动漫艺术论文篇1

西方“移情说”美学代表人物利普斯从审美心理学的角度阐释:“我们都有一种自然倾向或愿望，要把类似的事物放在同一观点下去解释。这个观点总是由我们最接近的东西来决定的。所以我们总是按照在我们自己身上发生的事件的类比，即按照我们切身经验的类比，去看待在我们身边发生的事件。”“移情说”为艺术教育工作者探寻青少年的动漫审美乐趣提供了绝佳的视角。动漫《ONEPIECE》(又名《海贼王》)是日本漫画家尾田荣一郎的动漫作品。该作品在日本国内掀起了极大的热潮，受到儿童青少年群体甚至成年人的广泛喜爱。在我国，这部风靡十多年的动漫剧更成为伴随“90后”一代成长的主要作品。根据笔者授课班级的反馈情况，《海贼王》在“90后”学生的心目中具有极大的影响力。他们在讨论这部作品时充满欢快、热情甚至激动。他们更在文中写到这部作品如何教会了他们坚持，如何在他们失败时给了他们再出发的勇气，如何告诉他们什么是真正的友谊……一部虚构的故事，却能够成为青少年学生在人生成长阶段的重要精神食粮，谁又能说它不是一部伟大的艺术作品呢?《海贼王》的故事情节虽是虚构的，可它渗透在情节中的勇气、坚持、友谊等品格力量是青少年群体在成长过程中最需要的。学生将发生在自己身上的事件“移情”至海贼王的故事情节中，在被动漫作品感动的同时满足自己心底的情感需要。“一方面主体通过移情赋予对象以生命;另一方面主体又有从客体中观照自我情感的审美需求。”动漫作品在这里所发挥的作用形象而强烈，对学生潜移默化的影响比简单的说教要更加真切和充沛。《海贼王》那一个个也许算不上优美的人物形象，展现的却是对青少年来说无比重要的人文关怀，谁又能说《海贼王》对青少年群体人文素养和审美品格的影响会小于伟大的艺术作品《蒙娜丽莎》呢?基于这样的现实状况，艺术教育工作者更应该主动将优秀动漫作品作为教学载体，通过对相关作品的解读，引导学生更好地理解作品，剖析自己的内心世界，并使学生感受到与其日常生活审美经验相对接的审美体验，帮助学生树立正确的审美观。

二、从接受美学的角度分析动漫艺术应作为公共艺术教育的审美对象

接受美学为将动漫艺术作为艺术教学载体提供了很好的理论依据。“接受美学的出发点或原则性立场是，读者(接受者)不是被动的，而是主动的，他在文本含义生成时扮演主动角色，并对作品的历史生命具有决定性影响。”一件艺术作品，如果缺乏了接受者的主动参与，并不被接受者从心底感受和认知，其审美功能毫无疑问会大打折扣。从此角度来看，日本动漫大师宫崎骏无疑是被接受度最高的一位动漫大师，其作品被人们评价为“将动画艺术上升到了人文的高度”。他的作品内容大多涉及人类与自然之间的关系、和平主义及女权运动等宏达的叙事主体，所采取的表达方式是将唯美的二维绘画艺术、天马行空的梦幻世界、离奇的童话故事和温情的人类情感相结合的动画叙事手法。其作品在广大青少年群体以及有着纯净心灵需求的成年人心里产生了巨大的震撼。《风之谷》中人类的暴行对于自然生灵残酷的伤害和最终自食其果的画面，让观者无不为之动容;《龙猫》中那憨态可掬的龙猫形象以及与小姐妹和母亲之间的点点温情更让人重温了童年时光;《千与千寻》中千寻的坚持和自我成长启发了无数少年在成长之路中自我探寻……从1984年创作成名作《风之谷》一路走来，宫崎骏用其动画人的坚守、人文者的思想力和艺术家的表现力，为广大观众创作出了一部部动画经典杰作。正如1922年法国影评家埃利•福尔满含感情所预言的:“终有一天动画片会具有纵深感，造型高超，色彩有层次……会有德拉克洛瓦的心灵、鲁本斯的魅力、戈雅的激情、米开朗基罗的活力。一种视觉交响乐，较之最伟大的音乐家创作的有声交响乐更为令人激动。”宫崎骏在创造一个个票房奇迹的同时，无疑也实现了这一预言。他用他的作品启发了一代代青少年思索人类与自然的命运，体味友情、亲情以及青涩的爱情，理解成长与坚持;他也用其作品精致优美的画风以及天马行空的想象让我们感受到了那一个个细节的美感存在和创想创意的魔幻之境。奥尔德里奇说:“将客观事物分成两种:物质对象和审美对象，同一事物能否成为审美对象关键在于这一事物本身所具有的特性。事物的这些基本特性决定着知觉的主体采取何种知觉方式(观察的方式还是领悟的方式)。如果事物的基本特性引起主体对它采取领悟的方式，那么该事物就将作为审美对象而存在，反之，观察方式下对应的就是物质存在。”被人们广为传颂、激发了一代代青少年的宫崎骏动画带给了人们太多感悟和赞叹，完全符合审美对象的特质。而且其作品广泛的接受度，为激发学生审美兴趣和深入解读作品的审美情趣打下了坚实的基础。

动漫艺术论文篇2

动漫产业，是二十一世纪最具发展潜力的朝阳产业。据经济专家预测：中国动漫产业拥有200亿元的大市场，并将拥有超千亿元产值的巨大发展空间!近年来，国家相关部门也连续出台了一系列相关的文件与政策，鼓励与扶持中国原创动漫产业发展。

动漫产业红火带动了动漫人才的需求。也必然带动了动漫教育的发展。直到上世纪末本世纪初才刚刚起步的我国的动漫教育短短几年问发展到2005年正式面向社会招生、有学历文凭的动画专业学生的院校已达到200多所，在校学生7000多人。据调查，仅仅是湖南动漫设计艺术教育行业，到2005年。共有长沙理工大学、湖南师范大学、长沙师范、湖南大众传媒学院等9所院校相继开设动画专业，专职教职人员110人，在校动画学生总计约700余人，另外还有相关的动画培训机构9家，合计年招收动漫学生总人数达到l千余人。

与此同时，我国的动漫设计艺术教育也面临巨大的挑战：办学历史短，师资短缺，系统全面的教材严重缺乏，教学环节不规范等等一系列的问题得以呈现。一方面，学习动漫艺术设计的学生人数在不断地增加，就业形式逐渐严峻：另一方面，动漫界的人士却在抱怨动漫设计专业人才缺乏!中国动漫设计艺术教育向何处去的问题日益突显!

然而由于种种原因，国内学术界对于动漫设计艺术教育的研究却严重滞后。当今学术界对中国动漫(动画)产业研究相对较多，对动漫教育研究却较少，相当多的文章都是在谈论动漫产业时稍稍涉及动漫教育问题，而且谈论多为从动漫设计艺术所需人才角度来切入。如王永利《迎接中国动画产业的春天》只是蜻蜓点水地谈到动漫人才培养的重要性；范黎明《中国动画的昨天、今天和明天》指出了中国动画事业繁荣的基础在于依靠动漫设计艺术教育多规格人才的培养：国内从事动漫设计艺术教育发展战略的有关研究(包括研究论文和研究著作或系列报告等)目前还非常缺乏，《2004国际动漫、游戏教育与产业发展论坛论文集》(辽宁美术出版社，2004年版)涉及到动漫教育及其发展战略的论文只有少数几篇。尤其是对动漫设计艺术教育整个流程缺乏必要的分析，从而使得动漫设计艺术教育缺乏可借鉴的理论成果。要彻底改变这种状况，必须对我们当前的动漫艺术设计教育进行全面的反思。

一、关于动漫设计教育目标

我们的动漫设计艺术教育脱胎于传统的工艺美术教育，最初从事动漫设计和动漫产业的工作者都是从事工艺美术教育领域的学人。“人是历史生成的高级动物。”往昔人才教育的一个根本目标就是要使得这种人才成为“精”和“深”，专注于动漫本身的技能培养，着重于动漫本身的艺术形象的设计技能和方法，使之成为一种技术性专门人才。时展到2l世纪，社会的发展，科技水平的提高，对传统的媒艺动漫设计人才教育观念和教育目标提出了挑战。媒艺动漫设计艺术教育人才培养目标应该是由以往的专家技能型转向博学面广的复合型人才。即：不仅仅要求这种人才只注重技能训练与培养，还要求他们能够成为“熟技能、懂策划、会管理、能经营”的复合型高级人才。这样，教育目标也由以往的技能教育为主转变为以设计艺术素质教育为主。

这种以设计艺术素质教育为主的动漫设计艺术教育中应该是以突出创造性思维培养为主的素质教育。但由于当今中国的内部环境种种局限，伴随着政治、经济、历史条件和社会条件的限制，要真正达到素质教育目的还有很长一段路要走。在发达国家的设计艺术教育概念中，就自始贯穿着独立与创新的思想，同时。在中小学教育阶段艺术与设计的基础教育是十分普及和重视的，它同样是素质培养的关键环节，大多学生在还未进入高等艺术院校之前，其审美能力、判断标准已达到一定高的层次，虽然艺术表达能力没有跟上，但艺术设计的构思创造能力却远比中国通过强化训练或临时改变职业目标考入艺术院校的学生强。其实，从某个角度看，高等艺术院校教育成败的衡量标准也并非是培养出多少单纯的“绘画机器”和“设计工具”，而是让其掌握艺术技能，会创造贯通的“通才”创作者，无论他们将来在哪一个领域作出贡献，都有动漫艺术设计教育中所受到的创新思维素质培养的功劳，这应该就是素质教育与职业定位在动漫艺术设计教育概念上的根本区别和意义。在设计中，自由的创造及想象才是对时代心灵应当有的回应。真正的设计自由可以象直觉绘画般的畅快淋漓。法国艺术学家丹纳在《艺术哲学》中分析设计作品质量下滑的原因总结为：“思想感情的薄弱，伟大原创的淡薄，只凭回忆和传统才保持那个观念，但手艺却更熟练了。”

这种动漫人才的培养最终要落实到教育教学课程的建设上，所以动漫设计人才的素质教育不是简单地对传统课程的增删和归并，而是使学生在自身设计能力方面得到持续提高的同时，全面加强其综合素质的培养。为了适应素质教育的需要，应当在学科建立、专业设置和课程、教材建设等方面增强其互融性、交叉性、应用性等功能。动漫艺术设计教育的互融性，是指设计学科与其它人文学科乃至自然学科的相互渗透与融合。任何与本学科相关的知识和成果，都可以融合到设计学科中，对其发展起到重要的整合作用。动漫艺术设计教育的交叉性，是指设计学科内部各门类的相互交融和贯通。学科专业方向划分要相对合理，打破专业方向之间的屏障，加强其共同点和交叉性，拓宽专业面。动漫艺术设计教育的应用性，是指艺术设计教育要适应社会生活的需求，以及对于社会生活的广泛渗透。教学课程的设置、教材的编撰和筛选，都要充分考虑社会各方面需求，及时不断地作出调整。只有这样，才能保证媒艺动漫设计人才全面健康快速地成长。

二、关于教学模式

媒艺动漫人才的成才与否的关键因素之一是和学校教育的模式密不可分。纵观媒艺动漫艺术设计教育的发展，可以分为三种教育模式：技能型、观念型和素质型。所谓“技能型”，即传统的培养模式，其特征是以具体的设计手法和技巧为训练内容和培养目标。这种模式的共同特点是忽视现代设计的发展性、多样性以及学生创造性思维的发展，使人才的培养走向技能束缚的匠人型，跳不出旧观念的窠臼，这种模式最终付出的惨重的代价就是培养的没有思想的没有创造性能力的“设计工具”。所谓“观念型”，即追随现代西方各种设计思潮的发展，这种模式使其设计有过多的追求，一味强调自我主观意识，而忘记设计的本质乃是一种造物活动，使得设计离开现实的丰厚土壤，显得飘忽不定。当然，结合到我国的媒艺动漫设计艺术教育现实，这种教学模式对传统技能型教育模式的冲击，具有一定的积极意义。现代媒艺动漫艺术设计主张的教学模式是“素质型”，是以增强设计综合能力为培养目标的崭新模式，着眼点是学生的综合能力和综合素质的培养。这些综合能力包括设计逻辑分析能力、创造性思维能力、社会文化的洞察力、设计表达的驾驭能力等等。它具有现代建构多元化发展的深刻内涵，体现了民族、地域、文化、历史等方面的特色。

总体来说，媒艺动漫设计艺术教育是一种非常特殊的专业性教育，它培养的不仅仅是熟练掌握和应用技艺的人才，更重要的是培养具有健全文化修养，人文品格精神的设计“人”才。这是21世纪对中国媒艺动漫设计艺术教育提出的更高要求。一方面由于科技的飞速发展，各种媒体手段已深刻而直接的牵制了设计者的思维判断方向。媒体手段一方面以前所未有的巨大能量开拓出了视觉模拟新形式语言，为艺术设计提供了大量的设计空间；另一方面，这种设计空间的力量最终产生出一种令人难以摆脱的制约和心理寄托，使得媒艺动漫艺术设计的原创性、真实自然性、人文思想情感性得以全面消解。媒介时代对当下媒艺动漫艺术设计产生最为直接的影响是挪用、照搬、拼制成了设计者创作的有效快捷手段；随机、重构、拼接代替了创新、真实、情感。没有情感的驱动力，没有基本的逻辑线索，没有深刻的思想内涵。媒艺动漫艺术设计作品承载的只能是欣赏当下视觉感染力和冲击力的过眼云烟!

