的创作意图来引导学生如何对待表情符号，明确表情符号的正确意图，不能模棱两可，不求甚解，做到心中有数。以便更好地诠释作品，这是钢琴教师的职责。

李斯特《叹息》是一首具有艺术价值和技术价值的作品，突破了传统的纯技能训练实践，赋予了丰富的想象力和情感。降D平深情的快板，主题突出、优美、生动，具有强烈的艺术感染力，深受人们的喜爱。随着现代科学技术的发展，录音技术变得越来越丰富。作品《叹息》的音频版越来越多。这是延伸与创作的重要关系。

随着现代科学技术的发展，自动钢琴也似乎能演奏出作品的原有的风格特征。然而，人们仍然喜欢由演奏者来演奏，这表明二度创作不是一个机械模仿的音乐，而是更为重要的音乐创作。音乐表演的二度创作，必须实现原有风格的和创造性的统一。其真实性是诠释正确的解释，理解作曲家在特定历史时期的音乐风格，把握好作品的体裁和音乐的内容。创新指的是在原有的基础上，通过自己的理解与诠释，把音乐的本质与自己的演奏完美的结合，使演奏出的作品更为丰满和生动，为音乐增添新的色彩和魅力。真实性是创造的基础，创造力是决定音乐表现价值的关键。二度创作是传播者与创作者的艺术纽带，忠实于原作的同时，更加完美地发挥自己的创造性的风格特点，实现作品真实性与创造性的完美统一，才能真正进入音乐表演的理想境界。

钢琴教学练习论文:关于钢琴教学中儿童练习方法的思考

摘要:音乐是一扇通向人们创造思维和形象思维的窗口,为了儿童智力的早期开发,音乐教育己越来越引起人们的重视。本文就如何科学地让儿童练习钢琴提出了自己的看法和建议,希望能够起到抛砖引玉的作用。

关键词:儿童;钢琴;练习方法;思考

一、前言

音乐是一扇通向人们创造思维和形象思维的窗口,音乐教育己越来越引起人们的重视。许多研究实验证明,手指的精密运用,会成为儿童智能发达的基础,这也许是国外钢琴如此普及的重要原因之一。儿童钢琴练习方法的差异,直接关系到孩子在钢琴领域及其他领域中良好学习习惯的培养和学习成效的获取。本文就钢琴教学中儿童钢琴练习方法提出自己的一些思考,希望能起到抛砖引玉的作用。

二、如何科学地让儿童练习钢琴

1.读谱与视奏

在拿到一首新谱时,首先要看“三号”,即谱号、调号、拍号,注意谱面左方的谱号――是高音谱表,还是低音谱表。之后看调号――一个升还是一个降、还是几个升降记号,先通过音级的实际弹奏效果分析、研究乐曲的调式、调性。然后便是看拍号――1/4、2/4、3/4、3/8、6/8……接着认真译出谱子左上角的速度、表情术语后,便可按要求视奏了。

视奏时要注意以下三点:首先,音要准确。儿童趋向形象记忆,在识谱过程中有时会出现临时“短路”的现象,这时可以“定位记忆”,即记住高、低音谱表中线间的音名,如一线mi、二线sol……一间fa、二间la等等。在视奏训练初期,可分三个层次来进行练习,第一层只识别音位,弹奏出新谱中每个音的音位,辨别熟练后再进行节奏训练,主要的方式是数拍练习,将每一音符的时值辨别清楚,做到心中有数,最后再将两者进行自然结合,长此以往地训练,儿童读谱即可做到又快又准,为他们以后的新谱阅读能力打下坚实的基础。其次,装饰音如上、下回旋音,上、下长颤音及各种强、弱、渐强、渐弱、渐变快慢等记号要看清。另外,在主调音乐中,伴奏声部弱于旋律,双手力量比例可通过不断地磨合逐渐协调;而在复调性质的乐曲中,首先要分清声部,并分声部按指法进行旋律练习,然后再进行合手练习,只有这样才能有初步的层次感。总之,要认真、仔细地读准谱面上的各种符号。视奏可以进行分解练习,即分段、分句、分手、分声部甚至以小节为单位及打破小节线进行反复练习,在分解练习后再进行局部的合成。局部合成的过程既是一个将陌生曲目练熟的过程,也是按乐谱上音乐术语、各种符号对作品进行处理、加工的过程。切忌从头到尾一遍遍地进行“演奏”练习,要注重提高学生的练习效率。

2.练琴

视奏几次后,又会发现新的问题,可一边练琴一边解决问题,练琴时有以下几点要领必须牢记:

(1)背谱

能熟练地进行视奏后就可背谱了。其一,背谱前把谱号后的调号认清,根据调号分析出调性,这样背谱就方便得多。其二,要仔细分析和声:和弦的性质、和弦的走向(即连接)、和弦的分解等,根据旋律记忆和弦,这样背谱要快得多。

(2)难点攻破

①儿童练琴须先找出乐曲中的技巧难点反复练,这时要慢练,因为慢练是解决一切难点的唯一办法,慢速练习的最大好处是来得及想、来得及看、来得及去准备,有时间去调整问题,待到慢速练熟了,再逐渐加速练习,最好是对齐节拍器上的节奏一格一格地进行练习,慢速、中速、快速、超速都应进行练习,只有这样才能有效解决难点技巧。

②在练习中,一定注重分手练习,分手不熟练,合手是不可能“百发百中”的。尤其是节奏、音的组合等较难的部分,双手节奏相互依靠着弹奏不能解决根本问题。这是儿童练习过程中最容易出现的侥幸心理。并且乐曲弹熟练后也须常分手复习,只有心中乐谱达到纵线条横线条一样清晰,弹奏起来才能做到“心中有谱”、“胸有成竹”。

③将乐曲中的乐句、乐段、乐章分清楚,甚至把每个乐节都分析清楚,这样―来,练琴才能有根有据、有效率。

④当你把每个音都能弹得清清楚楚;每组节奏都能弹得稳稳当当;每个乐句都能处理得有条有理;每个乐段都能弹得有声有色;每个乐章都能弹得有始有终…这样,才算是练熟练了。

3.处理

待这些完成以后,再次仔细研究一下乐谱,进行认真地分析、思考,使该作品的演奏能进入更高的层次,即乐曲的处理。它是由技巧走向艺术表演的必经之路。

(1)了解并分析作品的时代背景、作者的人文个性、乐曲的写作动机以及作者对作品中所刻画的人物、外景、思想感情等等,只有这样,才有可能把作品处理好。

(2)钢琴教学中,必须给予学生必要的和声、曲式分析的能力,才有可能在弹奏中进行作品的再创作。

(3)在上述情况下,即可考虑演奏者本身的条件、感觉、能力、喜好、理解等等把乐曲本身的要求和演奏者本人的主、客观条件结合在一起,将演奏者引入再创作的境界。之后,即可加速、成型。

整个乐曲完成之后,必须时常复习,隔一个星期复习一次,然后,隔二个星期再复习一次,再隔一个月、二个月、乃至一年之后再拿出来,不断地复习,便可保持记忆犹新。切忌在弹新曲子时将旧曲子搁置一旁,使旧曲子失去了在脑中重新回忆的机会。辛苦背的东西,不复存在了,这是非常可惜而可怕的事情。因此,教师要教给儿童保持永久记忆的方法。

三、儿童钢琴练习方法值得注意的地方

1.演奏的动作

人的生理结构不同,有些人手长,有些人手短,手掌(包括手腕)也有宽和窄的差别,手指当然也存在长短的问题,这样就很难确定唯一正确的弹奏方法,我认为最重要的是能因人而异,所以,应把注意力放在动作的柔韧和放松程度上,即将胳膊的所有关节都利用上(活动开),刚刚入门的儿童都普遍存在胳膊僵硬的问题,僵硬的动作当然是不可能弹出优美的声音的,而且在一定程度上限制了孩子技术性的发挥,纠正不正确动作的这一过程是非常重要的,由于在最初的练习中胳膊的肌肉已将错误的动作牢牢“记住”。因而需要花费大量的时间和更多的精力去纠正,为了避免再次纠正的必要,最好从最初开始练习是就让儿童认真仔细地注意胳膊的放松感的把握。

2.要尽早地同时练习弹奏黑、白键

儿童初学阶段在弹练习曲或乐曲时,不仅要弹没有升、降号的c大调,也应尽早地学习一些有少量升、降号的大、小调,早一些接触黑键。弹奏黑键的要求与弹奏白键相同。比较早地接触黑键,可以使学生消除弹奏黑键的特殊感和恐惧感。在同时有黑白键的演奏中,要让学生的手有一个正确的位置。弹奏白键时,把触键位置放在比较靠近黑键的地方,不要过于靠外;弹奏黑键时,则把触键位置放在比较靠近白键的地方,以便于交替地弹奏黑白键。这样的触键位置必须从小练习,使他们在弹奏中不致因为有黑白键交替而使手里里外外地移动,造成多余的动作,破坏基本手型,同时不会破坏音乐线条的平滑和连贯。

3.大脑、听觉、视觉、运动神经的综合练习

即使是教学最初阶段,在最简单的课程中都应该尽早地使学生能够把自己的大脑、听觉、视觉和运动神经各部分机能有机地结合为一个整体。如在一开始的视奏中,就训练学生能在眼睛看着乐谱的同时,一边用手准确地在键盘上找键,并能辨别钢琴所发出的音响与谱面所表述的音程关系的图形是否对应的能力。同时,也要练习学生背谱、记忆的能力。在背谱时,既有听觉的记忆,又有视觉的记忆。这些练习,在以后的学习过程中,对学生视谱、记忆、演奏机能的发展,以及大脑对各部位的控制能力都会大有好处的。