从动漫设计艺术教育的角度分析，动漫设计艺术它重技能，重画面功夫，但更重“画外功”和“画后功”，这“画外功”指的便是多方向的诸如文学、哲学、道德等修养，这也是中国当下动漫设计艺术竞争不过美国、日本、韩国等国外动漫设计艺术的根本原因。如何让受我们的媒艺动漫学生在有限的时限内掌握知识要领(技艺)，既能够获得造型基础能力，又能够在艺术追求多元发展的结构中选择自己深入的方向及可能性，以及在此基础上形成的创新精神，是每一个媒艺动漫设计艺术教育工作者应该深思的问题。

在媒艺动漫艺术设计教育中，我们认为当务之急应当梳理学科和专业，改革学科发展结构和教育机制乃至教学计划，在保持传统基础学科发展的前提下，综合各相关各种学科的特色优势，创造出既有利于基础互通，多元发展，又有利于学生自我整合能力提高和创新能力培养的教学模式和系统的形式来。三、关于教学方法

在知识经济时代，媒艺动漫艺术设计教育的教学方法必将发生深刻的变革。从事设计教学的教师的职责将不仅是向学生的头脑填塞过去的文化和灌输现成的知识，而且是着力于开发学生的智力和创造力，鼓励学生独立思考，培养知识广博、思维敏捷、富有创新精神的具有国际文化视野、中国文化特色的动漫艺术设计师，更重要的是引导学生学会科学的方法论，树立正确的人生观和价值观。教育在于把人的思想提升到较高的境界。这有赖于教育者自身素质的提升。从事动漫艺术设计教育的教师如果没有哲学家对认识世界的思索，没有艺术家对审美意识的敏感，没有自然科学家对人类自身的关怀，就很难做好教育工作。只有采取切入学生心智，唤起学生探究欲的教学方法，才能给学生以足够的发展空间。21世纪是一个信息爆炸的世纪，更是一个信息传播速度异常迅疾的世纪，这也意味着传统教育教学方法将教师当作知识“仓库”观点的终结和将教师教学只是当作可以复制粘贴的“拷贝式”方法的休止。这种背景更要求动漫设计艺术教育应该彰显“创新精神”，发挥每一个学生的主观能动性，教师应视学生为教学主体，最大限度地“钻探”每一个学生的潜质和潜能，采用更为开放的授课方式，探索研究型课程，尝试运用“适当讲课+公开讨论+研究探索”的教学方法。教师的作用重在引导，让学生学得主动，重在掌握独立思考、独立分析问题和解决问题的方法。教师在教会学生学习方法的同时，还要注意充分开发具有不同禀赋的学生的潜能，让每个学生都有发展和提升的机会。整个教育教学过程应注重发现学生的创新精神和创造能力，及时给予鼓励和支持。在教学中注重设计过程的体验和实践，建立新的设计作品评价体系。支持学生新颖独特的想法、做法，创造宽松的气氛，以利于学生的成长。

四、关于教学手段

动漫艺术论文篇3

伴随着社会经济的快速发展，国内各行业都有了很大的进步，尤其是以科技为依托的虚拟现实技术，是现代前沿科技的代表之一。环境艺术设计领域同样如此，人们对于精神生活的要求越来越高，自身的艺术修养与欣赏水平也在不断提升，对于居住环境也提出了人文、绿化等要求，“未动工，先见形”已经成为建筑与环境设计行业的基本要求。建筑动画漫游应运而生，在现在乃至将来都是艺术设计领域热门的概念。

一、动画漫游中的建筑环境设计

建筑动画漫游是在科技的依托下，将环境艺术设计的思维方式与创作手法和虚拟现实技术相结合，根据规划设计图纸将建筑、园林景观以及各种生活配套设施等诸多环境艺术设计元素通过虚拟现实技术展现出来，是现代城市规划与建筑设计领域普遍采用的一种较先进的科技手段。近年来，随着数字科技的进步，建筑动画漫游在国内外都得到了更多的运用。与以往的建筑环境设计方式相比，建筑动画漫游有着前所未有的人机交互性特征，其制作呈现的真实建筑空间感和大面积的三维地形仿真，都是传统建筑规划与环境设计所不能比拟的。建筑动画漫游能够较为全面地展现建筑整体的建成效果，甚至可以通过虚拟技术制作出实拍所无法展现的镜头，有利于建筑设计师将设计思想准确无误地体现在建筑环境设计中。通过建筑动画漫游，人们能够提前看到未来居住环境的概貌，感受到未来家园的美丽景象。目前，房地产商在开发项目之前，往往会将整体设计理念通过三维图像技术进行综合体现，对整体的建筑环境进行现实模拟，展现未来的设计效果。在建筑动画漫游中，人们可以在虚拟现实的三维环境下，用动态交互方式对未来的居住环境，包括室内环境、室外景观、生活设施等方面，进行身临其境的综合体验与全面审视，可以在任意的角度与距离仔细观察每一个场景；人们能够选择多种运动方式，自由控制浏览路线，通过行走、驾驶或者飞翔等不同的运动方式，选择多种路线进行观察。而且在整个漫游过程中，还能够实现多种设计方案效果的切换，人们可以感受不同设计方案中不同的环境设计效果，从而获得强烈、逼真的感官冲击和身临其境的体验。

二、动画漫游制作中的环境设计思维

虚拟现实中体现的环境艺术设计，是通过动画漫游的视觉形式而体现的一种环境设计展现方式，可以为观众提供更直观的视觉参考，也是人们了解环境整体设计的便捷途径。在建筑动画漫游中，关于环境建筑场景的设计需要遵循如下几种思维方式。第一，建筑动画漫游中环境设计的整体思维方式。在这里，整体思维也称为系统思维，它认为整体是由局部有序组织构成的，并且要求综合、全面、整体地把握设计对象。在进行建筑动画漫游的整体环境设计时，设计师自始至终要保持一种整体、全面、系统的创作理念，并且要在设计制作过程中处理好整体与局部的关系。整体来看，建筑物设计、景观设计、场景设计或者内部装饰设计，在整个动画漫游制作中都属于局部设计，这些局部设计中要体现整体思维的内在特质。在实际的建筑环境设计过程中，局部设计的设计师，如景观设计师，在设计之初就要与主创人员进行沟通与交流，并达成统一的创作意图与目标。景观设计师要从宏观上整体把握整体动画漫游制作的景观造型、色彩与情景基调，从整体上驾驭动画漫游作品的关系框架，因为景观设计在整体的建筑动画漫游中能够起到衔接的作用。在一些具有复古风格的现代传统建筑设计中，设计师需要按照一定的程序系统地进行设计，一般环节为搜集素材、整合材料、创新设计等。首先要搜集素材，传统风格的建筑设计素材搜集一般包括考古资料、实物素材以及当地居民生活方式、建筑营造方式甚至气候特征等多方面。其次是整合材料，对于搜集到的所有素材，要根据整体设计需求进行整合、归纳，目的是使素材条理化、系统化、合理化、简洁化，为整体设计提供直接的参考数据和相关资料。再次是创新设计，根据所整理出的设计素材，先要设计出整体规划的平面图纸；再根据整体动画漫游制作的意图与目的，包括风格、色彩基调等，进行局部的建筑与具体物件设施的设计；到后期还需要将局部的个体设计放在整体的大关系中进行调整。总的来看，动画漫游的整体制作过程也就是由整体构思到局部设计再到整体调整的过程。因此，建筑动画漫游本身就具备整体思维的特性。第二，建筑动画漫游中环境设计的辩证思维。辩证思维遵循唯物辩证法的规律进行一系列的思维活动。唯物主义告诉我们，社会存在决定社会意识。环境艺术设计源自人们对于居住环境的审美需求，人们对于居住环境的审美对于设计师的思维与设计方向有着很强的导向作用。在环境艺术设计中应用建筑动画漫游同样需要遵循此理念，在已有的技术条件下，设计的过程更关注市场的供求关系与人们审美的演变。现阶段，通过现代科技艺术形式，以动画漫游的方式带领人们进行仿真体验，其设计制作过程要求设计师以开放性的眼光进行设计，用事物之间存在普遍联系的观点完善素材，参照当地环境特色、建筑美学、园林景观规划等，综合受众的通识审美特征，在变化与对立中寻求统一，用一种辩证思维的方法理解并指导环境艺术设计中的建筑动画漫游制作。优秀的现代环境艺术设计要求实事求是，符合当今的国情，并对当地风土人情、环境气候尤其是受众的要求有适当的体现，在建筑动画漫游设计中同样如此。动画漫游中的主体设计要根据当地人的生活方式、建造材料与技术、地方独特气候综合考量，现代建筑设计也是根据这些影响因素构成的。因此，在建筑动画漫游中，用唯物辩证思维进行设计制作，就能够设计出符合当地民俗文化与大众审美要求的动画漫游作品。第三，建筑动画漫游中环境艺术设计的创意思维方法。创意思维可以被理解为设计师在针对设计对象进行设计的过程中的一种创造性思维活动。设计师通过想象、组合与创造对设计对象的主题、内容以及表现形式进行观念性的创新构思，创造出一种全新的意念或者系统，使创造主体的内在属性上升为大众能够接受的具象表现。一般情况下，创意思维包括形象、直觉、抽象、灵感、收敛、发散、联想、逆向等多种思维方式，有独特性与趣味性，是具有创造性的一项行为活动。环境艺术的动画漫游设计更需要较强的创意思维，以提升设计作品的艺术感染力与趣味性。在建筑动画漫游设计中，设计师还要注重设计对象的科学性与真实性，通过多种途径，依据自身经验与学识，得到合理、准确的数据，从而设计出逼真的场景、道具、主体建筑等。在设计中，设计师需要运用多种创意思维的方法，综合整体动画漫游的基调，进行设计造型，完成既与主题要求相符又形象逼真的动画漫游形象。

结语

环境艺术设计与虚拟现实技术的融合，以动画漫游的科技艺术形式提前展现设计师的思路与创作，让受众在仿真体验未来居住环境的同时，能够根据自身的实际需求，对设计方案进行考察，更加全面、直观地感受未来的居住环境，彰显了环境艺术与虚拟技术不同领域的文化艺术多元化的交互式发展。在环境艺术设计创新发展的道路上，跨学科、跨领域的发展模式能使设计师拥有更广阔的思考范围，从而挖掘出新的作品与艺术形式。

参考文献：

[1]王晖.虚拟现实动画技术在现代环境艺术设计中的应用.现代装饰（理论），2012（7）.

[2]田世彬，韦凯.谈虚拟古迹漫游动画的场景设计思维方法.艺术教育，2009（1）.

[3]潘祖尧.古为今用——现代化传统建筑设计探索.现代城市研究，2002（2）.

动漫艺术论文篇4

中图分类号:J954 文献标志码:A 文章编号:1009－5128(2016)07－0076－05

我们生活在一个五彩斑斓的世界，感受着色彩也依赖着色彩，并且还要创造出更丰富绚丽的颜色。在电影表现中，色彩是有意义的，它能触动人的心灵，就像文字一样能传达信息，因此，色彩就是一种语言，是动漫电影中一个至关重要的视觉元素，也是观众对一部电影最直接最快速的印象，作为一种优美的绘画和设计语言，色彩的魅力在于它对心灵的渗透性，表达了人们对美好事物的追求与情怀，传达着电影艺术的灵魂与精髓。

一、整体的色彩基调营造独特的意境美

在电影创作中，色彩是造型语言中最具情感特征以及艺术感染力的元素之一，它能引发创作者和观众之间的心灵沟通，反映出作品的情感基调。一部动漫电影的色调愉悦感至关重要，一切技术环节似乎都由色彩统顾并决定着对观众情感的走向。色调指的是一部电影中画面色彩的总体倾向和总的色彩配置组合，是大的色彩效果组成的有机统一体。色调作为影片内在精神的外在体现，是一种信息的传递方式，在动漫电影中起着十分重要的支配作用。色调的形成包含了创作者大量的主观成分，但绝不是对现实生活的照搬，艺术家常常借助色调对电影进行意境的表现和情感的传达，构成电影的总体风格。“意境”是情与理、形与神的完美统一，具有东方特质的审美特征，属于传统美学思想的重要范畴。一部优秀动漫电影的审美意境可以使人们产生无限的想象，感受画面传达的精神状态，产生共同的呼唤。具有意境美的、富有艺术气息的色彩画面容易获得观众的青睐，体现出虚实相生的美学理念。