4.内心节奏感

内心节奏感是音乐感觉最重要的组成部分,是近乎下意识的节奏感觉,必须经过练习才能逐渐形成。当然,它也是人们有意识地进行练习的结果,并不是完全不受人的意识所控制。

广义的音乐节奏,不是节拍器式的机械节奏。完全跟着节拍器去演奏,势必会失去音乐的灵魂。例如切分音,其长音常常是节奏的中心,前后两个音都倾向于它,前后两个音都很有弹性,而落点是长音。这种节奏感觉绝不只是用绝对准确的时值计算就能表达的。

钢琴教学进行的全过程也是教师教授、儿童学习如何练琴、如何提高练习效率及如何养成良好练习习惯、获得良好学习方法的全过程,在此过程中教师起到的是引导、疏通、协助的作用,教与学的方法是否科学,直接关系到教师的教学效果和学生的学习效率,因而我们必须重视钢琴教学中的儿童练习方法的教学。

钢琴教学练习论文:钢琴课集体教学练习探讨

【内容摘要】数码钢琴集体课教学虽然具有许多明显的优势，但习惯了传统钢琴个别课教学的教师对其仍有顾虑甚至偏见，已有的知识结构与教学能力亦不能适应新的教学工具和教学形式，教学过程中还有许多难点和具体问题尚待解决。作者针对以上问题，在本文中提出了自己的见解和建议。

【关键词】数码钢琴集体课观念难点对策

世界著名发展心理学家霍华德?加德纳指出：“每一门类的艺术，都有其最适当的教育形式。”师徒传授和集体授课“这两种方式的差别，在任何领域里都不会像在艺术领域里那样明显。没有几千年也有几百年，学生总是通过师徒传授的方式学习艺术。”（见《多元智能》P.146－147，新华出版社1999年10月版）长期以来，无论是在学校教育还是社会教育中，钢琴教学几乎都是清一色的师徒传授式的个别授课，高师音乐系科也概莫能外。近年来，随着招生数量的逐年增加，钢琴教师课量剧增、招架乏力。如果继续沿用传统的个别授课方式，势必要大量增加教师的编制，大幅度提升培养成本。数码钢琴集体课的引入犹如雪中送炭，为合理有效地解决这些矛盾开辟了一条崭新的途径。越来越多的学校和教师已认识到数码钢琴集体课的优越性，有条件的学校也陆续配备了数码钢琴教室。经教育部艺教委牵线搭桥，国外键盘集体课教学专家数次应邀来华讲学，国内部分教师也先后出国研修。许多高校把数码钢琴集体课教学作为重点研究课题，已有一批研究成果相继问世。数码钢琴集体课的优越性和强大的生命力在中国已得到初步的展示。

关键在于观念的更新

随着高校办学实力的提高和设备投入力度的增加，高师音乐系科配备数码钢琴教室早已是题中之义了。但推广数码钢琴集体课教学形式还存在着一些阻力，其中关键问题不是硬件投资，而是教师的观念转变。

1、数码钢琴能不能达到传统钢琴那样的练习效果？

由于对数码钢琴缺乏必要的了解，加上数码钢琴与传统钢琴在音质和触感上仍有明显差异，许多钢琴教师觉得在数码钢琴上找不到传统钢琴那样的触键感觉和声音效果，认为数码钢琴的练习不能替代传统钢琴的练习。

对于数码钢琴的弹奏效果，不宜片面地看待。数码钢琴在触键感觉及音质上与传统钢琴确有差异，但这种差异不仅与琴的类型和结构有关，也与演奏者对其不熟悉、不适应有关，经过一段时间的使用和磨合，驾轻就熟了，同样可以得心应手地演奏。实际上，传统钢琴也并非每一架弹起来感觉都一样，换琴以后照样有适应不良的问题。即使在同一架钢琴上，也不是只用一种固定的触键方法和感觉来演奏，而是随着音乐表现的需要不断进行调整的。在传统钢琴和数码钢琴集体课教学方面均卓有成就的美国著名专家罕娜教授认为，数码钢琴和传统钢琴在触键上并没有太大区别。她说，触键是在你的身体，你的手，你怎么去用它，发挥它的优点，而不在于你弹的是什么琴。

其实，人无完人，物无完物，世界上从来就没有十全十美的事。数码钢琴目前虽然不能完全模拟传统钢琴的音质和触感，但它毕竟是一种发展中的乐器，反过来说，传统钢琴也并非尽善尽美，它比数码钢琴笨重，还要经常调音等，也给人们带来许多不便。随着电子技术和制作技术的发展提高，也许将来有一天数码钢琴不仅可以把传统钢琴模拟得维肖维妙，而且还会以其强大的软硬件功能和丰富多彩的声音变化使传统钢琴相形见绌。

2、集体教学能不能保证良好的教学效果？

有的教师对集体课教学形式持怀疑态度，担心它会影响教学效果。毋庸讳言，集体课在技术训练的精细程度上和因人制宜地解决问题方面的确比不上个别课。但教学效果的好坏取决于多方面的因素，如教师的能力、态度和教学方法的优劣，学生的素质、程度及练琴时间的多少和练习质量的高低，师生之间的合作状况等等，教学形式不过是其中一个方面而已。好的教师可能把集体课教得很好，而差的教师则可能把个别课教得一塌糊涂。所以我们显然不能只凭教学形式一个方面去全面推断教学的整体效果。

平心而论，个别课与集体课都有自己的优势与不足，个别课的优势正是集体课的不足，反之，集体课的优势也正是个别课的不足。因此，它们都有其存在的合理基础，谁也无法完全取代对方。正确的关系应该是扬长避短、优势互补、长期共存。退一步说，即使个别课确实比集体课教学效果好，但随着招生人数的扩大，如果还是只上个别课，现有的钢琴教师人数将会严重不足，授课量将会大量增加，老师们疲于奔命，又如何能保证良好的教学效果？

教学形式的选择还与培养目标和要求有关。我国著名音乐教育家赵沨先生曾指出，多年来师范院校老是向音乐院校看齐，在培养方式上重一专而轻多能，有的学生虽然能弹奏一些较高程度的独奏曲，但却不会弹奏简单的即兴伴奏，结果是既不能上舞台，也不能上讲台。这种状况必须加以改进。高师钢琴必修课是一门专业基础课程，它的目标不是培养专业的钢琴演奏家，而是把钢琴作为其它专业课程学习和日后教学工作的辅助工具。因此，数码钢琴集体教学在高师钢琴基础课培养目标的定位上更为合理，对学生综合音乐素质和实际工作能力的培养也更为有利。

国内数码钢琴集体课教学刚刚起步，尚处于探索试用阶段。由于对该系统的硬件结构和软件功能开发利用还不够充分，新的教学法体系和教材体系尚未完全建立，许多教师仍然沿用个别课的教材和教法上集体课，所以教学效果的改善还不十分明显，集体教学的优越性还未得到充分的展示，这也是一些教师对数码钢琴集体课缺乏信心的原因之一。任何事物发展都有一个过程，随着数码钢琴集体课的推广和普及，将会涌现出大批熟练掌握软硬件功能和集体课教学法的优秀教师，编写出一批经得起实践和时间检验的科学化、系统化的专用教材，那时我们才可以更加客观理智地评价传统钢琴个别课教学与数码钢琴集体课教学的优劣。今天，数码钢琴集体课就像一个诞生不久的婴儿，我们应该对其倍加呵护，精心培育，而不应只是站在一边冷眼旁观、说三道四。

3、现有的钢琴教师能不能适应新的教学工具和教学形式？

对数码钢琴集体课抱有疑虑和偏见的教师，其中许多人对这种乐器及其教学形式、内容、方法和教材等缺乏基本的认识和了解，不具备担任该门课程的足够能力。还有一些教师因循守旧，固步自封，不愿意接触新的领域、新的技术和新的教学手段，习惯于以一成不变的方式进行钢琴教学，当教学工具和形式发生变化后，不是积极主动地学习和了解，而是简单地加以评价和排斥，或者觉得多一事不如少一事，懒于开拓新的研究领域。由于集体课教学不仅要求教师掌握新的教学设备、教学形式和教学手段，具备更加广泛的专业技能和广博的知识修养，而且要求教学的计划性、系统性和科学性更强，因此教师的备课量将会明显加大，工作强度也要比个别课大得多，这也使得一部分教师因为怕苦怕累而畏缩不前。

青年教师容易接受新的事物，正处在学习提高的黄金时期，他们应当成为教学改革的生力军和数码钢琴集体课教学的中坚力量。虽然他们过去接受的是传统的教学体系，但数码钢琴集体课并不排斥已有的知识和技能，只是这些知识和技能还不足以应付新的教学形式而已。只要好学上进、刻苦钻研，一大批数码钢琴集体课教学专家将会从他们中间脱颖而出。我们对此应当抱有充分的信心。

集体课教学的难点与对策

1、程度差异

学生程度参差不齐、进度快慢不一是集体课教学的首要难题，也是教师们最为头痛的问题。无论在任何学校开设的数码钢琴集体课上，学生程度的一致都是相对的，而差异却是绝对的。不仅同一个班的学生程度不一，即使同样程度的学生，经过一段时间的学习，也会逐渐拉开距离。数码钢琴集体课的教学，正是建立在这样一个基点上。因此，忽视或者回避这个问题的态度都是不可取的。

为了维持集体课的教学形式，学生的作业与进度必须保持基本一致，而学生由于天赋、能力、用功程度等因素所造成的程度和进度的个体差异难免与其发生冲突。学生程度差距过大，教师就很难布置共同的作业。如果根据学生不同的程度布置不同的作业，则无疑于釜底抽薪，集体课也就名存实亡了。