(一)耐人寻味的意义符号

每一部作品的主色调决定着空间环境的总体氛围，关于色调主要有两种情况:局部色相常以一个段落出现，主色调贯穿于整个影片，局部色相与主色调相辅相成。《幽灵公主》这部“站在世纪末的历史视点上而创作的现代神话”［1］，以宁静的色彩空间引人入胜，不仅着意于对整体色彩的抒情和营造，“更多的是以天马行空的想象去反思现实中的问题”［1］:幽深苍茫的原始山林掩藏在云雾之中，连绵的群山置于一景，整体色调以绿色为主导。绿色是大自然的色彩，象征安宁、自然的环境，表现出生命的活力与健康，具有平衡人类心理的作用，黄色的明朗与蓝色的沉静相糅合，使山林显得既平和又富于活力。不同色彩的树木和生灵被笼罩在一片轻纱薄雾似的、浅绿色的晨光之中，游弋在山林里的绿色小树精，巨大体型的白狼神在金色的光芒中现身，五百岁寿命的关酉猪神隐身于山林深处或某个山夷之中，浓雾的笼罩下隐约可以看到几个闪动的黑影，一幅生机勃勃、绿色盎然的原始森林景象出现在人们面前。画面色调整体晦暗，没有高调渲染，体现出山林的古老神秘，华丽又不失内敛和精巧。画面色彩关系协调统一，富有对比变化，既有统一的色调，又有丰富的细节色彩变幻。

(二)夸张的色彩表达

宫崎骏对于局部色相的色彩搭配十分讲究，局部色相的色彩往往与主色调的色彩构成类似色或互补色配置。《悬崖上的金鱼姬》在色彩设计上采用的是相反色相、类似色调的配色方案。电影选用了明快的色彩，局部与主体使用的都是彩度比较高的亮色的调子，多种不同的亮色调制造出具有鲜明对比感的效果。电影的开端是一群色彩斑斓的金鱼在深蓝色的大海中游荡，画面色彩以蓝色为主基调，背景处理简洁明了，与人物造型形成鲜明对比。在色彩表达上，整体用色精炼、限制，在蓝色调为主体的前提下，少量的粉红色为画面色彩起到了调节和丰富的作用，表达方式既舒缓轻松又含蓄婉转，显得朴素雅致，加强了色彩的表现力。蓝色属于冷色系，它沉静、平和、清流澈净，具有理智的特点，无垢清澈的蓝色大海体现了自然界能量的感觉和神秘感，带给人空灵、高远、凉爽、清静超脱、远离世俗的感觉，新鲜水嫩的色相令人感受到希望，给人一种朝气蓬勃的印象。红色一端的色系总是和温暖、热烈相联系，一大波鲜亮的红色鱼群吸引了观众的注意力，对观众产生强烈的视觉刺激，使人产生兴奋的感觉且能给人留下深刻的印象，气氛轻快富有朝气，体现出生命的热情和活力，有蓬勃向上的诱导力。背景中的粉红色与主体的蓝色构成相反色相，主体形象也由此与画面背景在色彩上有了延伸和呼应，蓝色的大海里游动着红色的鱼群，加强了动态的对比效果，又给冰凉的大海增添了暖意，提高了整体画面的“色温”，虽然采用的是冷色系，却没有寒冷的感觉，明快清透的色彩，反而带给人一种清凉之感。亮丽的色彩基调和明显的色彩倾向使色相的效果更加突出，形成电影稳定的效果风格。宫崎骏以最简洁的色彩基调，赋予了影片独具特色的观念特征，体现出电影的内在品质，深化了电影的主题内涵。色彩是人眼感知客观世界的反映，是审美情趣的外在体现，为充分表达个人的内心感受而服务，这就需要在客观色彩的基础上进行主观性的概括与强化，用色彩表达情绪感受，渲染意境。一部成功的电影存在一个普遍意义的主题，色彩的处理必须根据电影的主题和题材而定，为了直观有力地表现这个主题，必然有一个与其相符合的色彩基调。色调的统一并不意味着色彩的单调表现，也不仅仅是色彩的拼凑，而是让作品的色彩丰富且有变化，以此来概括影片的思想内涵。不同色彩自身的内涵也不尽相同，带给人不同的情绪与视觉感受，由此引发的联想更是不同:冷色调给人清幽凉爽的感觉，清淡柔和的暖色调给人温暖的感觉，深色调给人端庄成熟的感觉，轻快的色调让人感到心情愉快，凝重的色调让人感觉压抑，简简单单的色彩表现随着画境走了出来，唤起人们对影片中意境的联想。情景交融的意境与合理的色调运用将艺术家的情感恰当地表现出来，为电影增添了无穷的魅力，加强了视觉的传播效果，产生了独特的风格韵味。

二、明丽清新的色彩形成电影的诗意美

色彩作为动漫电影中一项重要的视觉元素，与其在绘画中的作用一样，存在于纯粹的二维空间内。由于二维空间的特殊限制，它以图形构成和色域配置为主要支撑，生动的气韵似一股清泉沁人心脾、意味悠长，艺术的美感和价值得到释放。神秘而富于东方韵味的画面美感流露出无声的震撼力，带来了与众不同的视觉感受。

(一)水色美感与彩的亮丽

审美本身意味着“更为有力的感觉、更为有力的知觉”［2］42。水彩从美学内涵来说是一种诗化性，它的丰富性和神秘性使它作为一种文化符号用来表现电影艺术的独特视角，它的不确定性决定了它更适合在动漫背景的创作中运用。水彩效果的绚丽在很大程度上取决于画面水味和彩韵的把握和处理，宫崎骏通过把握水彩的材料特性，在处理形、色、韵方面展现出自己的直觉感受，充分利用水彩中水的灵动之美、笔的自由之美之间的搭配成就了美妙绝伦的视觉风格。画面质朴平和，浓重厚实却不沉闷，充分展示了水彩的艺术魅力。简约的构图和色彩的把握构成了虚实相生的意味和通透灵妙的趣味，一花一草都给人一种悠闲自在、宁静畅快的享受，细致多变的色彩呈现出不拘一格的审美个性，流露出文人的审美情趣，赋予了影片空灵雅致的诗意气质和东方文化韵味。“动画电影最大的魔力就是想象力的无限驰骋，宫崎骏的动画更是充满魔幻、童话的色彩。”［3］6《悬崖上的金鱼姬》的水彩世界色彩单纯却不单一，明暗层次千变万化却不凌乱，许多色彩的微差耐得住咀嚼和品味，浑厚生动、幽谧深邃，充满了诗意的柔美。有一幕海水吞没了小岛，在以蓝绿色为主色调的画面中，海水与天空相映生辉，青青的绿树和洁白的云朵统一在柔和而又鲜活的画面之中，红色砖瓦的房屋点缀其间，小比例的红色提亮了画面，形成了在青蓝色调下色彩对比与多样性的统一。蓝色、绿色等中间色系的相互搭配，融入了自然的纯朴。质朴、畅快的色彩接近自然植物生命的原始本色，天空与海洋的连接用笔随意自如，色彩过度轻柔而洒脱，虚实的处理清新舒雅，自然的变化没有一点矫揉造作的成分。海天相接处色彩微妙，大面积的色块淡雅浪漫，在水与色的混合下似乎融为一体，达到了更纯净的透明感。色彩在水的冲刷下湿润、淡化、沉淀，在水体的状态下表现出浓淡有致、虚实相间的层次美感，产生了纯净、舒畅的视觉韵味和千变万化、绰约多姿的无穷韵味，呈现出简约朴素的美学风格和生动传神的变幻效果，显示了水彩柔和轻快、晶莹剔透的本质特征，将画面达到一种迷离的诗意境界。水色交融的美感直达人们心灵深处，优美灵动的氛围得到了彻底的体现，使画面既具有西方绘画的明快，又具有东方文化的神秘，让人久久不能忘怀。水彩具有清雅莹润、朴素而不落入俗套、秀美而不艳俗的特点，以其清透灵动、畅然自如等特点被称为绘画中的轻音乐。水具有十分活跃的流动性，水分湿度的变化使色彩的分布富有节律，从而产生了层次、空间、虚实等独特的视觉效果。水彩颜料的色泽本身的透明性，会使得画面显得斑驳陆离，产生明净的效果。水分与色彩互相渗透，反映了互为包容、无时不变的整体涵量关系，透视出色彩的明快与娇艳，产生了与诗词韵味十分相似的特点。正是由于宫崎骏对水彩的热爱和深情，恰当地运用水彩画的本体语言，将自己的人生追求与理想寄寓其中，与自己独特的审美理念与表现性、精神性相融合，捕捉生活细节中的感受，融入自己的情感体验，借助水彩造就的清透润泽以及特有的肌理效果，使画面既有泼洒的大面积铺调，也有工整的细节刻画，散发出鲜活的感情色彩。当人们欣赏这些杰作时，不禁迷恋在水彩带来的感动里，令人沉醉的风韵安静温暖而惬意，心灵与情感都得到了净化，以至忘记对景物细节和质感的描绘，而把注意力转到对色彩形式的组织和意趣的表达上来。

(二)水色交融

宫崎骏对画面的要求十分精致和逼真，色彩表现寻求一种诗化的距离。水彩是其画面形式的符号象征，他的电影没有刻意围绕“意境”“境界”等词语展开，而是注重色彩与水、墨材质之间的关联性，将水分与色彩融合在一起，在游走的、不断变幻活动的水与色中，创造出富有鲜活生命力的“自然的诗意”空间。画面古朴优雅，韵味十足，简练而富有深厚文化底蕴的背景处理呈现出个性化的现代面貌，明丽清新的色彩为观众涂抹出了诗情画意般的宁静和唯美，朴素真挚而充满生活趣味的作品让人耳目一新，实现了意境美的突破与哲学思想的融合。《天空之城》中风暴散去后出现的城堡仿佛置身于天堂，古老的废墟和长满青苔的石头，机器人肩头的小鸟，用细腻的笔触表现气势恢宏的画面，俏丽明朗的画风和故事情节的发展相互映衬，纯净清澈的画面进入到心灵深处，似乎向观众诉说一段刻骨铭心的历史往事，让人体会到不同的情感反应，回味无穷，意境深远。水与彩干湿结合描绘的风俗画安静且耐人寻味，呈现出诗的意趣。《龙猫》中的景色还原给人们世外桃源般的梦:柔和温暖的光线下农场里劳作的妇人，优雅的女性被光晕围绕，形体和质感都恰到好处，再加上光线的鲜明对比，使得形体响亮稳定又不失松动的美;家门口的林荫小道，色彩的组合安排突出，明亮的光线和恰到好处的色彩在昏暗灯光的笼罩之下，弥漫着温馨恬静的情调;让人心生神秘的树洞，将光影演绎成大面积的黑白色块，树洞的光影如梦似幻，消解了树洞的沉重，几缕阳光从树叶的缝隙中投射下来形成的斑驳树影，有着超乎自然的光影趣味。独特的光线处理、特殊的色彩表现，细致的形体刻画和巧妙的空间处理，在华滋苍润、光色交织中激起诗意的心理反应，赋予作品诗一般安静恬淡的氛围和宁谧幸福的情调，产生了生动浑然的效果。“每个国家、每个地区的动画在色彩方面都有着其自身的特色，这些色彩不仅反映了一个国家的精神面貌和人民大众的审美内涵，更表现了一个国家丰富的民族文化。这种客观存在的文化现象导致了人们对色彩认知的差异性，了解这一点，对于色彩的应用和表现有着指导性的作用。”［4］75宫崎骏擅长运用水彩的艺术特性描绘自然界的物象，以诗境为灵魂表现诗化的美感，在婉约的情韵和豪放的气度之间探索诗意的画面表现:用高纯度的色彩表现坚实挺拔的树木，色彩之间的搭配和谐而不突兀;朴素陈旧的日式老屋以富有情绪感染力的水彩技法营造着独特的气氛;茂密新生的树叶和平坦厚实的黄色土壤以不同色调的对比营造出明快的画面效果……美丽的田园景象质朴而不失情趣，中灰色系的色彩中和了画面的张扬感，富含深深的诗情画意，丰富而不单调，华丽而不艳俗，体现了东方传统绘画的气韵和抒情。明快清润的视觉效果使人感受到静默的感悟和幽静平和、素朴淡雅的东方神韵，在色彩中调和了水的纯净清澈，赋予了画面滋润感。简略概括的色彩表述形成了空灵的诗化美，使作品既有传统的民族风貌又有西方水彩的表现样式，充分表现了自然景物的客观美感，呈现出亮丽明澈的诗意风格，引发出如诗如歌的审美意趣，给人以诗的回味，悠远而清灵的诗意境界使作品具有更高的审美价值。宫崎骏的电影作品经常以水彩写意的方式呈现，在水与色的组合中注入传统的审美元素，将传统绘画的写意精神和诗意化特点融入画面的表现当中，以水意酣畅、色彩简练和用笔洒脱为特征，营造出风韵优雅、流畅轻快的诗意般优美画面，构筑了扣人心弦的诗境，呈现出洁净、明快的画面效果，强烈的抒情意味展现了生动的活力和生命力，成了观众与创作者精神之间的纽带，给人乐观愉悦之感，促使人在静思默想中感受到那种淡泊自然、幽深清远的神韵，并引发出如诗如歌的意趣，这种以静寂为底流的枯淡和朴素的自然之美造就了影片画面的动人之处。

三、简单色彩涂抹出丰富细腻的形式美

绘画与动漫电影有极其紧密的联系，宫崎骏一直坚持传统的手工绘画，他用简练的笔触和单纯的色彩自然地彰显出一幅幅温情的画面。这些景象多以水彩画为背景，并吸收了其他有关画种的多种技法和风格形式。其中融入了印象画的色彩，水墨画的洒脱，版画的概括，油画的细致和中国画的用笔等。浓郁滋润、艳而不俗的色彩丰富却不失协调，内敛而不失华美，朴素中蕴藏着十足的韵味，具有强烈的情感表现力和返璞归真的效果，达到一种自然天成、难以言传的境界，流露出艺术家细腻的情怀和对生活中微妙细节的感悟力，创造出运用水彩语言传达自己真实感受和理念的优秀作品。

(一)西方油画的诗情画意

宫崎骏具有浓厚的东方艺术情结，力图在传统绘画的基础上用民族化的油画技法表现自然景色，自由地发挥油画的艺术表现，把东西方的表现形式糅合起来，在东西绘画的中间地带寻找画面表现的优势。在创作过程中运用不拘一格的油画技术，结合平涂、厚抹、勾勒等技法，配以真实华丽的色彩，给人无拘无束的感觉，极大限度地拓展了油画的功能，唯美的涂饰效果打动着每一位观众。《千与千寻》的画面制作极其精良，宫崎骏“把神奇而荒诞的幻想与新闻报道般的写实原则相结合了起来”［5］85，他立足于西方的写实理念，继承了油画的绘画技巧，以深厚的油画功底展现奇异的世界:油屋的主楼是具有唐朝风味的日式古老建筑，以红色作为油屋的主要颜色，大块的色彩活跃又显得华丽，红色的墙面上涂有一层均匀的绿色，顶端阁楼加上半透明的亮黄色调，使后面的蓝天和白云能够部分显露出来，透出一股动感和视觉扩张，以灰色的窗格轮廓线勾勒在纯度较高的画面背景中作缓冲，表现性的线条与造型结合取得了色彩间的和谐，给人以古朴、柔和、高雅和稳重的美感。客房以带有浓重装饰意味的形式出现，在具备西方现代绘画的写实性技艺的同时摒弃了油彩的浓与厚:拉门上的几笔简单线条勾勒出花卉的外在轮廓，行云流水般的笔触传达出牡丹的内在神韵，暗部的色彩较为浓厚，亮部一边用色明亮丰富，流云的造型借鉴了中国敦煌壁画中流云的特质，流畅圆润线条体现出云朵的飘逸，以透明色加光，保持了色层的薄而透明，整体画面为暖色倾向的调子，以色彩的明暗、对比变化绘制了建筑物体的真实质感，充分表达了绘画艺术中的张力和表现力，给人美妙的视觉盛宴，使画面在电影中展现了不一样的艺术魅力。

(二)东方绘画的意蕴体现

水彩绘画是宫崎骏手绘动漫世界的另一种主要技法。水彩是指以水为表现媒介调和透明颜料来完成作品的一种绘画方法，是一层颜色覆盖另一层产生的特殊效果，它讲求画作中色相明朗、干净，同时色彩要透明。宫崎骏在保留水彩画在形式语言、精神意蕴等方面的特有艺术风貌的基础上，依托水彩独特的性质绘制出多部色彩明亮、格调清新的电影作品，不仅表现出湿润、流畅的画面效果，还达到了浑厚劲拔、扣人心弦的艺术境界，丰富和发展了水彩艺术。《龙猫》作为水彩艺术中的至尊经典，电影美学中的最高典范，将水彩的异彩纷呈、精美绝伦展现得恰到好处，集中体现了水彩艺术的魅力。观赏影片中水彩图景的美先从水彩的表现内涵和色彩的传情入手:电影开端小米和五月坐在载满行李的三轮车上欢快地向前行驶，人物的刻画细致入微，景色的描绘使用了概括与写意手法，苍茫的青山、碧绿的田野、洁白的云朵、环绕的小溪、别致的石板桥和幽静的林间隧道等景物向后迅速退去，点线面的传递关系富有韵味，不仅表现出一种深远和强烈的透视效果，也诠释了生命与自然的轨迹。近景用色厚重、饱满，与远处的天空和青山浑然一体，富于对比和装饰性，使画面充满了想象和趣味性。片中穿插的一组空镜头也体现了水彩艺术独特的美:午后，阳光在树梢间自然流动，一只接近透明的蜗牛倚着青青的麦秆酣然午睡，湛蓝的天空中飘过一丝云彩，青翠欲滴的麦田里明澈的溪水流淌而过，近似水平的河堤与歪斜的小树形成了动感。乡村与群山交相辉映，森林与草地分离并置，通过对空气、色彩、光线和景色的捕捉以及具有节奏感的色彩部署，构造出灵动、畅快的视觉效果，让空寂的环境变得有了生气，一幅明丽温馨、安详平和的自然风景呈现出透明、轻快的特点，达到了一种空灵与诗意的艺术效果，将人的思绪带到久违的、自然纯朴的乡村田野生活中。诗一般的景色引发出如诗如歌的意趣，观众只有以一种物哀式的情怀去审视这部电影时，才足以领略到它幽深清远的意境和诗意般的沉厚意蕴，一种标准的东方式的古典美。宫崎骏的动漫作品如同诗词表达的美感，具有浓郁的诗情画意，他将东方绘画的意蕴体现和西方油画的直观生动地结合在一起，使画面的色彩关系和谐统一，达到了兼具东西方审美特色的新高度，使观众获得了愉悦的身心体验，在电影中获得现实中不能满足的审美需求。色彩是电影创作中具有特殊魅力和表现力的元素，观众通过电影与艺术家进行心灵的交流，使影片达到最佳的艺术效果。无论是温暖绚丽的阳光、深沉辽阔的海洋，还是明媚斑斓的花木、清冷阴霾的云朵，钟情于大自然的宫崎骏永远不知疲倦地以色彩来表达内心的童话世界，在奇特的美景中融入自己的审美意识，呈献给观众一幅幅情感充沛、自然优雅的优美画面，充满了表现与想象的空间。内敛、深厚的奇妙色泽和潇洒风雅的格调让人惊艳，绚丽的色彩在动漫影视作品中堪称绝色，色彩的丰富多样化、日本传统美学的精神内涵和审美理想的融合达到绝美交融的境界，清逸高雅、恬静素雅的意趣和自然、幽远的艺术效果为观众建构了一幕幕清秀儒雅、意境高远的东方式情景。

参考文献:

［1］田瑞平．宫崎骏动画电影研究［D］．南京:南京师范大学硕士学位论文，2005．

［2］刘光耀，杨慧林．神学美学:第2辑［M］．上海:上海三联书店，2008．

动漫艺术论文篇5

传统文化是中国劳动人民的智慧结晶，是中华文化历经千年下来的历史积淀。然而到了现代社会，由于各种文化思想的交融以及价值观念的冲击，当代国人对于中华民族传统传统文化的认知程度越来越低，到这很多文化传承开始出现断层，民族文化与民族信仰岌岌可危。尽管现代国人的经济水平提高了，也展现出强烈的时代感和与时俱进的精神，但是缺乏传统文化的认同感和继承观，就会导致精神的空虚。同样对于中国现代动漫创作来说，在动漫创作中过于追求现代化以及泛西方化，对于传统文化中艺术创作方法、技巧、形象、构造、色彩等未能有效地利用，不能够对传统文化中多种多样艺术形式和元素进行传承，动漫创作中文脉缺失严重。

（二）形式华丽而内容空洞

对于中国现代动漫创作中，创作形式被认为是动漫创作核心，而题材内容则是次要的。这种片面的观点导致了当前动漫界认为只要与民族文化沾边的动漫就是民族动漫，用民族风的形式进行人物塑造以及动漫形式就是民族动漫的发展方向。这一错误认识就导致了中国现代动漫在形式上达到了民族化的要求，在精神以及文化内涵上却远远达不到，造成大量的肤浅、片面民族化动漫作品的出现。中国传统动漫强调动漫与美术之间的联系，将中国传统绘画作为动漫“中国风”的表达形式。在造型上多讲究写意和黑白色彩的对比运用，用线条去还原人、物的本来形象。而现代动漫作品过于追求西方动漫艺术的夸张的造型表现人物的性格和外貌特征，这就导致了中国现代动漫作品越来越失去本民族的文化传承。

（三）满足不了人们日益丰富的精神文化需求

随着经济的发展，现代人对于动漫的要求也正在逐渐发生变化，其审美取向逐渐从传统形式的审美风格转变为现代化气息浓郁的文化艺术表现形式。现代作品讲究快节奏，观众能够通过欣赏现代动漫作品缓解快节奏的社会生活带来的工作压力。而中国传统动漫作品注重寓意的表达，在观众观看动漫作品的时候能够得到一定的思想教育，因此其创作形式过于注重说教，创作思维模式上较为固定和僵化，满足不了现代人日益丰富的精神文化需求。同时现代动漫创作缺乏创新，多沿用传统动漫的创作形式，导致动漫作品形式上显得僵硬和呆板，内容上缺少轻松、诙谐的幽默元素。尤其是是对于现代的“90后”、“00后”，其接受的西方思想较多，他们更倾向于欣赏时尚、新鲜的现代艺术作品，而对于传统说教式的动漫作品认可度较低。

（四）缺少本民族的文化特征

随着经济全球化的不断推进，不同地区的文化开始融合与演变，文化产品的顺势倾销和价值观念不断向全球渗透。对于发达国家来说，其文化发展相对强势，对于其他国家的文化冲击也较大，尤其是对于我国现代动漫作品来说，西方文化的强势渗入导致我国动漫民族化元素缺失现象越来越严重，中国现代动漫呈现出被西方动漫同化甚至被其取代的困境。例如风靡一时的《我为歌狂》动漫作品中，其整体人物造型、情节构造以及表达形式多采用西方动漫的方式，而中国元素只是其装饰的外衣，类似的例子还有很多。从这个案例可以看出，在西方文化的强势冲击下，我国很多动漫创作者过于追求西式风格，丢掉了本民族的文化传承。

二、促进传统文化和动漫艺术设计创新性融合的策略

（一）汲取优秀的传统文化元素中华文化传承

不仅仅是通过口耳相传或者是文字记录来传递、传接中华传统文化的民俗内容。更重要的是传承本身就形成了一种文化，是一种“传递”的文化，是中华传统文化不断演变的文化。中华文化是中华民族价值观、人生观、世界观的历史积淀与文脉传递，因此对于动漫创作来说要汲取优秀的传统文化元素。在文化汲取中要注重以下特点：①多样性。中华文化源远流长，其通过多种多样的传递方式来进行传递，其中包括诗歌唱诵以及音乐表演、戏剧、舞台剧等肢体行为表演、书籍文字记载以及观念意识传承，因此在动漫创作中要注重对于不同形式的文化作品的吸收；②发扬性。中华传统文化也不完全适应当代社会的发展，因此在动漫作品创作中要“取其精华，去其糟粕”，吸收传统文化中积极向上的元素，摒弃将那些消极否定的文化元素。

（二）促进神话、历史等题材与动漫艺术设计的结合

动漫是随着社会经济发展产生的文化艺术，因此动漫的创作要能够跟上时代的发展潮流，能够针对出特定时期观众的审美观点。面对当前中国现代动漫作品中创意不足的现象，应该从传统的题材以及内容入手，将传统元素与现代表达形式结合起来，促进神话、历史等题材与动漫艺术设计的结合。将中华民族文化中民间故事、神话传说等文化载体用动漫的形式传递出来，深层挖掘传统题材，将其赋予鲜明的时代含义，将其蕴含的精神实质、思想感情、表达线索等深层次的内容用现代动漫艺术展示出来，让观众在观看动漫作品的同时，能够深受动漫作品中的传统文化元素的感染，从而增加动漫民族化元素。

（三）增强动漫艺术的创新意识

对于中国现代动漫发展来说，将民族传统与现代动漫有机地结合起来，将丰富多彩的中华民族文化与鲜明、快节奏的现代动漫表现形式联系起来，可实现中国现代动漫产业的快速发展。为了增强民族动漫的创新意识，提升民族动漫在国际动漫市场的竞争力，在中国现代动漫作品创作中应该深层次挖掘传统元素，将《沉香救母》、《大闹天宫》、《白蛇传》、《水浒传》、《三国演义》等一大批传统文化作品搬上动漫银屏，将创新性的理念贯穿整个创作过程，大胆创新动漫题材，将先进的动漫创作技巧、手法与作品创作有机地结合起来，让中国动漫产业在新时期泛发出新的活力。

（四）注重传统文化美德与动漫艺术设计

融合动漫作品的创作目的不仅仅是让观众欣赏到精彩纷呈的动漫作品本身，而是让观众在欣赏动漫作品的过程中，不知不觉地将真善美等积极向上的思想传递给观众。因此对于动漫作品的创作来说，要注重对于传统道德的弘扬，通过塑造的具有优良品格的人物，能够向观众传递正能量。例如以中国二十四孝故事改变的动漫作品《中华德育故事》，其通过动漫的方式将郭巨、董永、黄香等孝子的感人事迹呈现出来，从而对于年轻的观众心理产生较大的触动，从而对于父母更加孝顺。因此动漫作品在创作中一定要注重与传统文化美德的创新性融合，将传统文化中孝顺、忠诚、诚实、守信等美德元素用动漫艺术的形式展现出来，心灵上与观众产生真善美的共鸣。