根据国内外集体课教学的成功经验，解决这一问题比较有效的方法是：

（1）先考核，后分班。在编班分组之前对学生进行考核，按照学生的演奏程度进行分组。

（2）及时调整。学习一段时间后，要根据学生进度和程度重新调整班组。

（3）提供补救措施。对进度较慢的学生进行重点辅导，给进度快的学生提供附加作业。这样既适应了学生的个别差异、人尽其才，又有效地缓解了两端学生“吃不饱”和“吃不了”的矛盾。

（4）加大重奏合奏的比重。根据学生不同的程度选用或编写重奏、合奏谱，让程度低的学生演奏浅易的声部，程度高的学生演奏较难的声部，使大家都能胜任愉快。

（5）每组人数要适中。通常以12－20人左右为宜。人数太多了难以保证教学效果，太少了集体课教学的优越性又体现不出来。理想的情况是开始人数较多，随着学生程度的提高而逐渐减少。

2、教材建设

数码钢琴集体课在教学内容和教学方法上不同于个别课教学，它增加了乐理、和声、视奏、即兴演奏、即兴伴奏等学习内容，补充了重奏、合奏等演奏形式，融入了世界最新的教育理论和优秀的音乐教学法，因此很难完全照搬传统的教材体系和教学法体系。现在国内已有一些院校尝试编写了部分教材，但似乎仍未跳出传统教材的框架，仅仅做了一些局部的改良，而没有整体性、革命性的转变。所以教材问题至今仍是制约数码钢琴集体课教学效果的瓶颈。

没有一套科学、系统和成熟的教材，完全依靠教师个人的努力去选择和补充教材，很难保证集体课的教学效果。为了构筑科学的数码钢琴集体课教学体系，必须下大力气编写出适合国情的集体课教学专用教材。好在我们处在改革开放的新时代，信息的获取和交流越来越方便快捷，国内外优秀的集体课教材编写思路和经验都可以兼收并蓄，为我所用。在学习、借鉴和研究、实验的基础上，经过不懈地努力，一批具有中国特色的、科学实用的数码钢琴集体课教材的问世指日可待。

3、教法更新

集体课教学赖以存在的基础是系统讲授、共同作业和集体回课。它们三足鼎立，共同支撑着集体课的开设和维持，决定着集体课的优势和效率，因此，其中任何一项都不能被弱化或取代。

1)系统讲授。著名教育家布鲁纳指出：应该在教学中强调观念的直觉理解以及这些基本观念的运用。一门课程在其教学进展中，应反复地回到这些基本观念上来，以这些观念为基础，直至学生掌握与这些观念相适应的完整的体系为止。数码钢琴集体课的教学必须把握教学系统和结构的完整性，注重基本理论、基本内容和基本方法的传授，而不能有太多的主观随意性和即兴性。教师要按照事先拟定的教学计划，有步骤、有重点地讲授演奏理论与技巧方法，并采用螺旋方式在不同的程度上反复地强化基本概念和要领。要改变保姆式的教学方式，着力提高学生的学习能力，引导学生对所学知识技能融会贯通，举一反三，自我发现问题和解决问题。个别课也讲究科学性、系统性，但要把那些老生常谈的基础性概念和要领给每个学生系统讲述一遍甚至多遍，教师常常会感到无趣和乏味，所以容易头痛医头，脚痛医脚，骑驴念唱本——边走边看。而在数码钢琴集体课上，面对一组学生，教师讲授的兴趣和积极性普遍容易提升，因此学生可以获得更加系统和全面的知识与技能。

2)共同作业。如果没有共同的作业，课程就没有统一的进度，教师就难以组织教学，集体回课也就无从谈起。

古语说，预则立。集体课布置作业时必须要有预告，要保证所有学生在独立练习前都做到心中有数。个别课布置作业时，有些教师往往缺少必要的提示，使一些可以事先避免的错误得以发生，等学生回课时才去逐一解决。集体课如果这样做，回课时学生出现的问题就可能五花八门，解决起来就没有个别课那么容易了。数码钢琴集体课的教师不能满足于做事后的诸葛亮，而要通过尽可能全面的预示，把大部分可以避免的错误消除在发生之前或萌芽状态。教师在布置作业时对音乐内容与技巧方法要进行详尽的分析，对那些经常容易出现的错误和问题给予事先的提醒，对要点与难点做出清晰的讲解与指导，并通过示范与模仿让学生弄清其中一些关键性的概念和要领，使学生不仅知道练什么，还能知道怎样练，练成什么样。只有这样，才能大幅度地减少学生练习中的错误，提高学习的效率，教师上课时也不至于那样劳神费力。

3)集体回课。集体课绝不能变成集体化的个别课。但一些习惯了个别课教学的教师在上集体课时，往往还是新瓶装旧酒，跳不出个别教学的圈子，回课时仍然以挨个检查作业、单独纠正问题为主。这就使得教师东奔西跑、手忙脚乱，时间还不够用，而大多数学生又坐在一边无事可干。这样的教法肯定吃力而不讨好，自然不能充分发挥集体教学的优势和特点。

集体回课并不是要一直让学生大齐奏，而是要交替运用齐奏、轮奏、独奏、接力、分组竞赛等方式，强化集体课的群体效应，活跃课堂气氛，调动全体学生学习的兴趣和注意力，使每个同学时刻都有事可做。重奏与合奏的演奏效果明显优于独奏与齐奏，更容易激发学生的情绪和积极性，即兴伴奏、即兴演奏的训练，有利于学生实际工作能力和创造性才能的发展，因此要多增加这些方面的内容。教师在课堂上还要充分发挥学生的表演才能和创造性潜质，为学生提供更多公开表演的机会，增强他们的表演能力和心理素质。为了解决个别学生的操作错误，也可以抽取典型的样例进行个别的指导，但最好把它当公开课来上，使其他学生也能从中汲取教训，引以为鉴。

4、师资培养

为了保证数码钢琴集体课的教学效果，必须要有一支熟悉集体课教学工具、教学形式、教学内容和教学方法的师资队伍。现有的钢琴教师不论年龄大小、水平高低，如果不进行继续学习和专门研究，很难适应数码钢琴集体课的教学。担任数码钢琴集体课教学的教师，必须克服因循守旧、固步自封、无所作为的意识和作风，积极主动地投身于数码钢琴集体课的研究和教学之中。要通过学习教育学、心理学、中外优秀音乐教学法和集体课教学法，掌握最新的教学思想和教学方法，改进和充实自己的知识结构。要采取走出去、请进来的方法，选派青年教师到国内外进修，请国内外专家讲学授课，以尽快提高现有教师的集体课教学能力，使其胜任数码钢琴集体课的教学工作。

5、评价与考核

数码钢琴集体课的教学目的、教学内容有别于传统的钢琴个别课，因此不能完全沿用传统的评价体系和考核方法。要在严密考查、论证的基础上，逐步建立一套适用于数码钢琴集体课教学的、科学完整的评价体系。新的体系要有开放性、发展性、综合性和多元化的特点。要弱化甄别与选拔功能，强化改进与激励功能，弱化对结果的评价，强化对过程和发展的评价。学生的学习态度、出勤情况、进步幅度都应在考评之列；要改变只以弹奏难度和质量来评价学生成绩的方法，全面评价学生掌握基本技巧及综合素质、综合能力发展的情况；要从对演奏水平的单一考查，扩展到对即兴伴奏、即兴演奏和创造性能力的考查。要制定详尽的考核细则，使其具有良好的可操作性，并使教师和学生都明白无误、严格遵循。

6、工作量计算

数码钢琴集体课在备课、授课难度和工作量、工作强度上都要明显高于传统个别课的教学，所以对其教学工作量的计算必须给予适当的倾斜，否则难以调动教师的工作积极性。多年来兴起的业余钢琴学习热使许多教师的校外教学量和收入比校内还多，如果仅仅从报酬来看，数码钢琴集体课的教学就显得不那么“划算”了。如何引导教师正确处理份内工作和业余教学的关系，鼓励教师积极投身数码钢琴集体课的教学和研究，仍是一个十分重要而棘手的问题。

钢琴教学练习论文:钢琴教学练习法教学思索

近些年来，在高师钢琴教学中，我们面对的大部分学生的音乐素质参差不齐，几乎都需要从头学起，是初学者。按现行的教学计划，三至五年内要让学生达到一个较高的演奏水平，难度较大。在传统的高师钢琴教学内容中我们一直把培养学生的兴趣，提高学生的技术和音乐表现力放在首位，却忽视了钢琴教学中不仅仅是要教会学生弹奏，而是要根据学生自身特点进行基本功训练，教会学生如何去弹奏、怎样去练习，因材施教。因此，对于这些没有钢琴基础的学生来说，在教学中引入“钢琴练习法”的内容将在多个层面上起到积极作用。科学的“钢琴练习法”会引导他们准确地把握钢琴学习中最基本、最具共性的知识内容，并用以指导自己的学习，检验自己的练习成果，将使他们在学习过程中充分发挥出主观能动性，从而使学习更有成效。下面结合教学实际谈谈钢琴教学中的几点“练习法”教学的心得。

一、培养严谨的读谱习惯是钢琴练习法教学中的首要问题

我们在教学中经常可以发现，学生在弹奏中会出现这样那样的错误，例如:音高看错，把谱表或调号看错，忽视临时的升、降记号;时值不准确，过长或过短;音乐表现上忽视音的连断及乐句的划分，忽略表情记号甚至文字说明等等，形成这些问题的原因就是因为学生不会读谱，不懂得读谱的重要性。因此，教师应该在学生入门时就严格要求，养成学生严谨的读谱习惯，应该让学生清楚地知道，乐谱不仅仅是音符的罗列，乐谱上记载的所有符号是它所传递的信息，只有依赖这些符号才能将一首乐曲从陌生弹奏到精通，在弹奏之前“阅”读是学生首要的、必做的一个功课。读谱就像阅读书籍一样，不是简单的浏览，而是要读懂音乐符号的含义:第一，“阅”读乐谱上记载的一切———浅层要求;第二，“阅”读乐谱背后蕴藏的内涵———内在要求;第三，在“阅”读的过程中，还应想象音乐的实际音响效果———深层要求。教师可以在课堂教学中加入看谱视唱与节奏训练的内容，以促进学生读谱能力的提高。一定要严格要求学生养成严谨的读谱习惯，这是入门阶段教学的首要问题。