动漫艺术论文篇6

动漫是“动”的艺术，以动为本，多是在运动中讲故事。敦煌壁画中，对人物“动态”的塑造是艺术家们对生活精细观察后的成功创作。如敦煌的标志性形象—飞天能成为敦煌的LOGO，源于她的美，而所有的美感来自于她的动态。虽然在敦煌不同时期塑造的飞天体态各不相同，但是她们身体的翻转、扭曲，四肢的伸展、摆动，形成流动唯美的S形，再加上衣裙飘带飞扬的走势，以及背景纹样的流动感，都体现出由力量、运动和速度构成的灵动美。具有动感之美的飞天打破了洞窟中呆板森严的气氛，使观者眼前一亮，使洞穴富有生气。吉林动画学院参照敦煌飞天形象制作了原创动画片《飞天》，片中所流露出来的美感，浓郁的敦煌风格，强烈的本土气息，在今日一味追“日”追“美”的中国动漫市场上，给人唯美的视觉感受和心灵的震撼。

2.元素之二—夸张

夸张是动漫艺术惯用的手法，目的是为了表达强烈的思想感情，突出某种事物的本质特征。动漫画家运用丰富的想象力，对形象的某些方面刻意地夸大或缩小，做艺术上的渲染。文学家高尔基指出：夸张是创作的基本原则。2009年春节晚会上，舞蹈《千手观音》精美绝伦，令全国亿万观众震撼，其创作源头就来自于我国的敦煌壁画。千手千眼观音是佛教密宗中最重要的菩萨之一，多首、多手、多眼是千手观音的主要特征。敦煌壁画中的图像就是根据佛经而绘制的经变图或变相图。这样夸张的“千手千眼”观音造型并没有难倒聪明的古代艺术家们，他们采取了以少代多、相互组合的办法，在观音的身上绘出许多持各种法器、宝物的大手，在大手外边画上千只小手，用小手组成观音的圆轮形背光，又让每只手中长出一眼，这就变成了“千手千眼”，使其多而不乱，美而优雅，法力无边。这种夸张的巧妙创作不禁使人啧啧称赞。在动画片中我们经常能见到，把身体的某一部分在角色上反复出现，表达角色的一种神力或表现一种幽默感，如《哪吒闹海》中的哪吒、《怪物电力工厂》中的小怪物们。

3.元素之三—色彩

形乃近观，色则远观。当观者走向画面时，映入眼帘的是色彩而不是造型，因此色彩对渲染画面神韵有着重要的作用。敦煌壁画的用色受中国文化的五行观的影响。五行是指木、火、土、金、水五种物质的运动存在着既相互滋生又相互制约的关系，在不断相生相克的运动中维持着动态的平衡。“敦煌壁画每一个洞窟的建筑、雕塑、壁画都有统一和谐的色调，每一幅画的用色都服从整窟统一的布局。”在画面保持色调统一的基础上，又不乏局部绚丽丰富的色彩。壁画用色以红、黄、绿、蓝、白、黑、褐为主，通过大小对比、形状对比、补色对比、色相对比和冷暖对比，把单调的色彩丰富运用，形成强烈的装饰效果，绚丽又不失厚重，鲜艳又不失朴素。《九色鹿》《大闹天宫》《哪吒闹海》《飞天》等动画片都充分借鉴了敦煌壁画的色彩特点，有浓郁的本土气息，既给人视觉美感，又让人心理上产生自豪感。

二、敦煌壁画给予中国动漫艺术创作的启示

1.用虔诚之心做动画

敦煌壁画是以佛教故事为创作母题。最早在敦煌修行的僧人，要自己去塑造一尊心中的佛像，便日夜对着佛像静心修炼，十分虔诚。古代艺术家们在绘制这些壁画时也是怀着虔诚之心。绘制过程不是一种单调乏味的劳作行为，而是一个调心养性的过程。佛理与艺心相连，佛性与人格相连。画者内心的修炼对敦煌壁画起着十分重要的作用。画者从精准和美妙两个方面严格把控壁画作品的质量启示，进而达到神正的目的。反思我们当今的绘画行为，是不是有些浮躁？或者狂热追“日”追“美”而失去了自我？古代艺术家们启示我们，只有静心思考，严格要求，倡导人文精神，我们制作的动画才会有前景。

2.用创造之心做动画

在敦煌壁画中，我们可以看到许多比例缩短、强劲有力的金刚力士，身姿优美、媚柔姣好的菩萨，愣眉鼓眼、威武勇猛的天王，还有许多兽头人身的天空神怪，如雷神、风神等。这些姿态各异的造型都是古代艺术家们根据佛经故事想象和创造出的形象，以满足人们的和审美要求。敦煌壁画从无到有，是一个原创的过程，为后人的艺术创作提供了借鉴。我国早期优秀的动画片《九色鹿》《大闹天宫》《哪吒闹海》就是受其启发和借鉴的。早期的动画家们不仅借鉴了壁画，还融合了剪纸、戏剧等民间艺术，对其反复斟酌与修改，历经数年才创作出这些具有个性特征和文化内涵的优秀动画片。古人和前人都已给我们树立了如此优秀的榜样。我们不能墨守成规，要做自己的动画，要用时代的精神、创新的思维来制作当代的本土动画。如新生代的网络动画《包强》《抢狮头》《飞天》等便是例子，它们让中国动画业看到了希望。

动漫艺术论文篇7

（2）宫崎骏动漫场景设计中生活场景。宫崎骏的动漫创作中融入了大量的生活场景，在生活场景的设计中色彩明艳、自然清晰。艺术来源于生活而高于生活。其动漫生活场景的设计完全符合了人们的审美需求，街道、人群、车辆穿插的自然和谐。［2］在其动漫设计中有轨电车的插入一下子改变了动漫的节奏，给人十分清新的感觉。大师在《天空之城》的设计中创作了一座漂浮于空中的城市，大胆的想象精美的制作，整个故事都是围绕着这座城市展开的。

2宫崎骏动漫情节设计艺术美

宫崎骏奇幻多彩的动漫情节设计使动漫引人入胜，奇妙多变的情节为观众留下了深刻的印象。

（1）多元素融合。宫崎骏的动漫情节设计是多重元素的融合，其故事发生的地方不是一成不变的。其设计了风格多变的故事情节，将多种元素相融合。动漫总是充满了奇幻的色解析宫崎骏动漫电影艺术美任　艳（河北艺术职业学院，河北石家庄050011）彩，宫崎骏的动漫更是这样。［3］《魔女宅急便》中将会魔法的魔女投入到平凡的现实社会中，魔法元素与平静的现实生活相碰撞，创作出不平凡的动漫世界。通过主人公宅急便将平凡的人融入不平凡的事件当中，创作出与众不同的动漫世界。

（2）奇妙的转折。每一部精彩的故事都会有一个意想不到的转折。转折是一部动漫精彩部分的亮点。可能是主工捡到了一件东西、也可能使遇到了一个特别的人。宫崎骏动漫中也存在着奇妙的转折点。在动漫《千与千寻》中通过女主和白龙的相遇展开了一定奇幻之旅，主人公相携到达不同的世界抗争现实的命运，寻求生活的改变。《崖上的金鱼公主》一切故事的发生都是因为主人公捡到了一条金鱼，这条金鱼有着非凡地位，主人公为了帮助其寻找回家的方法展现了一系列的故事。

（3）永恒精神。永恒的精神是一部动漫情节中最不可缺少的亮点，故事的主人公总会因为梦想的追求展开生活的新篇章。宫崎骏的动漫也是围绕着主人公永恒的追求展开的只不过宫崎骏的动漫中这种精神更加温馨。故事的展开是因为主人公心中的守护，守护的可能是一片森林、一个归家的梦、一个值得火种。宫崎骏的动漫中充斥着温情的色彩。这种温情的色彩是观众喜爱宫崎骏动漫的重要原因，观看动漫之后会从中获得力量。走出影院之后会感觉暖暖的。

3宫崎骏动漫人与自然和谐美

作为一位动漫大师宫崎骏对人与自然的关系有很深的探索与思考。其提出人与自然和谐发展的主流时代精神，并通过动漫表现出来让更对的人对人与自然的关系产生思考。

（1）人类破坏自然的惩罚。在宫崎骏的动漫中能看到的大师创作动漫的明显的情感倾向。其提倡保护自然，爱护自然。人们对自然的破坏会使人类自身受到惩罚。在动漫《幽灵公主》人们在森林中心的湖畔发现了一只白鹿，人们受到自身贪婪的诱惑借助白鹿的善良将白鹿杀死，在白鹿死去的同时人类受到了自然的惩罚。白鹿是森林的守护神，是自然的化身人类将白鹿杀死疾病像诅咒般蔓延。故事的最后公主安抚了死去白鹿的灵活使人们逃脱劫难。

（2）人与自然和谐相处的益处。人与自然和谐相处是宫崎骏动漫创作的核心思想之一，大师根据当今社会经济的高速发展对人与自然的关系展开了深刻的探索。人与自然的关系不应该是相悖向发展的，人类社会的发展进步不应该建立在毁坏自然环境的基础上。人与自然需要和谐的发展共同的向前。在动漫《崖上的金鱼公主》中人与自然和谐发展的思想表现得尤为明显，大海失去了它的孩子发生了暴动，可爱的主人公因为对金鱼的喜爱决定帮助其返回家乡。从中可以看出人类应该帮助自然发展，为护自然环境。

动漫艺术论文篇8

一个完美的动画角色形象需要动画设计人员以现实生活为根本，将生活中的人物原型加以修饰，将现实生活人物中的原型与性格通过夸张的艺术手法将之进行还原。以“大力水手”为例，在该动画角色当中，为了将“大力水手”中大力士的形象凸显出来，动画角色造型设计人员通过采用夸张的艺术手法将大力水手的双臂塑造成了长而结实的胳膊，将他的嘴巴设计成为一个瘪瘪的，而且经常叼着烟斗的形象，这样就使得“大力水手”的形象栩栩如生，就如同是一个街道生活的大叔、或者是隔壁码头的搬运工，给人的印象显得相当深刻。

对角色表情的夸张

通过对动画角色造型进行夸张的另外一个手法就是对角色的表情进行夸张设计，这样可以完全将动画角色的个性特征表现出来，然后对之辅的增强其生命能力，将达到更好的艺术效果。同时，通过使用表情夸张的方式还可以使得动画角色的表情更加的诙谐与幽默，在不经意之间能够引起人们哄堂大笑，使得动画的艺术角色更加深入人们的脑海，达到良好的艺术效果。

拟人手法

在动画影视中，另外一个经常用到的艺术手法就是拟人的艺术设计方式，通过拟人可以将动画角色的形象特征更加直观、明显的展现在人们的面前。最终可以充分的展现动画角色的形象与特征。

动画角色风格的分析与对比

对于动画角色的造型风格等，国际上主要是根据各个国家的地域特色为标准进行划分的，主要可以分为三个主要的风格流派，主要包括：以美国好莱坞动画制作为代表的国际流派，它们是经典动画，是主流中的主流；另外一个就是以日本为代表的东方式动画风格，它们的风格与韩国、香港与台湾相接近，具有典型的东方形态特点，在亚洲地区具有极高的人气；而以欧洲为代表的动画风格则包括多种自由、多变、洒脱的特点，具有典型的独立式以及自由特点，以欧洲风格为主。同时，中国的动画在其中也占有比较重要的地位，尤其是以水墨为主的风格被国际动画学派认为是“中国动画学派”。

其中的美国风格大多是采用最为传统和简单的方式，将最为简单的单线框以及平面色彩绘制的方式，利用艳丽的色彩、明晰的线条来进行色彩分明的设计。在设计的过程中讲究动画的体块感，力图通过整体效果的营造以及丰富的肢体、表情语言来达到通过复杂的结构实现单纯的动画效果的目的。同时，美国动画角色形象还具有动作十分夸张，充满弹性、色彩浓烈等特点，充分的体现了动画角色稚气、夸张而可爱的一面，常常以及其夸张的特点获得令人瞠目结舌的效果。

而“日本风格”的动画片已经逐步的形成了自己特定的模式，其中包含了极其鲜明以及浓郁的民族风格与特色，其中富含唯美的映像特带你充满了东方人明显的人文精神特点。同时，在整个动画角色的造型过程中，通过轻松的格调、细腻的风格以及甜美的造型而使得动画角色充满了轻松而细腻的特点。同时，在格调的设计过程中，通过对动画角色的服装、发型以及配件首饰等方面进行设计。而中国动画则是在充分吸收中国民间绘画艺术的基础上，同时辅以戏曲等表现特点，将中国的绘画、音乐、戏剧以及美学特点等精华结合起来，充满了浓郁的中国特色。

动画造型设计过程中遵循的基本原则

1充分与时代文化特点相结合

艺术的最终来源是生活，而一个好的艺术角色就必须贴近生活、源于生活，并且为生活提供服务。而动画角色本身就是一个艺术角色，这就要求“动画角色”在设计的过程中要与时代的特点相结合，通过与生活中的时代文化特点相融合，可以设计成为一个被人们欣然接受的动画角色。同时，动画角色设计师应该以现实中的中的人文特点以及性格特征为基础，通过对这些任务的特点分析，创作出一个能够反映出时代特点以及时代文化发展需要的动画角色。而要达到这些，需要设计师在动画角色造型的过程中对自己的生活进行充分的感悟，在生活当中做一个有心的人，这样才能设计出一个符合时代特点的动画角色。

2动画角色造型应该充满趣味性

动漫艺术论文篇9

公共艺术课程教学作为普通高等学校艺术教育工作的中心环节，其课程体系的合理构成是保障公共艺术教育有效实施的关键。在高等教育公共艺术课程体系中，音乐、美术、舞蹈、戏剧、戏曲、书法等传统艺术门类占据了主流地位，其他属前卫、通俗、流行艺术范畴的艺术门类则因认知缺陷和学科建设的缺失而很少被提及。只有先弄清动漫艺术是否具备成为公共艺术教育教学载体的合理因素，才能为动漫艺术进入公共艺术教育课程体系提供充足的论据，并打消教育工作者以及广大家长心中的疑虑。

一、动漫艺术审美品格符合公共艺术课程的教学目标

2006年教育部颁布的《全国普通高等学校公共艺术课程指导方案》明确规定，公共艺术课程目标是“通过鉴赏艺术作品、学习艺术理论、参加艺术活动等，树立正确的审美观念，培养高雅的审美品位，提高人文素养;了解、吸纳中外优秀艺术成果，理解并尊重多元文化;发展形象思维，培养创新精神和实践能力，提高感受美、表现美、鉴赏美、创造美的能力，促进德智体美全面和谐发展”。［1］那么，动漫艺术教学能否实现以上目标呢?可能许多人对此是持否定态度的。于是，分析动漫艺术审美品格就成为正本清源、化解争议的根本途径。作为青少年群体喜闻乐见的一种艺术表现形式，如果单纯从娱乐性去理解而忽略了其自身的审美价值魅力，这无疑是对动漫艺术最大的不公。

列夫托尔斯泰在其著作《论艺术》中指出:“艺术的创造能够在人的心里唤起一度曾经体验过的感情，并且在唤起这种感情之后，用动作、线条、色彩以及言辞所表达的形象来传达这种感情，使别人也能体验到这同样的感情———这就是艺术活动。”［2］从列夫托尔斯泰对艺术活动的定位，我们可以看出动漫艺术完全符合作为艺术活动的基本要素，大众对于其娱乐化的浅显认知来源于动漫艺术广泛的群众接受度以及部分动漫作品基于商业利益而展现的低俗格调。然而，这并不妨碍动漫艺术自身的艺术地位以及我们对好的动漫作品的欣赏。动漫艺术被广泛接受并不是因为它的娱乐性，而是其融汇了文学、绘画、音乐、电影的综合技能，创造出了一种符合广大青少年甚至成年人所喜爱的新型艺术表现形式。理查德•舒斯特曼在“实用主义美学”中主张“我不仅批判高级艺术那种疏远的深奥主义和总体性主张，而且尖锐地怀疑任何高级艺术产品和通俗文化产物之间本质的、不可逾越的区分。历史已向我们证实，一种文化的通俗娱乐(如古希腊甚至伊丽莎白时代的戏剧)可以变成随后时代的高级经典。实际上，甚至就在同一个文化时期，一件作品是作为通俗的还是高级的艺术发挥作用，取决于它被公众怎样理解和利用。”［3］同理，动漫艺术是作为通俗的还是高级的艺术发挥作用完全取决于其受众以及社会群体对它的选择和认知。作为艺术教育工作者，我们如果无视动漫艺术被广大青少年喜爱的事实，而选择因动漫作品中的某些低俗存在而全盘否定或有意避讳的态度，那无疑是对动漫艺术的践踏和对学生教育的不负责任。负责任的艺术教育态度应该是去探究一个最根本的问题，即“动漫艺术具有何种魔力，让广大青少年甚至成年人对其喜爱之极”。针对青少年群体进行动漫审美分析，有助于艺术教育工作者合理利用动漫艺术的积极因素，实现其艺术教育作用。

西方“移情说”美学代表人物利普斯从审美心理学的角度阐释:“我们都有一种自然倾向或愿望，要把类似的事物放在同一观点下去解释。这个观点总是由我们最接近的东西来决定的。所以我们总是按照在我们自己身上发生的事件的类比，即按照我们切身经验的类比，去看待在我们身边发生的事件。”［4］“移情说”为艺术教育工作者探寻青少年的动漫审美乐趣提供了绝佳的视角。动漫《ONEPIECE》(又名《海贼王》)是日本漫画家尾田荣一郎的动漫作品。该作品在日本国内掀起了极大的热潮，受到儿童青少年群体甚至成年人的广泛喜爱。在我国，这部风靡十多年的动漫剧更成为伴随“90后”一代成长的主要作品。根据笔者授课班级的反馈情况，《海贼王》在“90后”学生的心目中具有极大的影响力。他们在讨论这部作品时充满欢快、热情甚至激动。他们更在文中写到这部作品如何教会了他们坚持，如何在他们失败时给了他们再出发的勇气，如何告诉他们什么是真正的友谊……一部虚构的故事，却能够成为青少年学生在人生成长阶段的重要精神食粮，谁又能说它不是一部伟大的艺术作品呢?《海贼王》的故事情节虽是虚构的，可它渗透在情节中的勇气、坚持、友谊等品格力量是青少年群体在成长过程中最需要的。学生将发生在自己身上的事件“移情”至海贼王的故事情节中，在被动漫作品感动的同时满足自己心底的情感需要。“一方面主体通过移情赋予对象以生命;另一方面主体又有从客体中观照自我情感的审美需求。”［5］动漫作品在这里所发挥的作用形象而强烈，对学生潜移默化的影响比简单的说教要更加真切和充沛。《海贼王》那一个个也许算不上优美的人物形象，展现的却是对青少年来说无比重要的人文关怀，谁又能说《海贼王》对青少年群体人文素养和审美品格的影响会小于伟大的艺术作品《蒙娜丽莎》呢?基于这样的现实状况，艺术教育工作者更应该主动将优秀动漫作品作为教学载体，通过对相关作品的解读，引导学生更好地理解作品，剖析自己的内心世界，并使学生感受到与其日常生活审美经验相对接的审美体验，帮助学生树立正确的审美观。

二、从接受美学的角度分析动漫艺术应作为公共艺术教育的审美对象

接受美学为将动漫艺术作为艺术教学载体提供了很好的理论依据。“接受美学的出发点或原则性立场是，读者(接受者)不是被动的，而是主动的，他在文本含义生成时扮演主动角色，并对作品的历史生命具有决定性影响。”［6］一件艺术作品，如果缺乏了接受者的主动参与，并不被接受者从心底感受和认知，其审美功能毫无疑问会大打折扣。从此角度来看，日本动漫大师宫崎骏无疑是被接受度最高的一位动漫大师，其作品被人们评价为“将动画艺术上升到了人文的高度”［7］。他的作品内容大多涉及人类与自然之间的关系、和平主义及女权运动等宏达的叙事主体，所采取的表达方式是将唯美的二维绘画艺术、天马行空的梦幻世界、离奇的童话故事和温情的人类情感相结合的动画叙事手法。其作品在广大青少年群体以及有着纯净心灵需求的成年人心里产生了巨大的震撼。《风之谷》中人类的暴行对于自然生灵残酷的伤害和最终自食其果的画面，让观者无不为之动容;《龙猫》中那憨态可掬的龙猫形象以及与小姐妹和母亲之间的点点温情更让人重温了童年时光;《千与千寻》中千寻的坚持和自我成长启发了无数少年在成长之路中自我探寻……从1984年创作成名作《风之谷》一路走来，宫崎骏用其动画人的坚守、人文者的思想力和艺术家的表现力，为广大观众创作出了一部部动画经典杰作。正如1922年法国影评家埃利•福尔满含感情所预言的:“终有一天动画片会具有纵深感，造型高超，色彩有层次……会有德拉克洛瓦的心灵、鲁本斯的魅力、戈雅的激情、米开朗基罗的活力。一种视觉交响乐，较之最伟大的音乐家创作的有声交响乐更为令人激动。”宫崎骏在创造一个个票房奇迹的同时，无疑也实现了这一预言。他用他的作品启发了一代代青少年思索人类与自然的命运，体味友情、亲情以及青涩的爱情，理解成长与坚持;他也用其作品精致优美的画风以及天马行空的想象让我们感受到了那一个个细节的美感存在和创想创意的魔幻之境。奥尔德里奇说:“将客观事物分成两种:物质对象和审美对象，同一事物能否成为审美对象关键在于这一事物本身所具有的特性。事物的这些基本特性决定着知觉的主体采取何种知觉方式(观察的方式还是领悟的方式)。如果事物的基本特性引起主体对它采取领悟的方式，那么该事物就将作为审美对象而存在，反之，观察方式下对应的就是物质存在。”［8］被人们广为传颂、激发了一代代青少年的宫崎骏动画带给了人们太多感悟和赞叹，完全符合审美对象的特质。而且其作品广泛的接受度，为激发学生审美兴趣和深入解读作品的审美情趣打下了坚实的基础。

三、将动漫艺术作为公共艺术课程教学载体具有积极的社会学意义

在讨论将动漫作品作为公共艺术教育载体时，我们就不能不触及一个社会关注的话题，即如何消解动漫作品中低俗存在对广大青少年的不良影响。动漫作品中的低俗存在造成了家长和教育工作者对动漫作品的极度反感，因此，在这样的社会认知下，创作内容低幼化成为中国动漫发展的唯一方向。反过来，中国缺乏适合广大青少年阶层的动漫作品，加剧了青少年对以日本为首的他国动漫作品的热爱，这阻碍了青少年在人生重要成长阶段通过他们喜闻乐见的文化形式了解和学习中国优秀文化，也滋长了低俗动漫通过非正规渠道的大量传播。可见，中国传统教育中的回避和阻碍并不能真正影响青少年阶层对于动漫的热爱，反而会因缺乏正确引导，使青少年因认知不足而接触到不良动漫作品，进而受到不良动漫作品思想的侵蚀。将动漫艺术纳入公共艺术教育载体，和学生一起学习、讨论动漫作品所涉及的文学、美学、心理学、电影学、异国文化等意识形态，让学生透过自己喜爱的动漫作品深入了解和探讨作品背后的人文意义，能帮助他们从浅层次的欣赏上升至高层次的文化艺术体悟。学生只有提升了对动漫作品的审美情趣，才会自动分辨和远离低俗动漫作品，从而形成动漫发展和传播形态的良性循环。由此可见，由于动漫艺术所具备的综合性特征，将动漫艺术作为公共艺术教学载体，实现的将不仅仅是艺术与审美认知的提升和发展，还将通过作品中的艺术性、思想性以及文学性等丰富内涵涵养学生的精神世界。实现这一切的前提是，承认优秀动漫艺术作品作为公共艺术教学载体的合理性和必要性，并在此基础上通过对优秀动漫作品的深入分析研究，不断完善动漫艺术公共课程教学的课程体系，最终实现育人的目的。

参考文献:

［1］教育部办公厅.全国普通高等学校公共艺术课程指导方案(教体艺厅〔2006〕3号)［A］.2006－03－08.

［2］列夫托尔斯泰.论艺术［M］.北京:人民文学出版社，1958:46.

［3］理查德舒斯特曼.实用主义美学［M］.北京:商务印书馆，2002:225.

［4］马奇.西方美学资料选编(下卷)［M］.上海:上海人民出版社，1987:841.

［5］岳介先.立普斯的移情说美学［J］.江淮论坛，1994(4):26.

［6］方维规.文学解释学是一门复杂的艺术———接受美学原理及其来龙去脉［J］.社会科学研究，2012(2):109.