二、科学的慢练，培养耐心和意志力是教学中不可忽视的练习法

在钢琴课上，学生往往会因为乐曲弹奏的不熟练而被教师要求放慢速度去练习，但学生在课后的练习中真正可以放慢速度练习的学生少之又少，而进行慢练的学生却又不得其法，“慢练”成了一句空话。因此，教会学生如何科学的慢练，让学生学会慢练的方法，养成慢练的习惯，培养耐心及意志力，是一个在教学过程中不可忽视的问题。科学的慢练可以按照以下几个步骤:

(一)在视谱阶段即确定最佳的指法进行弹奏;

(二)在练习中把乐谱的节奏放大，放慢一倍至两倍去练习;

(三)正确的划分乐句，慢练分句中音乐的语气，语调及呼吸;

(四)在慢练中确定弹奏的基本动作走向，即把整个弹琴的动做当做是慢镜头，以锻炼手指的机能，协调全身的动作;

(五)慢练是一种有目的训练手指的机能的方法，练习时头脑要清醒，并需要足够的耐心及意志力。

三、分解细部练习是提高弹奏水平的有效途径

课余走在琴房里，经常可以听到学生们不断地一遍又一遍从头到尾弹奏一首乐曲，并不流畅熟练，错误的音符和技术不过关的片段以及音乐表现力不到位等等问题却不知道去改正，盲目地反复弹奏，这是学生中普遍存在的一个练习上的误区。到了学生学习的中级阶段，要提高学生的演奏水平，更要在教学中加入一定量的练习法内容，而这时的最有效的练习法就是分解细部练习，即把音乐分成细小的部分，先是一小块一小块的练习，再连到一起，就好像组装一部精密的仪器。

(一)分手练习法:要让学生清楚地知道，任何乐曲在完成读谱练习后，一开始都要分开左右手练习，即便是一首非常简单的练习曲。不但在熟悉曲子的初步阶段要分手，当对曲子已经基本了解、处理也基本趋向成熟时，仍然要穿插适量的分手练习，这样有助于学生对音乐的理解。

(二)分声部练习法:要让学生养成把音乐中的各个声部、各个层次区分开来练习的习惯，并做到把每个声部、线条与层次的音色，可以用耳朵和手指区分优劣，表现出它们各自的独立意义并完美地连接起来不仅仅是在进入复调练习时才做分声部的要求，在主调音乐中就应开始建立学生对声部的听觉与感知能力。

(三)分乐句练习法:修正学生忽略细节，从头至尾的练习方式，在教学中引导学生集中注意力，以最大的耐心仔细练习，要求每个细节的正确弹奏方法都必须分开乐句，一句一句的无数次的反复练习，感知。

(四)分段落练习法:音乐其实与文章有着相似之处，不同的乐曲按照不同的方式可以划分成一个个段落，要培养学生划分音乐段落的能力，并在曲子的提高阶段按照事先划分好的段落练习，再连起来，把音乐表现做到从心到手的抒发与流露，这也是一个乐曲演奏的较高层面。

四、练习快速跑动的最好方法

当教学内容进行到中高级阶段时，学生会接触到快速练习曲，或是技巧性极强，速度要求极快的华彩乐段。学生们遇到这样的段落时要么弹奏得含糊不清楚、漏音，要么弹奏得漂浮无根、音质不集中，究其根源就是没有找到练习这样片段的科学，有效的方法。首先，应该让学生理顺乐曲的指法、乐句的划分及动作的走向，把每一个音符弹结实，手臂和手腕配合自如，音与音连接的平滑均匀，这是快速弹奏的基础;第二，训练学生进行低指贴键的手指练习，即手指不离开键盘表面，全部动作只在键面与键底之间交替进行。这种方法是获得集中而流畅的圆润音色的法宝，在于控制住每一个手指，使之活动于从键面到键底的有限距离内，依靠微小而精确地的动作，把音弹得结实有力，集中并均匀。第三，要求学生进行变化节奏的练习，把乐曲中每一小节之内的节奏进行变化，或是伸长或是压缩，并变换速度去练，从慢速到快速，变速练习是提高手指连续跑动速度的有效手段。通过这样的反复练习，学生就能够把琴键严密的控制于手中，乐曲就会弹奏得准确无误，出神入化。

五、“无谱无琴”是钢琴练习法中的至高境界

教师在教学中应告诉学生，练琴可以分为两种方式:有琴练习和无琴练习。应该教会学生们学会“无琴”练习，建立“心中有琴”，并要求学生在练习中进行“无谱无琴”的练习方法。有这样一个故事:钢琴大师罗宾斯坦罗的邻居见到他，佩服地说:“你真不愧是伟大的钢琴家，每天都要练习八个小时以上。”罗宾斯坦罗回答说:“你错了，我每天二十四个小时都在练琴。”其实只要我们留心观察就可以发现，很多乐器方面有造诣的人，他们的手指无时无刻都在动，身体的任何部位都变成了乐器，桌子、椅子都变成了键盘。曾经有一个坚持业余学琴多年的高中生在和老师的交流中说:“课间我在课桌上可以练琴，放学路上我哼着学习曲子，练琴的时候我是在寻找平时想要的声音效果。”后来这个学生再一次钢琴大赛中取得了很好的成绩，所以说“无谱无琴”的练琴方式大大提高了练琴的效果，也只有这种练习方法才能使弹奏的音乐真正成己所有，成为自己心灵的语言。以上这几点心得是各阶段钢琴学习中的优秀方法，把这些方法归纳起来并把它作为钢琴教学内容的一部分，笔者把它称之为钢琴教学中的“练习法”教学。“授之以鱼，不如授之以渔”，我们应该把“练习法”教学作为高师钢琴教学中的一个重要内容来传授给学生，按照课程的不同阶段，学生的不同程度给予不同的练习方法，这也是我们在钢琴教学改革中的一点启示。

钢琴教学练习论文:钢琴教学中的音阶练习研究

一、手指弹奏的姿势

在钢琴弹奏中指法弹奏的代名词。指法体现着演奏科学规范、巧妙的运用。演奏者乐感、节奏感综合能动性体现在弹奏的指法上。指法的顺指舒展，扩指自然，穿指流畅，跨指连贯，换指科学，缩指简便，轮指清晰，跳指矫健。多键指准确，和弦在拍点，大跳及时，快而不乱。具备这些条件才算合格。学琴者面前的首要任务就是摆在每一位学琴者面前的课题和任务就是：探寻指法的潜力、体验指法的神气、追求指法的严谨、研究指法的科学、掌握指法的规律，运用指法的奥妙。经过证明：好的指法是最方便进行钢琴演奏的，反过来说，最利于进行钢琴演奏的指法是最正确的指法。养成良好的运指习惯是完成技巧的前提条件。在练习音阶之前，应当熟悉音阶中的每一个音及其指法的运用，如拇指三指和四指在转换时的运用。这一切都应当脱谱熟记，之后再开始练习。特别要注意黑白键交替过程中固定指法的运用，避免拇指上黑键，保证一至三指、一至四指音列进行的顺畅。最普遍的指法时C大调的指法，其余各种调的指法都是在此基础上演变而来的，变化的目的只有一个，即方便钢琴的弹奏。

二、钢琴弹奏的指法技巧

（一）弹奏的均匀

音阶的练习就是在弹奏不均匀中普遍存在的。换句话说，音阶是弹奏最重要的，也就是通过手指弹得不均匀是音阶练习中普遍存在的一个问题。弹奏不均匀，一般有两个方面，一是弹奏的力度，另一个是弹奏的速度。不少人弹音阶，这两方面弹奏的不均匀都兼而有之，提高弹奏的基本功就是要具备手指的独立性。

（二）弹奏的速度

音阶弹奏如果在短期内有很快的提高，必须要循序渐进的进行弹奏的练习。如何有效的提高音阶的弹奏技巧、弹奏速度，在刚开始练的时候，不要过快。最好是先慢速练习。指法、键盘位置熟练以后再逐渐加速。手指的快速跑动能体现手指的指触反映和弹奏灵活能力，主要体现在灵活、敏捷、快速。手指快速跑动关键在于正确的用力。练习中我们经常跑不动、跑的笨重。由于音乐停滞、不流畅。导致手腕产生严重的抖动。解决这些问题需要把一个音用一次力转行为一组音用，或者用一个力度弹奏一组音、一串音。在速度练习中要长期执行。刚开始练习是短跑，音较少。随着练习的进度，跑动的距离要加长，手会累，弹奏的速度减慢，不均匀，不清楚。这个时候要加强手指承受能力和持续时间。加大练习的运动量。最主要还要依靠意念，积极主动的进行。要有好的精神状态才能会产生动作的积极性。精神状态如果不好的话，会出现疲惫和懒散的不积极的弹奏速度。速度的练习有时不在技术动作有问题，而在精神意志的懒惰。另外要加强弱指的训练，要一点一点的完善它们。