动漫艺术论文篇10

动漫与戏剧和影视学

在动画的学科定位方面，我们已经明确动画是归属在一级学科戏剧和电影、电视学下面的二级学科。“动画”二字，会让我们联想起一部部通过逐格绘制、拍摄和制作的动画影片，想到播放的电影或电视片，如脍炙人口的《小蝌蚪找妈妈》、《三个和尚》、《大闹天宫》和《喜羊羊与灰太狼》等等丰富多彩的动画片。一部动画电影完成后在电影院中播放，一部或一套动画电视片在电视台播出，这是顺理成章的程序，把动画看成是电影、电视的一部分也是十分合理恰当的。其实，我们今天所遇到的所谓“动漫”的概念也是起源动画，应该说没有动画，就没有动漫的产生;我们今天所创作的、所应用的和所讨论的动漫其实是在动画的引领、诱发下萌生出来的一个新生的另类，这也从另一个角度印证了动画在其百年的发展和演变中的独特经历。从主体中衍生出另类，对于动画来说已经不是第一次。早在上世纪50年代，中国已经把动画由英文直译的“卡通片”衍生为“美术片”或“美术电影”，并且建立了中国当时最大的上海美术电影制片厂。

“美术片”这个称呼一直延续到上世纪80年代得以终结，并从民间起改称为动画片或动画。主要原因有两个方面:一是文化的开放与融合，上世纪80年代开始的改革开放所带来的一波波文化、经济浪潮，让人们的思想解放。一系列新鲜的观点、建议和见解纷纷得以表达。由于人们，特别是年轻的一代，第一次看到了迪斯尼的米老鼠、唐老鸭，日本的阿童木和一休等形象———一系列的跨越文化、跨越时空的动画片时，显然对于当时“美术片”这个名称有了不同的认识和新的看法。二是科技的原因，由于新技术(特别是以计算机技术为标志的信息技术)和现代的工业化及产业化的运作模式进入了从创意到制作到发行的动画全部领域，也促使加快美术片向动画片的过渡。在短短的几年内，“美术片”这个概念已经基本被停用，取而代之的是动画或动画片的概念。但由于文化和技术的缘故，人们发现美术片的名称被废掉之后，所谓的动画也还是不能完全的囊括人们所要表现的手段和理念，于是，顺理成章地衍生出了动漫概念。因为“动漫”这个词既是一个新的概念，又是一种基本可以覆盖电影、电视等艺术与产品和漫画及衍生产品流行的和时尚的思潮。这种思潮一直延续到今天，并且已经成为一种主流的文化现象。

我们可以从卡通片到动画到动漫的演变过程中，比较清楚地了解到动画与动漫之间的关系，也就是说动画还是动画，动画的学科定位归属于一级学科的戏剧与影视学是理所当然，但是动漫是动漫，动漫不能等同于动画。因此动漫的学科定位是应该有所不同。

动漫与设计学

艺术门类下一个重要的一级学科是设计学。每当我们看到市场上琳琅满目的与动漫相关联的文具、玩具、服装、图书、广告、网络媒体等产品时，总是会将动漫与设计的概念糅合到一起，认识上是模糊和互换的。究其原因实在很简单，这是因为当今社会里在某些领域中，设计与动漫已被融于一体。现实生活是如此，就势必会影响到教学以及学科的设置。

在我们的设计教育中，一般会开设动画的前期设计和动漫衍生产品的开发、设计和教学。就目前规范的学科设置来看，这些与动画、漫画相关联的产品的设计与开发是应该属于设计学的范畴之内。的确，动画影片的前期形象、场景设定和艺术风格的设计等的工作理应归类于艺术设计。就以动漫的衍生产品设计为例，其涵盖的概念设计、外形设计和功能设计都是在大的设计学的范畴之内。其实，设计学的原理和设计的方法始终独立贯穿在动漫产品的创意、制作和营销的全过程中。

因此，就能看到动漫与设计在一些领域里被糅合被重叠。但是另一个问题又来了，如前所述，动漫是一个大的概念，它包含了四个主要的方面，自然有与设计相交叉的成分并且十分重要，但是如实地分析，动漫类的设计只是设计学学科的一部分，它有很大一部分是游离于设计学的范围。动漫与设计学中多媒体学科的关系也值得探讨。这里的“多媒体”主要是指在新兴技术下所产生的媒体现象，如网络媒体、手机媒体、全息和激光技术媒体等等，动漫总是一次次的成为新一代媒体技术和手段的实验者和生力军。以手机媒体为例，近十年来，其技术经过了多次改革和提升，已经成为人们生活中不可缺少的一部分。

从诞生之日起，手机媒体与动漫就产生姻缘，迄今为止，手机媒体中的主打内容基本是动画短片和漫画图片。何为这样?其第一重要的是技术进步的原因，其次也有人们的审美喜好原因。再说网络媒体，这种新兴的媒体形式发展一路走来，也与动漫有着不离不弃的关系。就以Flash这种软件为例，它是专为动漫与网络媒体结合而创造出的链接通道和工具。这种Flas在如今已经不再专属于网络媒体了，它已经从虚拟的网络世界迈向了影院和电视台等更广阔的传播空间。新一代媒体，如3D、4D、全息影像等等，无一不是以动漫作为第一载体来到广大观众面前。因此，往往会给人一个印象:动漫就是多媒体，多媒体就是动漫。但是当我们稍加仔细地研究和分析就会发现，多媒体与设计学的其他学科一样，与动漫的关系都是有所关联和交叉，但却不能重叠和覆盖。

动漫与美术学

美术学也是艺术门类下的一个十分重要的一级学科。但是近几十年来，当我们提起美术和看到美术作品时，尤其是看到许多展览中所展出的现代艺术作品时，总是会不由自主地感受到美术所面临的、来自现代时尚文化的巨大冲击。当我们欣赏日本现代艺术大师村上隆含有大量日本动漫元素，并且价格昂贵的作品时，自然会想到动漫与美术的结合，尤其当动漫与现代影像艺术相结合并成为现代美术的一部分，这已经是一个不争的事实。动漫作为美术的一分子早有渊源，如动画片的前身就是“美术片”。我们老一辈的动画艺术家们早就发现了美术，特别是从中国传统美术和民间美术形式中得到灵感并在动画影片中加以运用非常重要，闻名于中外动画行业中的“中国学派”的光辉也是拜美术所赐。从动画片创作的本身来分析，无论是二维、三维，还是定格、剪纸、沙画，这些形式事实上都与美术分不开的。从影片的艺术风格、人物刻画和背景的设计，从原画、动画的绘制和后期合成、校色等等，都离不开美术。这也证明了“动画”中的“画”的作用是至关重要的。

动画是动漫的一个组成部分，从它与美术的外部联系来看，动漫与美术的结合目前出现在几个主要的方面。一是作为展览、展示的动漫创意艺术作品。我们在一些大型的美术展览中，如意大利的威尼斯双年展、巴西的圣保罗双年展、北京美术双年展和上海美术双年展，都可以看到以动漫影像为媒介的各式作品，艺术家们利用动漫的手法来展示他们的情感和创意。二是拍卖或收藏在动漫制作中绘制的画作手稿。以迪斯尼的作品为例，一些40年代迪斯尼出品的动画影片的单帧赛璐珞片画作手稿已经卖到了30万美元一张。还有一些现代的动画和漫画作品的画作手稿也都成为了某些美术收藏家们的最爱。三是动漫中的漫画部分也是与美术相交叉的作品。有许多活跃在这两个领域的画家、漫画家，同时他们也是动画艺术家，像已故的动画大师特伟、阿达等。虽说动漫是与美术学有着不解之缘，但是它们双方还是各自独立的，而不能相互覆盖。

动漫与音乐和舞蹈学

如果说动漫与戏剧和影视学、设计学和美术学等有关，人们是可以接受的，但是如果把动漫与音乐和舞蹈学这些舞台艺术视为一体，会有很多人不能理解。但是，生活的现实已经证明动漫与音乐、舞蹈，甚至与戏剧表演等的结合是可观可听的。首先，动漫中的动画影片和多媒体的制作就离不开音乐的配合。另外，由于科技的进步和人们的审美与时尚需求的提高，有愈来愈多的音乐舞蹈的创意和演出需要加入动漫影像。

诸如日本著名动画家宫崎骏和著名作曲家久石让联合举办的动漫音乐会，浙江工业大学小和山动漫研究中心与上海音乐学院、上海交响乐团和中国美术学院合作的动漫交响音乐会，这些音乐会都把动漫作品与音乐作品、故事情节与舞台氛围、音乐元素与声光电技术有机的结合起来，展现在舞台上，使观众在得到听觉愉悦的同时也得到视觉的享受。这些成功的动漫音乐会也充分地证明市场需求多媒体和多元艺术形式相结合的新演出形式，而它们所彰显的强大的时尚性和观赏性正是当今观众的需求增长点;近些年，动漫儿童剧和动漫戏曲演出也逐渐成为时尚。显然，视与听的完美结合已经成为艺术家们追求的目标。

不过动画诞生不久，有人就把它搬上舞台与真人共舞，动漫与舞台艺术的结合由来已久。但随着时间的推移，时代的进步，动漫技术提升和制作成本的降低，令愈来愈多的艺术家、动画家、漫画家、音乐家、舞蹈家和戏剧家都加入到展示多元艺术相辅相成的实验和探索的队伍中。现今，在艺术和商业两个方面都成功的例子越来越多。由此可见，动漫与音乐和舞蹈学虽然结合愈来愈紧密，但是它们之间依然保持着各自的特点和独立性。

动漫与艺术理论学

艺术门类中的唯一的一个理论类的一级学科就是艺术理论学。动漫经过近三十年的发展与演变，其自身也逐步形成一套比较系统的艺术理论体系。在本质上动漫的理论体系应是艺术理论学的一个分支和组成部分，它与艺术理论学有着许多的共性方面;但是在个性方面，动漫的理论体系又有自身的特点。

以动画理论研究为例，动画中的创意理论属于艺术理论学的范畴，但是动画的技术理论大都属于工科和科技理论的范畴。由此我们可以认定动漫理论体系可由三大部分组成:一是动漫的艺术理论部分;二是动漫的技术理论部分;三是动漫的其他相关理论部分。

动漫的艺术理论部分涉及艺术创意理论、影视理论、美术与设计理论、传媒理论、表演理论、配音配乐理论，等等。这些均属于艺术理论学研究的范畴。动漫的技术理论部分中的计算机科学与技术理论、智能互动理论、视听传输技术理论和云计算及储存技术理论等都是与工科的科技理论有关联。动漫的其他相关理论部分中的传媒营销理论、会展经济理论、网络传播管理理论等等是与商业、经济和管理学科理论有关联。通过以上分析，我们可以看到动漫的理论体系与艺术理论学也是相互关联、相互交叉、相互补充，甚至相互重叠。但它们都拥有相互独立的特性。

动漫与计算机科学和技术

通过上述的分析，我们可以理解动漫艺术与动漫技术是一对孪生姐妹，尤其是计算机科学和技术与动漫的关系最为紧密。计算机科学和技术本身也是一级学科，但是它不在艺术门类之下。

计算机科学和技术在动漫中的应用主要在两个方面:一是在计算机硬件方面;二是在计算机软件方面。这两个方面在动漫体系中都发挥着不同的作用和功能。在广大的动漫产业和研究团队中，我们总是需要并发现在科研和技术的岗位上发挥着他们独特的技术作用的一批人。他们的努力使动漫成为在艺术门类中艺术与技术结合最为紧密完好的种类形式。很久前，曾经有人说过，在世间的林林总总的艺术形式中，有两种艺术形式是最需要体力劳动，一种是芭蕾舞，另一种就是动画。如今，芭蕾舞依旧如故，但是动画已经大不相同，改换门庭了。究其原因，正是这些科学技术方面的专才们发明了电子计算机和数字技术，使得在动画制作程序方面彻底结束了赛璐珞片动画时期所需付出的高成本和繁重的体力劳动，从而推进动画迈入了现代动漫的新纪元。在上世纪80年代科技专才们发明了三维动画软件和技术，产生了一次重大的技术革命，这种技术完全能把计算机图形、图像建立在数字化的虚拟空间之中，也使动漫进入了一个崭新的数字时代。之后，科技专才们所发明的新技术不胜枚举，各种新观念、新技术和新方法改变着人们的生活方式和娱乐方式。我们在每年一度的国际计算机技术图形图像博览会上都深深地感受到这种新时态。可以说，计算机科学和技术的参与不但使数字技术的应用更加广泛，也赋予动漫更具有强烈的时代气息和性格。

动漫与高等教育

动漫艺术论文篇11

中图分类号：G42 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2014）15-0224-01

专业教学多元智能理论提出的智力理论是动漫艺术设计专业重要指导思想。根据科学的“多元智能”理论，把人文学科和自然学科艺术因素渗透到艺术教学之中，把众多领域借鉴到艺术学习的领域，能有效解决我们在艺术教学中的问题，改变教师的教育观、教学理念、优化教学，更好地实现教育目标，使动漫艺术设计专业教育内容更加丰富多彩，更加开放多元。

一、关于多元智能理论

多元智能理论（Multiple Intelligences）是由美国著名心理学家霍华德・加登纳（Howard Gardner）于1983年提出的。这项理论最重要的观点在于：人的智能是以多元形式存在的一组智能，包括：语言、数理逻辑、空间、身体运动、音乐、人际关系、自我认识、自然探索。

二、多元智能理论对当代教育改革的启示和指导意义是深远而重大

1.“因材施教”：每个人的智能组合方式不一样。

2.多种智能的全面培养：不是传统教育对语言、数理逻辑等单项智能的培养。

3.教育要着眼发展：对学生的不同需要，使用各种不同的方法，给学生提供适合的学习环境和条件能让学生的素质得到全面、切实的提升。

4.注重人的自我认识智能：人都有自省意识，给予学生充分的思考和探究空间，树立以学生为主体的教育理念。由此可见，“整体化、个别化、自主化与多元化的教育内涵”，值得教育者以多元智能理论为指导的动漫艺术设计专业教学是确实可行的。

三、多元智能理论指导下的动漫艺术设计专业教学

根据多元智能理论，动漫艺术设计专业教学应致力于学生多元智能的全面发展，尊重学生的个性差异，注重活动过程的多维度、立体化，强调评价的多元化、形成性，创造适合不同学生发展的有效教学模式，以期最大限度地实现该专业的价值和目标。

（一）弱化动漫艺术设计专业与各学科界限

动漫是通过制作，使一些有或无生命的东西拟人化、夸张化，赋予其人类的一切感情、动作，专业教学的内容涵盖广、范围宽，其教学目标自然无法只停留在对某个单项智能的培养上，决定了动漫艺术设计专业教学以学生的多元智能发展为教学目标，即“为多元智能而教”。

（二）打破学习空间，整合课程资源

动漫艺术设计专业从事动画片制作、影视制作、后期合成等工作岗位，必定是需要打破学生在校学习中阻碍的空间，多元智能理论特别强调在本专业实施课程时尽可能以家庭资源、地区资源、社会资源、民间资源、自然资源成为课程资源，以丰富多样的呈现方式，完成资源整合。

（三）实施多样的学习方式，因材施教

多元智能理论，允许学生根据自己的优势和特长自主选择适合的学习方式。学习风格类型：沉思型和冲动型、整体型和序列型、场依存型与场独立型。因材施教的特点：呈现方式因人而异、提问内容要因人而异、方法探索因人而异、合作要求因人而异、练习要因人而异、分层竞争，适合不同个性的动漫艺术设计专业学生。

（四）建立多元化的评价体系

建立开放和宽松的动漫艺术设计专业评价氛围，需要学生、同伴、教师、家长共同关注、评价，评价主体的多元化。形成性评价的全面性和综合性较强，因此可采用的形式很多，自评、互评、活动、作业、点评、档案、问卷、访谈、周记等。终结性评价主要指期末和结业考试，是检测学生综合语言运用能力发展程度的重要途径，也是反映教学效果和学校办学质量的重要指标之一。

随着多元智能理论和其他当代知识论越来越为广大动漫艺术设计专业教育者所接受和理解，人们对动漫艺术设计专业教学改革的思考和实施也有了更明确的理论方向和基础。充分运用多元智能理论的先进理念，开发学生的潜能，以优势智能的发展带动动漫艺术设计专业学生全面素质的完善。

参考文献：

[1]郭声健.艺术教育论[M].上海：上海教育出版社，1999.