（三）弹奏的力度

弹奏力度的不均匀，往往是由于1指和5指。1指的力度较重。而且因为转指，导致弹奏力度就不均匀。而5指天生较弱，没有经过的长期训练，是无法达到灵活的效果的，所以重点要特别控制1指。因为1指动作异常缓慢，没有其它各指那么灵活。而且，加入黑键基础很难控制。在音阶要注意力度的自然倾向，即上行是要均匀的渐强，下行时细致的渐弱。弹奏的力度要尽可能保证一致，避免音的力度无变化、弹奏僵硬，使音阶缺乏圆滑流畅的感觉。在自然大调中，手的状态是最均匀的。这就告诉我们手指在黑白键上的区别。所以，弹奏时在键盘上用不平的方式进行，可以得到平稳的弹奏结果。因此，在弹音阶时，除转弯之外，还要注意手指顺应键盘位置的高低变化。最后，练习音阶最好弹奏的时间要持久一点，使手指能充分的连续活动，在弹奏钢琴技巧训练中，要持久的练习是最重要的，也是很有用处的。

三、结语

由此可见，弹奏在音阶的过程充满了价值。从一个八度开始到一条完整的音阶，再到所有二十四条音阶，都应该熟练掌握。然而，对音阶弹奏的姿势、技巧更要了如指掌，使双手能够以各种变化方式进行弹奏。总之，音阶练习不容忽视。只有认识到音阶练习的重要性，才能提高练琴的质量；在钢琴教学中，更需要我们的重视，用心发现问题及时总结，从小细节中得到大的发展。

作者:李静 单位:长江大学艺术学院

钢琴教学练习论文:谈幼师钢琴教学中技术练习与音乐表现

一、关于钢琴教学中技术练习与音乐表现存在的问题

（一）音乐教师缺乏培养学生独立思考和弹奏能力的训练

对于钢琴教学来说，是作为幼师所必须学习的一门课程，它可以使学生能够提升自身的音乐素养，也可以使学生学到专业的技能，从而有效的应用到未来的工作中，而音乐教育者在训练学生进行钢琴弹奏时，却没有使学生学到真正的弹奏技能，大部分的音乐教育者受传统教学方法的影响，在课堂教学过程中占据主体地位，忽视学生在课堂中存在意义。音乐教育者只将弹奏的基础知识教给学生，就让学生按照自己所教给的知识进行弹奏，使得学生无法理解其教学知识，教师在教学时缺乏学生之间的交流互动，使得学生的思维能力的发展受到阻碍。久而久之，就导致学生缺少独立思考的能力，在弹奏音乐时也不会产生疑问，只是对教师教学过程进行模仿。与此同时，教师在训练学生弹奏钢琴时，没有给学生充足的时间进行练习，导致学生无法形成良好的弹奏能力，最终影响了对学生的教育。

（二）音乐教育者的教学方法陈旧，无法吸引学生的对钢琴的兴趣

通过钢琴弹奏出的曲子旋律优美，能够激发起人的音乐情感。但是，部分音乐教师在教学时却忽略了这一点，在钢琴的教学过程中，教师重视知识点的讲授，在大多数教学情况下，教师采用的教学方法，使得原本生动的钢琴教学变得枯燥乏味，学生也逐渐对教师的钢琴教学失去信心，从而导致钢琴教学不在有它独具特色的魅力。同时，由于教师缺钢琴教学方式的创新，严重的阻碍了学生对钢琴的技术学习，致使学生在弹奏钢琴时不能够充分的发挥好自身的本领。

（三）学生对所弹奏的音乐不够了解

要想将音乐通过钢琴弹奏完美的表现出来，就要使弹奏者能够亲身的感受音乐，体会所弹奏音乐的情感，但是，大多数学生在弹奏音乐时都没有先使自身融入到音乐当中去，而是直接照着曲谱弹奏出来，这使得所弹奏的音乐听起来非常空洞、没有感染力，与此同时，学生又缺乏对所弹奏音乐的理解和认知，从而不能够感知音乐，弹奏音乐不仅仅是要有弹奏技巧的，而且也需要弹奏者对音乐具有思想情感，只有两者同时具备才能弹奏出优美的音乐，这也是导致许多学生不能弹奏出优美的音乐的原因之一。

二、对于做好幼师钢琴教学中技术练习与音乐表现的对策研究

（一）对于学生的弹奏钢琴的基本功的训练

要想使学生能够拥有熟练的钢琴弹奏技巧，就要扎实学生钢琴弹奏的基本功，要使学生通过基本功的训练，掌握基本的弹奏技巧。因此，教师就要训练学生手指、手腕的灵活度，逐渐使学生从初级训练进入高级训练。例如：在学习《哈农》时，教学的前半部分是训练学生的每个手指，后半部分主要是将手指与手腕、手臂结合起来训练，从而使学生能够掌握每个音阶的位置，并按照顺序弹奏出来。然后教师在带领学生练习《车尼尔》，加深对所学知识的训练，这些基本的钢琴曲是每个弹奏者所必须学习的，它可以为学生弹奏钢琴打下良好的基础，使学生在日后轻松的演奏音乐。

（二）音乐者要对教学方法进行创新，激发起学生的弹奏兴趣

对于学生而言，弹奏钢琴是一个比较复杂的过程，而且长时间的训练也会使学生逐渐的失去耐心，学生在学习时会感觉到疲倦，并产生厌倦的心理。因此，在对学生进行钢琴训练时，教师要采用趣味的教学方法，吸引学生的注意力，使学生能够感受弹奏钢琴的乐趣，所以教师要选择简单的教学材料，让学生感觉弹奏钢琴不是很难，教师可以让学生先听一些音乐，猜一猜这些音乐都是用什么乐器弹奏出来的？这样既可以激发学生的思维能力，也可以让学生快速的融入到教学过程中，从而使教师能够有效的进行教学。例如:教师可以创设情景教学，也可以进行游戏教学，更可以采用竞赛的方式让学生弹奏钢琴，这些有趣的教学方式，都会激发学生学习音乐的兴趣，从而使学生能够在学习的过程中独立思考，并掌握弹奏钢琴的技巧，也会使教师教学水平提升。

（三）教师要使学生充分发挥自身的音乐表现能力

在弹奏钢琴的过程中，学生才是其主体，如果教师限制学生弹奏钢琴，就会使学生的心理受到影响，学生会认为学习钢琴没有任何意义和乐趣，对于学生而言，钢琴弹奏训练有着强大吸引力，不管是品德兼优的学生还是成绩较差的学生，都有着对钢琴学习的欲望，因此，音乐教育者不要限制学生弹奏钢琴的时间，让使每一个学生都能够得到训练，在课堂中充分的表现自己的才华，只有将自身的弹奏技巧融入到音乐表现中来，才会得到大家的认可，同时学生也会树立起自信心。总而言之，要想使学生能够弹奏出优美音乐，就要让学生在学习时掌握熟练的弹奏技巧，只有这样，学生在弹奏时才不会出现问题。同时，音乐教育者也要积极的配合学生学习，在教学过程中，给学生充足的弹奏时间，让学生成为钢琴课堂教学的小主人，音乐教师这要使学生在课堂中充分利用钢琴将音乐表现出来，只有这样学生才会真正的融入到音乐学习的过程中，才会提升自身的钢琴技巧和音乐素养。因此，钢琴的弹奏技巧和音乐表现是钢琴教学的重要内容。

作者：白杨 单位：郑州幼儿师范高等专科学校

钢琴教学练习论文:钢琴教学中的练习法教学

摘要：

钢琴课是高等院校音乐专业重要课程之一，在推进钢琴课程改革实践中，针对不同学生的训练方法的总结与提炼，更有助于促进钢琴课程教学的深入发展。练习法的选择与运用，在高师钢琴课程教学中是最基本、最具共性的教学重点，也是检验学生自我钢琴演奏技能，提升钢琴教学实效的重要途径。先就常用钢琴练习法教学要点及注意事项进行探讨，并从中来提炼钢琴练习法教学的学习对策和科学方法。

关键词：

钢琴教学；练习法；学习策略；方法措施

钢琴教学技巧性极强，在提升钢琴演奏教学中，对不同练习法的运用，既要注重科学性，还要强调练习质量，以增强学生对钢琴演奏的音乐表现力。在高师院校钢琴教学中，面对学生钢琴基础的差异性，需要打破传统高师集体教学的弊端，强调学生的个性与兴趣教学，因材施教。为此，通过在钢琴教学中引入练习法教学内容，引导学生从理解和把握钢琴练习技巧中，一方面对自我练习成果进行检验，另一方面从练习教学中增强学生的自主性，提升钢琴教学实效。

一、培养严谨、准确的读谱、唱谱习惯

钢琴教学实践性强，在开展钢琴练习法训练教学前，首先要引导学生培养良好的、严谨的读谱、唱谱习惯。在练琴实践中，我们经常发现一些学生将高音看错、将调号看错、甚至忽视谱表、临时升降记号，这些问题的出现，要么过于仓促、不熟悉，要么缺乏读谱准确性，忽视音乐的表现力。对于不同时值的音符，其在连、断、句划分上的问题，多与读谱习惯不科学、不严谨有关。[1]因此，从钢琴练习法教学中，要强调正确的读谱习惯，特别是钢琴教学入门时，要严格要求学生认真读谱，明确的认识到乐谱的规范性、科学性、准确性。同时，对于读谱训练，在平时的练习上要像读书一样，一方面关注乐谱上的基本音乐符号，另一方面要读懂乐谱背后的艺术内涵。说起唱谱，很多学生认为没有难度，不过是将每一个音符唱出来而已。其实，唱谱的训练，与读谱同样重要。尽管唱谱教学未列入硬性要求，但对于初学者来说唱谱训练，很有必要从钢琴练习教学中进行渗透。引导学生把握不同速度的变化、体验时值的差异，在读出音准的同时，将音符的时值也读出来。

二、注重慢速练习掌握正确的弹奏要领

在钢琴练习法教学中，慢速练习法是最常用和最有效的方法之一。在慢速练习法中，演奏者可以克服因技巧问题而带来的衔接难题，能够从乐曲的接触中，少出错误、不出错误。[2]在慢速训练中，可以让学生能够兼顾左右手的配合，还能处理好不同曲谱对指法的变化。很多学生忽视慢练法，甚至不会慢练法，以致于在后期的训练中，往往因快速练习而出现差错，要么读谱时有漏谱的通病，有的学生在快速练习中把握节奏不准确，对时值掌握的不够，要么弹得过快，要么出现弹错现象。同时，对于快练过程中手指站立不稳问题、手臂过于紧张等问题，在后期训练中往往积重难返，既浪费训练时间，还降低了教学效率。可见，加强对慢练法的训练，注重在钢琴练习教学中慢速练法的运用至关重要。当然，在开展慢速练习法训练时，要注重两点。一是要关注对正确指法、动作的训练。有些学生在慢速练习中存在关节塌陷、手指懒散、甚至注意力不集中，拖拖拉拉、无法从慢速演奏中获得应有的练习质量。在《钢琴教学法》中，应提出“在快速弹奏段落里运用慢速练习法，只是对音与音的间隙进行了扩大，对于手指来说其反应仍是敏捷的。只有在后期的训练中，不断缩减音与音的间隙，提升手指的弹奏速度即可养成”。[3]可见，对于慢速练习法，并非一味地放慢速度，而是从慢速训练中，认真体会演奏中手臂、手指、琴键之间的协同关系。二是注重慢速练习法中对触键、力度、节奏、速度的综合体验。慢速练习并非教学目的，而是帮助学生理解和掌握钢琴演奏方法的一种手段。在慢速练习法中，随着学生练习次数的增加，对乐曲的理解越来越深刻，从速度上逐渐提升来，并从练习过程中体会音符的强、弱变化，从中获得演奏技能的养成。

三、强调分手练习法的平衡与协同

（一）分手练习法的运用

钢琴演奏通常是双手进行，在分手练习法训练中，可以从两手的独立性上训练，促进两手均衡发展。我们在学生练习实践中发现，每只手的弹奏效果是存在差异的，而要提升钢琴练习效果，借助于分手练习具有积极成效。但有学生认为分手训练过于麻烦，忽视分手训练方法的应用。但事实上，分手训练能够发现很多学生在钢琴演奏中出现的问题，如指法错误、节拍错误、音符错误等。两只手因承担不同的演奏技巧，在进行分手训练中，学习者可以从不同的时间周期来辨析不同演奏的手指指法变化，关注自身分手练习中的常见错误，并从改进中来提升弹奏质量，实现钢琴演奏精细化练习。同时，在分手快速训练中，单手快速练习法仅仅是加快了演奏速度，对于单手声部的训练是渐进的，通过加速训练，更便于学生掌握乐曲旋律，处理好单手的强弱变化。

（二）双手合练法的运用

分手训练与合手训练都是基础性练习，都需要从左右手的协同配合中来发现错误，并从中及时改正，教师也可以通过分手、双手合练等分解中，来对学生进行针对性指导。双手的配合要结合旋律线的变化进行协同，学习者要将两手的旋律进行记忆。这种慢速的双手配合，看似一个音符、一个音符的对位，其实更有助于增强学生的视奏与记忆能力。慢练法在钢琴演奏训练中具有重要作用，通过慢速双手合练，能够保持乐曲的完整性，并对乐曲的分段、分句进行准确记忆，在慢速的训练中少出错，为后续提速训练创造基础。[4]对于慢速训练并非是浪费时间，并非需要对所有乐曲通篇进行慢练，而是要结合不同乐曲的技术难度，灵活的选择慢速双手合练法，促进科学训练。相对而言，双手快速合练法是对慢速训练的过渡，也是促进学习者手指灵活性的有效途径。

四、无声练习法的运用

在钢琴演奏中，对演奏者的逻辑与形象思维、技术与艺术性提出更高要求。如在技术层面，演奏者要具备快速、准确的读谱能力，能够灵活、正确的选择触键方式、能够以恰当的速度、适度的音乐强度来表达乐曲；同时，在演绎层面，还需要演奏者能够正确理解不同作品的内涵，明确不同时代钢琴演奏的风格特征，把握钢琴的音色及技巧处理等。

（一）有谱、脱谱无声练习法的应用

针对有谱或无谱条件下的无声练习法，主要是针对不同训练场合，根据教学环境来适当选择和应用。无声练习法的重点在于促进学生从自主训练中增强对曲谱的理解，培养钢琴练习的熟稔度，降低钢琴训练中的压力。相对于有谱，脱谱无声练习法主要是通过反复视听方式，对乐曲进行完整记忆，并利用手指的无声演奏来处理不同曲段的强弱变化、连断分句、快慢等变化，以得到“真实”演奏的效果。如在平时缺乏钢琴的条件下，利用真空状态下的无声练习，更能够从内心的体验与感知上，对乐曲进行深刻的理解。

（二）动作无声与意识无声练习法的应用

钢琴演奏技巧的学习与运用是理性化教学的基础，学生在认知中不仅要知其然，还要知其所以然。因此，对于钢琴课练习法的多重运用，特别是无声训练中的动作与意识无声练习法，教师要能够从学生的基本肢体动作和演奏技巧上，在常规化动作教学、示范下，来针对性的改进学生的演奏能力。以断奏训练为例，从技术上断奏可以分为大臂断奏、小臂断奏、手腕断奏和手指断奏四种。不同断奏对肢体的肌肉群、关节提出不同要求。如大臂断奏，以肩关节为轴来利用大臂带动小臂，继而带动手腕、手指在琴键上敲出琴音，大臂外肌肉群是力源，利用大臂所产生的下坠力来进行控制，使得整个手臂处于有序、放松、自然的状态。

五、对不同练习法思考和建议

无论是那种练习法，在钢琴课程教学运用中都要从三方面进行思考。一是强调对钢琴作品的正确理解，注重优选合适的练习方式。每一首钢琴作品，其创作背景、时代特征、指法训练、演奏方式等都存在差异性，教师要从多方面讲解中来指导学生理解和分析乐曲的重点、难点，并结合学生的自身特色、实际来选择练习法。同时，针对钢琴教学中的共性问题，一方面突出对演奏技能的训练，另一方面加强对音乐作品的思维与认知开发，特别是多种练习法的综合运用，调节钢琴训练的紧张度。二是强调钢琴教学目标，构建递进式训练法体系。对于高师钢琴教育，要在课程内容深化中，关注学生钢琴素养的养成。一方面要关注钢琴演奏水平的提升，特别是对于钢琴演奏技巧的学习和掌握，另一方面要注重钢琴理论的渗透，明确钢琴教学方法与学习方法的差异性，全面提升学生的知识结构和钢琴水平。三是注重钢琴教学模式的创新，挖掘钢琴教育的思想内涵，更新教育观念。钢琴练习法教学要兼顾学生钢琴教育与钢琴课程内容的协同，要积极借鉴不同的教育教学方法，既要强调对演奏技巧的训练，还要辅以钢琴作品赏析，以及钢琴理论课程、实践课程，即兴伴奏等课程的多重运用，提升学生的音乐修养。

作者:秦亚洁 单位:陇南师范高等专科学校

钢琴教学练习论文:论音阶和琵音练习在钢琴教学中的重要性

摘要：音阶和琵音练习属于技术类型的训练，在钢琴教学训练中占着重要的地位和作用。学生要想打下良好的基本功，就必须通过大量的音阶、琶音练习。该文主要论述了音阶和琵音练习在钢琴教学中的作用和意义。

关键词：音阶；琶音练习；钢琴教学

所谓音阶，就是将音乐中所使用的乐音按音高的顺序依此排列起来，形成阶梯状的序列。所谓琶音，就是将同时发音的和弦各音按从低到高或从高到低的顺序依此奏出而不是同时奏出的音。

在钢琴教学中音阶、琶音\属七和减七和弦\双八度以及双三度等这些基础训练处于十分重要的地位。许多曲子都是巧妙地运用了各种音阶\琶音和弦和分解和弦（包括它们的种种变体）作为表现音乐的手段。例如，尔尼740练习中的第一条就是各种音阶组成的，第二条则是由各类琶音组成的。音阶和琶音等基本功训练不可取代的作用还可以从以下事实中得到印证。拉萨列夫是俄国著名钢琴家，他常常告诫他的学生，每天应该练一小时左右的音阶、琶音。鲁道夫塞金也十分重视音阶、琶音等技术训练，他认为没有技巧，即没有音乐。巴克豪斯也强调音阶、琶音的练习，他每天都练半小时以上的音阶、琶音而且都加上表情。钢琴大师们尚且如此,可见一个学生在他学习技术的七、八年里，音阶、琶音是非常重要的学习内容。

教学实践也证明，虽然音阶\琶音弹起来和教起来都枯燥乏味，不易有“立竿见影”的教学效果，但是由于钢琴演奏技艺性很强，在学习过程中需要进行大量的、长期的音阶和琶音训练。如果一个学琴者缺乏这种扎实的训练的话，当他开始跨入中级程度后不久就会遇到困难，使他无法再取得更大的进步。

由此可见，要想弹好乐曲的前提是先打好基础，把音阶\琶音等基本功练好。那么用什么样的练习方法才能做到事半功倍的效果呢？下面我们从两个方面谈一下音阶、琶音在这方面的重要性。