动漫艺术论文篇12

一 传统经典题材人物在动漫创作中的表现艺术

1 造型表现艺术

传统经典题材中的人物形象丰满，性格鲜明，深受人们的喜爱。在动漫创作中，创作者需要在原有题材人物的基础上进行艺术再创造，从而创作出更加符合动漫艺术表现的艺术造型。这种基于传统经典题材的人物在动漫创作[专业提供论文写作的服务，欢迎光临 dylw.NET第一论文 网]中可以分成不同的艺术造型。从视觉类型上可以分为写实造型和拟人造型。写实造型是其中比较常见的造型艺术表现，根据传统经典题材中的人物进行尽可能贴近原来形象的造型设计。例如，国产动画片中的《草原英雄小姐妹》、《大闹天宫》；国外动画片中的《白雪公主》、《聪明的一休》等都是这类造型设计。拟人造型则是根据原题材中的人物造型进行拟人化的重新设计而完成的创作，如《狮子王》中的狮子，便是融合了原题材莎士比亚《王子复仇记》中的各种人物形象和动画片中狮子的形象为一身，形成独具拟人特色的新艺术形象。从艺术意味上可以分为空灵意味造型和唯美意味造型。空灵意味造型的代表作品是国产动画片《小蝌蚪找妈妈》中的造型，这部以中国水墨画为基本技法的动画片成功地表现出了动漫造型中前所未有的空灵意味。这部动画片也因此在国际上多次获奖。唯美意味造型的代表作品是日本动漫《美少女战士》等一大批现代动漫。其中的人物造型多是阳光、健壮、唯美的少男少女。唯美意味造型的成功在于很好地将时代和青春等艺术气息融合到造型艺术表现中，更加符合少年儿童的审美习惯。

2 动作表现艺术

在动漫创作中，人物的动作和语言共同构成了人物的动作表现艺术。人物的思想和情感都可以通过动作表现艺术加以表达。由于动漫中人物具有更大的可塑性，创作者可以对人物进行大胆而细腻的设计，因此，创作者通常对动漫中的主要人物赋予具有鲜明特征的动作和语言。例如，《聪明一休》中的一休每当遇到难题进行思考时都会用手指在脑袋上画圈，然后打坐冥思苦想。这个经典的动作已经成为了人们对于一休这个人物不可抹去的记忆。而对于这个动作的提炼也是艺术创作的一个过程。创作者对于一休的身份、思想和行为进行总结和提炼，又根据动漫对于这个人物的需求进行分析，最终形成了这个极具代表性的经典动作。再如，在《喜羊羊与灰太狼》这部动画片中，喜羊羊每次思考时都会跳一段舞蹈也表达了相同的艺术创作思路。同属于动作表现艺术的还有语言，尤其是人物经常说的口头禅或者人物说话的语气特色，这些都对表达人物思想和情感起到了重要的推动作用。例如，《蜡笔小新》中，小新每次回家都会说“你回来了”。这些设计在第一次出现的时候，都以为小新在犯糊涂，观众只觉得这是个有趣的细节，当这个细节反复出现的时候，观众就会认可这是人物性格的一部分了，甚至可以说，观众慢慢地喜欢上了这种重复，他们一遍遍地看见熟悉的细节，这让观众和动画人物之间建立了某种默契，重复不仅不令人厌倦，反而让观众感到温馨、亲切，成为观众最爱看的部分之一。

3 性格表现艺术

从艺术的角度来看，性格是一个人物艺术魅力的总结与升华。动漫和电影一样是对人物性格进行表述和刻画的艺术。动漫中的人物虽然虚幻，但同样取材于现实生活中尤其是很多经典题材中的人物形象，应该具有鲜明的人物性格艺术。一个鲜明的人物性格有助于动漫对于主题情感的表达。从动漫对于人物性格设计的表现艺术上来看，动漫中人物性格可以分为英雄型性格、智慧型性格和幽默型性格。英雄型性格是动漫中最常见的性格类型，通常具有非凡的力量，能够战胜一切困难，保护人们，深受儿童的喜爱。例如，国产动画片《西游记》中的孙悟空；日本动画片《铁壁阿童木》中的阿童木；美国动画片《变形金刚》中的擎天柱等。对于英雄的崇拜是人们普遍的审美情怀，尤其是对于孩子们。从传统经典题材的人物性格来看，英雄型性格仍然是重要的性格类型。除了英雄型性格以外，动漫创作还从传统经典题材的人物性格中提炼出智慧型性格和幽默型性格。智慧型性格的代表形象是《聪明的一休》中的一休或者《曹聪称象》中的曹聪等。幽默型性格的代表形象如：米老鼠、唐老鸭等。智慧型性格和幽默型性格是英雄型性格的补充。不同性格类型的人物形象组合在一起使得动漫中的人物形象更加丰满且更加多彩。

二 传统经典题材故事在动漫创作中的表现艺术

1 融合传统与创新的剧本表达艺术

剧本是动漫创作中十分重要的创作基础，也是动漫创作进行各种艺术表达的基础。传统经典题材经过长时期的积累和沉淀，形成了深厚的故事内容。动漫创作是融合了电影和绘画的艺术表现形式，具有新时代的艺术特征。因此，动漫创作中的剧本表达融合了传统与创新的双重艺术特征。传统经典题材中丰富的故事内容为动漫剧本创作提供了丰富的素材，新时期的创新美学思想则为动漫剧本创作提供了更加宽阔的创作空间。这种创作艺术是对传统的继承，这类动漫故事从剧本创作上保留了传统经典题材的历史背景、主题氛围、故事结构和人物关系等剧本要素，并在此基础上进行创新，融入更加符合当前时代特征的艺术元素。基于传统经典题材的动漫剧本创作是艺术二次创作的过程，在这个创作过程中，传统的文化艺术与现代的审美思想融合在一起。因此，对于传统经典题材故事的借鉴和引用应该在对其有着充分研究和理解的基础上展开合理的想象，从而使得传统的经典题材在新的艺术表现中得以继承和发扬。例如，根据法国雨果的小说《巴黎圣母院》改编而成的动漫《钟楼怪人》便是在保留原著中故事结构和人物性格特征的基础上，为了更好地适合儿童观看而对故事进行了调整，更加突出了对于善良的赞美这一主题。这部动漫也因此成为了迪士尼公司的又一经典作品。

2 多元化的 叙事风格和美术风格

传统经典题材可以追溯到不同的民族和地域文化，所以不同文化下的传统经典题材便包括了不同的叙述风格。因此，取材于传统经典题材的动漫创作便融合了多元化的叙事风格和美术风格。以美国为代表的西方动漫创作中美术风格以写实为主，并且融合了幽默的叙事风格。美国的电脑技术发达，因此可以以更加细腻的写实画面表达出更加相近与现实的艺术特征，并且融合具有时代感的幽默叙事风格使得美国动漫画面细腻、唯美，叙事幽默。例如，上文所述的《钟楼怪人》原本是一部极具悲剧色彩的文学作品，但被动漫创作者融入了很多的幽默元素，从而使得这部动画片更加具有新时代的艺术特征，也更加符合儿童的审美习惯。中国动画片从美术风格上来看更多地借鉴了丰富的民族绘画艺术和其他艺术形式，例如：水墨画、工笔画、剪纸画、皮影等，追求的也是中国传统艺术的精髓——意境美。从叙事风格上来看，中国动漫更多的是宣传惩恶扬善、去伪存真的正剧叙事风格。例如，在《西游记》中无论何种绘画风格所表现出来的都是对于驱邪扶正审美思想的宣扬。随着文化与艺术交流的日益频繁，不同叙事风格和美术风格的动漫也在彼此的学习和借鉴中得以融合。例如，迪士尼公司创作的《花木兰》便是融合了中西两种不同艺术风格的动漫经典。

三 传统经典题材审美思想在动漫创作中的表现艺术

1 传统美德的弘扬

和审美思想复杂的电影不同，动漫主要受众是儿童，所以审美思想也相对简单——以弘扬传统美德为主要的审美思想。传统经典题材审美思想丰富、复杂，但最终通过动漫表现的都是以真善美为主题的传统美德，这一点对于不同文化的动漫创作都是一致的。无论对于西方写实主义风格还是中国写意主义风格的动漫作品，世界上的真善美都是其永恒的艺术主题。例如，《海底总动员》中的两只小丑鱼以历险记的形式表达了父子之间最无私、最真挚的情感。中国动画片《大头儿子小头爸爸》则以系列动画片的方式表达了同样的主题。如果要在不同的文化和艺术中寻找和概括出共性的思想，那毫无疑问便是以真善美为代表的传统美德。因此，对于这一主题的表达是传统经典题材审美思想在动漫创作中的重要表现艺术。但从不同时期和不同地域文化的动漫作品中我们还是能够看到其中的差异的。例如，《海底总动员》中我们能够看到父子两人为了寻找彼此而表现出来的与危险和邪恶斗争的勇气和力量。《大头儿子小头爸爸》则以润物细无声的方式表达了蕴藏在平淡生活之中的父子情深。

2 独特的情感关怀

如果说对于传统美德的弘扬表现的是不同文化下动漫审美思想的统一，那么独特的情感关怀表达的则是不同文化下动漫审美思想的差异。这种差异使得动漫审美思想更加丰富多彩。不同民族和地域文化有着独特的情感情怀。传统经典题材动漫创作通常取材或改编于经典文学名著、本民族的民间故事、神话故事、童话、寓言、传说等，因此，在创作中自然会融入具有本民族特色的情感情怀，从而使得观众在观看动漫时能够产生具有艺术性的情感共鸣。人们在观看不同动漫作品时，也会感受到不同文化下独特的情感关怀。例如，上文所述的《花木兰》虽然故事取材于中国传说，动漫本身也融合了诸多中国元素，但人们仍然能够感受到其中鲜明的美国文化下的情感关怀。例如，动漫中对于花木兰拥抱皇帝、招聘相亲等情节的设计便是对于美国文化下对自由情感的表达。这样的表达无疑更加符合美国人的情感诉求。同样，中国创作的《狮子王》虽然翻拍自迪士尼的同名动画片，但其中也加入了中国文化中兄弟姐妹之间的情感关怀。动漫创作首先是要迎合本地区人们审美习惯的需求，因此和其他艺术形式一样，动漫创作中的审美思想既有符合不同民族文化中统一的审美思想，也有其独特的情感关怀。审美思想上的统一与差异推动着动漫创作在文化融合道路上的不断探索和前进。

结语

动漫作品的成功与题材的选择有直接的关系，随着世界文化融合思潮的发展，不同文化下的动漫作品也在互相学习和借鉴。例如，本文所述的中国动画片，不仅挖掘了本民族的传统经典题材，也在挖掘世界各民族传统文化的基础上成为了典范。本文从传统经典题材人物、故事和审美思想在动漫创作中的表现艺术三个方面分析了传统经典题材在动漫创作艺术中的表现艺术。本文的研究对于推动中国动漫创作的发展起到了积极的探索作用。

参考文献：

[1] 胡晓晶：《当代影视动画造型特征分析》，《大众文艺》（理论），2009年第1期。

[2] 程瑜瑜：《走上卡通舞台的文学经典——试论迪斯尼对名著的动画改编》，《文艺评论》，2010年第1期。

[3] 程静卫：《论当代中国动漫创作与传统文化资源》，《现代商贸工业》，2010年第2期。