1.音阶作为基本功的重要性

人的十个手指天生能力不一样，而音阶练习要求每个音的力度要均匀一致，练习音阶能够使手指得到平衡发展，并提高控制手指、运用手指的能力，还可以帮助学生熟悉键盘的位置。

全部的音阶，是由24个大小调式组成的。我们接触最多的欧洲钢琴音乐，几乎全部属于这些调式。熟悉了音阶，也就熟悉了这些调式、调性。而在乐曲中，常有音阶和音阶式的进行，往往这也正是技术难点。平时练习音阶，就为克服乐曲中的难点事先做好了准备。相反，没有音阶练习的基础，一旦在乐曲中遇到音阶临时练习，就要延误正常的学习进度了。表面上，音阶的音符是按顺序排列的，认起来并不难。但实际上，把音阶弹奏得较快而又均匀是很难的。我们必须每天认真地练习并长期坚持才能弹好音阶。

那么，要用什么样的速度和力度练习音阶呢？要将音阶弹得速度快而又力度强，不是短时期练习所能达到的。对于初学者，尤其是小孩，在速度力度的要求上，应有一个由易到难，循序渐进的过程。在开始阶段，应该慢而又弱，要求在最自然、最省力、腕和指最协调的状态下弹出最均匀的音阶。然后依次过渡到比较快比较强。在经过长期的慢练达到快而又强时，本质上应当依然是自然、省力、协调的状态和感觉。

2.琶音作为基本功的重要性

钢琴音乐是一种和声音乐，和声的基础是和弦的连续，琶音又是和弦的一种形式。因此，琶音在钢琴音乐中占有十分重要的地位。在欧洲古典音乐中，琶音或琶音类的进行相当普遍。弹好了琶音，也就是弹好了许多钢琴曲的片断。

由于琶音是和弦的一种形式，练习琶音的过程也就是熟悉各个调性、调式的各种和弦的位置、和弦的不同色彩的过程。弹琶音时，由于手位迅速转移，其难度比弹音阶要大。其中，关键又在于手腕灵活的协调配合。所以，琶音练习可以帮助获得良好的感觉和状态。弹好琶音，也离不开手指的积极主动。而且，手指是在比弹音阶时更大的范围里运动，必然对手指能力提出更高的要求。所以弹琶音，也就是训练手指的灵敏和活力。在速度方面也可以和弹音阶一样，先慢后快。相比而言，练习琶音的速度可略慢于音阶。但最终掌握技术之后，并不存在于两者之间的差别。琶音所能达到的速度并不低于音阶。由于琶音的音和音之间的距离较宽，在慢速练习中比音阶更容易显得孤立，所以尤其要强调动作、线条、观念意识上的整体感和连贯感。

综上所述，音阶、琶音的弹奏水平是学生技术水平的标志之一。所以各种“考级”都把音阶、琶音作为基本考试内容之一。它是钢琴技术最基本的两种技术。可以说不论演奏哪种风格、哪个时代的作品，都离不开大量的音阶和琶音。可见音阶、琶音在钢琴教学中是多么的重要。

3.音阶、琶音在技术训练中的重要作用

3.1弹好一首乐曲还要有很好的技巧训练。技巧训练从本质上讲就是提高手和手指的机能，同时让大脑能加以完善的控制。也就是所说的基本功的训练。这只有通过练习的量的积累才能达到。当掌握了合理的弹奏手法以后，练习的量就是决定因素。集中的、大量的手指技术训练，在一定阶段上能使学生的手指功能在短时间内实现质的飞跃。总的来说，在这方面，音阶、琶音练习比练习曲或乐曲更需要大量的练习。只要连续弹上十几分钟的音阶、琶音，手掌就会有隐约发酸的感觉，如果连续弹上半小时到一小时，手指的活动量就相当可观了。这就是练习音阶、琶音的一个很重要的作用。

3.2还有些特定的技术要求。要想把这些特定的技术弹好，就必须让手得到很好的训练，就必须通过大量的练习才能达到。而在弹奏音阶、琶音的练习时才能得到集中的、大量的训练，才能达到训练目的。一个学琴者要想把音阶、琶音都弹好，不花费很大的功夫是办不到的。

3.3练习音阶、琶音最好每一遍都能弹得持久一些，使手能够得到充分的连续活动。车尔尼通过他的练习曲集作品337和作品365阐明了这一点。他要求弹奏每一小段都要反复弹十几遍，使手得到大量的练习。前辈们的经验告诉我们，学生通过大量的练习音阶、琶音，能在很少的几个月里达到纯熟的程度，而用通常的办法练习，只有通过几年辛勤刻苦的练习才能取得一定的成绩。

3.4弹奏音阶、琶音时如果把同向、反向法结合起来弹并加以一次或几次反复，就能达到持久弹奏的目的。反向练习还能够增加弹奏中的趣味。半音阶也可用相同的方法来弹。这一部分练习会花去很多的时间，但也会从中得到很大的收益。不仅加强了手的锻炼，还加强了手指的独立能力和整只手的力量，可为弹好乐曲做好充分的准备。本来钢琴技术各种类型之间，都存在着有机的联系，能互相补充、互相促进。一个学琴者要想弹好大的乐曲，不弹各种各样的类型的基础练习是不行的，只要将各种类型的练习有机地结合起来练习，技术才会进步很快，才会弹奏得越来越好。

总之，基本功的训练是十分重要的，它需要经过艰苦磨练。实践证明，通过练量的音阶、琶音才能少走弯路，才能打好良好的基本功，技术才能进步得越来越快，从而达到事半功倍的效果。

钢琴教学练习论文:浅析音乐教育专业钢琴教学及提高练习效率的方法

摘要：钢琴教学作为音乐教学的必修课，一直在寻找一条有利于自身发展的途径，以使自己的学生更加适应社会的需要。钢琴教学是一个发展性课题，还有很大空间去挖掘。随着音乐教育改革的深入，我们对此关注的视点将更加广泛，深入。但是对于钢琴学习者来说，选择正确的练琴方法，从而有效地提高演奏水平，是一个极其重要的问题。本文针对在练琴过程中存在的不足找到练习方法，从而解决问题，提高练琴效率。

关键词：音乐教育；钢琴；问题；提高效率；方法

钢琴技术教学在我国已初具规模，适应社会业余钢琴教学的需要,占领这一广阔的教育领域,是钢琴教学不容推辞的义务。在学生学习钢琴弹奏的同时,要把将来如何教好钢琴课作为教学的重要内容之一；要把那些效果较好，引人入胜的钢琴教材介绍给学生,便于他们以后用于教学；音乐教育专业钢琴教学需要注意的问题如下：

（一）教师要根据学生的程度因材施教，学会分级教学

随着扩招政策的实施，音乐教育专业的学生入学率大幅提高，学生们的钢琴水平参差不齐。有的学生入学前已经学过多年钢琴，基本功扎实，音乐表现力丰富，他们大多数会选择钢琴主修专业。对于这样的学生，老师们教学难度不是太大，主要侧重丰富学生的技术方面，提高其音乐表现力，锻炼学生的意志品质与耐力。

还有的学生入学之前只学过一年左右的钢琴，本身钢琴演奏的技能很薄弱，基本功不扎实，弹奏动作僵硬，识谱很慢。对于这类学生，钢琴教师应在教学中给予更多的关注，他们需要老师更多的细心，耐心与爱心。老师在教学上进行严密的安排与部署，需要最大限度的去开发其潜能，加强他们的基本功训练，在有限的时间中，使他们除了掌握一定的表演技能以外，还能够掌握钢琴即兴伴奏的知识。

（二）教学中应贯彻融合性原则

音乐教育专业的课程设置目的是突出“一专多能”甚至“多专多能”的培养目标，走的是一条培养综合素质高的音乐人才的道路。它要求学生不仅具有一定的演奏能力，同时对其他相关的学科的理论知识也应熟悉和了解，并且有独立的研究能力和教学能力。音乐教育的学生，除了会演奏钢琴以外，还有会教钢琴，用钢琴为个唱，合唱伴奏，在音乐欣赏课堂会用钢琴教学等等。

（三）教学目标要明确，要细致分析教材

钢琴教学的内容制定与教学目标，对象密切相关。老师在教授演奏技术的同时，应重视理论的教学，二者是相辅相成的。

（四）拓宽教学视野，提倡创新意识

教师在钢琴教学中，应大胆实践，不断拓宽自己的新的教学思路，不能拘泥保守，一成不变。钢琴课作为音乐教育的重要技能课，核心课，基础课，本身应该具备开放，多元，发展的特色。教师不应将视野只局限在狭窄的琴房内，应该更加关注我国音乐教育发展的大方向，关注国内外新的教育理念，通过学习再学习，使自己的教学与时俱进，不断创新。

大家都知道钢琴演奏是一门技术种类繁多、技巧性极强的艺术，艰苦反复地练习是每一位钢琴学习者学习过程中极其重要的环节。对一名钢琴学习者而言，寻求和遵循正确的练习方法是至关重要的。

以下就从几个方面阐述一下如何提高钢琴练习的效率方法！

（一）坐位、坐姿

座位方面：我们要调整好坐位与钢琴之间的距离，上身坐直，将双手轻轻放置于键盘之上，上臂与前臂形成一个稍大于90度的角；找好中心点；调整坐位的远近和高低。在坐姿方面，我们要注意以下的问题：双脚踏实着地，放置于踏板之前；臀部只能做琴凳的一半，臀部的坐感应当是稳定当中又时刻配合着其他的动作；腰要挺直，颈部也要保持可以自由活动的感觉。弹奏者可以上身略向前倾，使中心略向前，便于力量的传送。坐的姿势切忌过于僵硬或松懈；手型在弹奏过程中，最自然的手型往往就是最正确的手型；注意手指的独立性和灵活性；当然弹奏的力量也要注意，在弹下琴键的同时要达到一定的力度，而且要能够控制力度的大小；均匀，练习基本功的目标是要让十指具有相同的能力。

（二）重视课后的第一次练习

在练习过程中要求慢速练，边看谱，边看标记，边动脑，手、脑、眼并用，反复练习几次，这样有助于及时消化上课内容。而对于新布置的曲子，要回想老师在课上讲到的对曲子的要求和需要掌握的技术难点以及练习方法。

（三） 全面读谱

首先，我们应该通过读谱去思考一下乐曲的作者、创作年代、创作背景以及作品的风格类型。其次，要注意谱面上的各种音乐表情术语、力度标记以及速度变化标记。再次，要仔细读谱面上的细节问题。最后，在读谱时，除了上述内容，还要注意从作品的调式、调性、和声、旋律等方面去仔细研究。

（四）分解式练习

钢琴作品具有多声部、多层次的特点，弹奏时左右手分担着不同声部、不同节奏、不同织体的任务。为了更快更准确地掌握作品，采用分解式的练习是行之有效的。

1.分手练习。分手练习不仅仅是学习一首新乐曲的开始阶段，即使在弹奏熟练之后，仍需时常使用分手练习这一方法，有分有合、分合交替才能加深对乐曲的理解以及提高练琴的效率。

2.分声部练习。在练习钢琴的过程中，应当养成把各个声部和层次区分开练习的习惯。对于声部较多的乐曲，就必须对每一个声部进行单独练习，使多个声部层次清晰，使恰当的音色、清晰的和声进行与旋律声部默契配合，不断提高练琴效率。

3.难点练习。遇到难点，应努力克服，这就需要我们将难点部分抽出来单独反复进行练习，只有这样，困难才会迎刃而解，才会提高练琴的效率。常见的难点大致包括速度难点、音色难点、技术难点。

（五）听觉训练

听觉训练是指倾听音乐作品结构、音色、音响效果等方面的训练。如果学生会运用听觉来指导自己练琴，不再是手指盲目的机械动作，就会更加有目的性，大大提高练琴的效率。

钢琴的练习必须遵循科学的方法，上述几种方法并不是截然分开的，应当把它们与实际情况结合在一起并灵活运用，不断地探究、认识、发现并解决问题，苦练加巧练，保证练琴质量，从而提高练琴效率。

钢琴教学练习论文:论音阶和琵音练习在钢琴教学中的重要性

摘要：音阶和琵音练习属于技术类型的训练，在钢琴教学训练中占着重要的地位和作用。学生要想打下良好的基本功，就必须通过大量的音阶、琶音练习。该文主要论述了音阶和琵音练习在钢琴教学中的作用和意义。

关键词：音阶；琶音练习；钢琴教学

所谓音阶，就是将音乐中所使用的乐音按音高的顺序依此排列起来，形成阶梯状的序列。所谓琶音，就是将同时发音的和弦各音按从低到高或从高到低的顺序依此奏出而不是同时奏出的音。

在钢琴教学中音阶、琶音\属七和减七和弦\双八度以及双三度等这些基础训练处于十分重要的地位。许多曲子都是巧妙地运用了各种音阶\琶音和弦和分解和弦（包括它们的种种变体）作为表现音乐的手段。例如，尔尼740练习中的第一条就是各种音阶组成的，第二条则是由各类琶音组成的。音阶和琶音等基本功训练不可取代的作用还可以从以下事实中得到印证。拉萨列夫是俄国著名钢琴家，他常常告诫他的学生，每天应该练一小时左右的音阶、琶音。鲁道夫塞金也十分重视音阶、琶音等技术训练，他认为没有技巧，即没有音乐。巴克豪斯也强调音阶、琶音的练习，他每天都练半小时以上的音阶、琶音而且都加上表情。钢琴大师们尚且如此,可见一个学生在他学习技术的七、八年里，音阶、琶音是非常重要的学习内容。

教学实践也证明，虽然音阶\琶音弹起来和教起来都枯燥乏味，不易有“立竿见影”的教学效果，但是由于钢琴演奏技艺性很强，在学习过程中需要进行大量的、长期的音阶和琶音训练。如果一个学琴者缺乏这种扎实的训练的话，当他开始跨入中级程度后不久就会遇到困难，使他无法再取得更大的进步。

由此可见，要想弹好乐曲的前提是先打好基础，把音阶\琶音等基本功练好。那么用什么样的练习方法才能做到事半功倍的效果呢？下面我们从两个方面谈一下音阶、琶音在这方面的重要性。

1.音阶作为基本功的重要性

人的十个手指天生能力不一样，而音阶练习要求每个音的力度要均匀一致，练习音阶能够使手指得到平衡发展，并提高控制手指、运用手指的能力，还可以帮助学生熟悉键盘的位置。

全部的音阶，是由24个大小调式组成的。我们接触最多的欧洲钢琴音乐，几乎全部属于这些调式。熟悉了音阶，也就熟悉了这些调式、调性。而在乐曲中，常有音阶和音阶式的进行，往往这也正是技术难点。平时练习音阶，就为克服乐曲中的难点事先做好了准备。相反，没有音阶练习的基础，一旦在乐曲中遇到音阶临时练习，就要延误正常的学习进度了。表面上，音阶的音符是按顺序排列的，认起来并不难。但实际上，把音阶弹奏得较快而又均匀是很难的。我们必须每天认真地练习并长期坚持才能弹好音阶。

那么，要用什么样的速度和力度练习音阶呢？要将音阶弹得速度快而又力度强，不是短时期练习所能达到的。对于初学者，尤其是小孩，在速度力度的要求上，应有一个由易到难，循序渐进的过程。在开始阶段，应该慢而又弱，要求在最自然、最省力、腕和指最协调的状态下弹出最均匀的音阶。然后依次过渡到比较快比较强。在经过长期的慢练达到快而又强时，本质上应当依然是自然、省力、协调的状态和感觉。

2.琶音作为基本功的重要性

钢琴音乐是一种和声音乐，和声的基础是和弦的连续，琶音又是和弦的一种形式。因此，琶音在钢琴音乐中占有十分重要的地位。在欧洲古典音乐中，琶音或琶音类的进行相当普遍。弹好了琶音，也就是弹好了许多钢琴曲的片断。

由于琶音是和弦的一种形式，练习琶音的过程也就是熟悉各个调性、调式的各种和弦的位置、和弦的不同色彩的过程。弹琶音时，由于手位迅速转移，其难度比弹音阶要大。其中，关键又在于手腕灵活的协调配合。所以，琶音练习可以帮助获得良好的感觉和状态。弹好琶音，也离不开手指的积极主动。而且，手指是在比弹音阶时更大的范围里运动，必然对手指能力提出更高的要求。所以弹琶音，也就是训练手指的灵敏和活力。在速度方面也可以和弹音阶一样，先慢后快。相比而言，练习琶音的速度可略慢于音阶。但最终掌握技术之后，并不存在于两者之间的差别。琶音所能达到的速度并不低于音阶。由于琶音的音和音之间的距离较宽，在慢速练习中比音阶更容易显得孤立，所以尤其要强调动作、线条、观念意识上的整体感和连贯感。

综上所述，音阶、琶音的弹奏水平是学生技术水平的标志之一。所以各种“考级”都把音阶、琶音作为基本考试内容之一。它是钢琴技术最基本的两种技术。可以说不论演奏哪种风格、哪个时代的作品，都离不开大量的音阶和琶音。可见音阶、琶音在钢琴教学中是多么的重要。

3.音阶、琶音在技术训练中的重要作用

3.1弹好一首乐曲还要有很好的技巧训练。技巧训练从本质上讲就是提高手和手指的机能，同时让大脑能加以完善的控制。也就是所说的基本功的训练。这只有通过练习的量的积累才能达到。当掌握了合理的弹奏手法以后，练习的量就是决定因素。集中的、大量的手指技术训练，在一定阶段上能使学生的手指功能在短时间内实现质的飞跃。总的来说，在这方面，音阶、琶音练习比练习曲或乐曲更需要大量的练习。只要连续弹上十几分钟的音阶、琶音，手掌就会有隐约发酸的感觉，如果连续弹上半小时到一小时，手指的活动量就相当可观了。这就是练习音阶、琶音的一个很重要的作用。

3.2还有些特定的技术要求。要想把这些特定的技术弹好，就必须让手得到很好的训练，就必须通过大量的练习才能达到。而在弹奏音阶、琶音的练习时才能得到集中的、大量的训练，才能达到训练目的。一个学琴者要想把音阶、琶音都弹好，不花费很大的功夫是办不到的。

3.3练习音阶、琶音最好每一遍都能弹得持久一些，使手能够得到充分的连续活动。车尔尼通过他的练习曲集作品337和作品365阐明了这一点。他要求弹奏每一小段都要反复弹十几遍，使手得到大量的练习。前辈们的经验告诉我们，学生通过大量的练习音阶、琶音，能在很少的几个月里达到纯熟的程度，而用通常的办法练习，只有通过几年辛勤刻苦的练习才能取得一定的成绩。

3.4弹奏音阶、琶音时如果把同向、反向法结合起来弹并加以一次或几次反复，就能达到持久弹奏的目的。反向练习还能够增加弹奏中的趣味。半音阶也可用相同的方法来弹。这一部分练习会花去很多的时间，但也会从中得到很大的收益。不仅加强了手的锻炼，还加强了手指的独立能力和整只手的力量，可为弹好乐曲做好充分的准备。本来钢琴技术各种类型之间，都存在着有机的联系，能互相补充、互相促进。一个学琴者要想弹好大的乐曲，不弹各种各样的类型的基础练习是不行的，只要将各种类型的练习有机地结合起来练习，技术才会进步很快，才会弹奏得越来越好。

总之，基本功的训练是十分重要的，它需要经过艰苦磨练。实践证明，通过练量的音阶、琶音才能少走弯路，才能打好良好的基本功，技术才能进步得越来越快，从而达到事半功倍的效果。